Phim hay nhất 2022 và 2022 năm 2022
|
Ngành điện ảnh trong một năm qua tuy có khó khăn nhưng đã khép lại với các bom tấn bùng nổ Spider-Man: No Way Home, No Time To Die, Venom 2, Shang-Chi hay Eternals. Ở năm 2022, hoàn toàn hợp lý khi chúng ta mong đợi những màn công phá với “sức cháy” lớn hơn từ các siêu phẩm đến từ hàng loạt hãng phim đình đám. Cùng ELLE Man điểm qua top phim hay được mong chờ nhất nửa đầu năm 2022. Show
Nửa đầu năm 2022, chúng ta chứng kiến sự đổ bộ đa dạng đầy đầy đủ của các bom tấn thuộc nhiều thể loại, từ hành động (action), kỳ ảo – giả tưởng (fantasy), phiêu lưu mạo hiểm (adventure) cho đến đề tài kinh dị (horror) hay hài hước (comedy). Hãy cũng ELLE Man đến với danh sách phim hay nửa đầu năm 2022 ngay nhé! 1. SCREAM 5Ngày phát hành dự kiến: 14/01/2022 Phần phim Scream đầu tiên được ra mắt bởi cố đạo diễn Wes Craven năm 1996 đã gặt hái được thành công vang dội khi thu về 173 triệu USD toàn cầu. Thành công lớn này là tiền đề cho sự ra đời của loạt phim hay Scream vào năm 1997, 2000 và 2011. Sau 10 năm kể từ khi Scream 4 được phát hành, Scream 5 cũng đã rục rịch quay trở lại với khán giả yêu thích dòng phim kinh dị. Matt Bettinelli-Olpin và Tyler Gillett sẽ là đạo diễn cho phần phim thứ 5 này. Bên cạnh đó, biên kịch của phần phim đầu tiên, Kevin Williamson cũng sẽ trở lại trong vai trò nhà sản xuất. Sau hàng loạt các án mạng giết người chấn động ở Woodsboro 25 năm trước thì giờ đây, một kẻ sát nhân mới với chiếc mặt nạ Ghostface đặc trưng xuất hiện gieo rắc nỗi kinh hoàng cho thị trấn. Tên này tấn công một nhóm thiếu niên và khơi lại quá khứ chết chóc Woodsboro. Sự việc này đặt ra nhiệm vụ cho Dewey Riley (David Arquette), Sidney Prescott (Neve Campbell) và Gale Weathers (Courteney Cox) trong lần trở lại nhằm phơi bày sự thật tên sát nhân và bảo vệ cho nhóm thiếu niên có mối liên hệ với những nạn nhân trong bốn vụ án cũ. Scream 5 hứa hẹn là bộ phim kinh dị hấp dẫn và kịch tính cho những ai yêu thích dòng phim này.  2. MOONFALLNgày phát hành dự kiến: 04/02/2022 Moonfall là một trong những bộ phim nằm trong bộ sưu tập điện ảnh của ông hoàng chuyên làm phim “thảm họa tận thế” – Đạo diễn Roland Emmerich (người từng cầm trịch những “bom tấn” như 2012, Independence Day, The Day After Tomorrow). Moonfall mở ra với sự kiện Mặt Trăng bị lệch quỹ đạo, một xung lực bí ẩn ngoài không gian khiến nó đến gần Trái Đất và đe dọa đến sự sống của con người. Trước tình thế khẩn cấp, giám đốc điều hành NASA với cựu phi hành gia Jo Fowler cùng các đồng nghiệp lên đường tiến vào không gian để cứu lấy sự sống của Trái Đất và họ đã khám phá ra nhiều điều bí ẩn bên trong Mặt Trăng. Bộ phim có sự góp mặt của nhiều cái tên nổi tiếng như Patrick Wilson, Halle Berry, Donald Sutherland,… 3. DEATH ON THE NILENgày phát hành dự kiến: 11/02/2022 Death on the Nile được xây dựng dựa trên cuốn tiểu thuyết trinh thám nổi tiếng cùng tên của nhà văn Agatha Christie. Bối cảnh của bộ phim tái hiện lại cuộc sống thượng lưu xa hoa của giới quý tộc Pháp thời kỳ 1930s. Sau màn giải mã kỳ án ở Murder On the Orient Express (2017), siêu thám tử Hercule Poirot (Kenneth Branagh) sẽ quay trở lại với một vụ án giết người kinh hoàng xảy ra trên chiếc du thuyền sang trọng dọc dòng sông Nile. Ngoài Kenneth Branagh và Gal Gadot là hai cái tên tâm điểm của bộ phim, Death on the Nile còn chứng kiến sự góp mặt của những diễn viên nổi bật như Emma Mackey, Letitia Wright, Annette Bening, Rose Leslie, Russell Brandt… 4. UNCHARTEDNgày phát hành dự kiến: 18/02/2022 Uncharted là một trong những tựa phim hành động hot đáng được mong đợi của nửa đầu năm 2022 bởi những pha hành động gay cấn nghẹt thở. Đây là bom tấn được chuyển thể từ thương hiệu game phiêu lưu đình đám cùng tên. Một điều khiến Uncharted trở thành bộ phim hay có sức hấp dẫn khó cưỡng là sự tham gia của Tom Holland và “siêu sao” hành động Mark Wahlberg. Nathan (Tom Holland) sẽ cùng với thợ săn cổ vật lão làng Victor “Suly” Sullivan (Mark Wahlberg) tham gia vào cuộc truy tìm kho báu đã bị thất lạc từ 500 năm về trước. Từ đây, cuộc “rượt đuổi” báu vật của thầy trò Sully và Nathan mở ra hành trình phiêu lưu hoành tráng khám phá những vùng đất chưa từng xuất hiện trên bản đồ thế giới. Uncharted không chỉ là “món ăn tinh thần” hấp dẫn của fan cứng franchise game mà còn là tác phẩm đáng để “dân ngoại đạo” mong đợi. 5. THE BATMANNgày phát hành dự kiến: 04/03/2022 The Batman là một trong những bom tấn kinh điển được mong chờ nửa đầu năm 2022. Sau thời gian dài được Warner Bros. “nung nấu” thì cuối cùng những fan hâm mộ cuồng nhiệt đã có thể gặp lại “Đấng” trong tháng 3 sắp tới đây. Siêu phẩm DC sắp ra mắt có sự tham gia của Người Dơi (Batman) Robert Pattinson và Miêu Nữ (Catwoman) Zoe Kravitz cùng với đại ác nhân The Riddler do Paul Dano thủ vai. The Batman phiên bản 2022 được cho là sẽ hướng đến hình ảnh Người Dơi “bạo lực” và xây dựng một Gotham đen tối nhất trong lịch sử DC. The Batman dự kiến có thời lượng khoảng hơn hai tiếng và được ấn định công chiếu vào tháng 3 sắp tới. 6. THE LOST CITYNgày phát hành dự kiến: 25/03/2022 Một trong những siêu phẩm tình cảm, hài – hành động được khán giả ngóng đợi năm nay là The Lost city. Bom tấn của đạo diễn Aaron Nee kể về cuộc truy tìm kho báu bất đắc dĩ của nữ nhà văn chuyên viết tiểu thuyết tình cảm – lãng mạn Loretta Sage (Sandra Bullock) và chàng người mẫu Alan (Channing Tatum). Đoạn trailer tấu hài của The Lost city hé lộ dàn sao đình đám của Hollywood bao gồm: Sandra Bullock, Channing Tatum, Brad Pitt và Daniel Radcliffe khiến người xem vô cùng hào hứng và nóng lòng chờ mong đến ngày bộ phim ra rạp. 7. MORBIUSNgày phát hành dự kiến: 01/04/2022 Sau vai diễn Joker trong Suicide Squad (2016), Jared Leto quay trở lại với nhân vật siêu anh hùng phản diện Morbius trong bộ phim cùng tên, được ra mắt đầu tháng 4/2022. Morbius là tác phẩm thứ ba trong vũ trụ điện ảnh Spirder-man của 2 nhà Marvel – Sony. Bộ phim xoay quanh giáo sư ma cà rồng Morbius, một trong những đối thủ đáng gờm của Spider-Man. Theo nguyên tác, giáo sư Michael Morbius vốn là nhà khoa học thiên tài, song ông ta không may mắc phải căn bệnh “rối loạn máu” hiếm gặp; và trong quá trình tự chữa trị giáo sư vô tình khiến mình trở thành ma cà rồng Morbius. Ở bối cảnh của Morbius còn có sự kết nối với các nhân vật phản diện đình đám, điển hình là Venom. Mặc dù chưa có gì chắc chắn nhưng hình ảnh Người Nhện xuất hiện chớp nhoáng trong trailer phim cũng làm nhen nhóm hi vọng cho fan hâm mộ Marvel về một tương lai mới. Siêu phẩm mới của Marvel-Sony hứa hẹn sẽ đem lại nhiều trải nghiệm thú vị cho người hâm mộ. 8. FANTASTIC BEASTS: THE SECRET OF DUMBLEDORENgày phát hành dự kiến: 15/04/2022 Một trong những bom tấn được khán giả mong đợi nhất là siêu phẩm Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore đến từ vũ trụ Harry Potter. Trong phần phim thứ 3 này, David Yates tiếp tục giữ vai trò đạo diễn sau thành công vang dội của hai phần phim trước. Fantastic Beasts 3 sẽ tiếp nối mạch diễn biến của Fantastic Beasts 1 và 2, đưa ra lời giải đáp còn mơ hồ về cuộc đời thời trẻ của Albus Dumbledore (Jude Law). Điểm đặc biệt gây chú ý ở bộ phim hay này là sự góp mặt của tài tử Mads Mikkelsen trong vai phản diện Grindelwald, phù thủy “hắc hóa” với tham vọng “thâu tóm” người Muggle, thay cho Johnny Depp trước đó vì những vấn đề đời tư. Ngay khi trailer Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore được tung ra, khán giả đã dành những lời khen “có cánh” cho những phân cảnh hoành tráng và bày tỏ sự kỳ vọng của mình dành cho tác phẩm điện ảnh của thế giới phù thủy. 9. THE NORTHMANNgày phát hành dự kiến: 22/04/2022 Sau thành công vang dội của hai tác phẩm điện ảnh The Witch (2015) và The Lighthouse (2019), vị đạo diễn Robert Eggers tái xuất với tác phẩm The Northman được lấy cảm hứng từ tựa phim Vua sư tử của Disney vàvở kịch Hamlet của kịch gia vĩ đại William Shakespeare. Bộ phim mang màu sắc sử thi, kể về hành trình báo thù đẫm máu cho người cha quá cố của hoàng tử Amleth (Alexander Skarsgård) và giải cứu mẹ của mình – hoàng hậu Gudrún (Nicole Kidman). The Northman đánh dấu sự tái hợp của đạo diễn Robert Eggers với “nàng thơ ma mị” Anya Taylor-Joy và nam tài tử Willem Dafoe. Ngoài ra đây cũng là bộ phim mà Nicole Kidman và Alexander Skarsgård cùng hội ngộ kể từ khi họ đóng chung trong Big Little Lies. 10. DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESSNgày phát hành dự kiến: 06/05/2022 Cái tên không thể vắng mặt trong danh sách này chính là siêu phẩm Doctor Strange in the Multiverse of Madness. Trong Doctor Strange 2, nhân vật Phù thủy tối thượng sẽ tiến vào không gian đa vũ trụ được hé mở trong Spiderman: No Way Home. Tại đây, “bác sĩ Trang” cùng với Scarlet Witch (Elizabeth Olsen) giải quyết hậu quả nghiêm trọng ảnh hưởng trực tiếp đến sự tồn tại của MCU do câu chú thuật khiến đa vũ trụ quên đi Spider-Man gây ra. Đặc biệt, một Doctor Strange khác trong không gian đa vũ trụ sẽ xuất hiện với cái tên Strange Supreme. Fan Marvel đang rất háo hức chờ đón màn hóa thân vào vai phản diện của Benedict Cumberbatch. Doctor Strange in the Multiverse of Madness hứa hẹn sẽ là siêu bom tấn bùng nổ trong năm 2022. 11. TOP GUN: MAVERICKNgày phát hành dự kiến: 27/05/2022 Top Gun: Maverick là phần phim tiếp nối Top Gun năm 1986. Nội dung của bộ phim mở ra với bối cảnh hơn ba thập kỷ sau, Pete Mitchell (Tom Cruise) không còn là chàng phi công trẻ tuổi ở phần phim 1986 mà đã trở thành vị đại úy Maverick dày dặn kinh nghiệm, làm việc ở Hải quân Hoa Kỳ với vai trò là người chỉ dẫn cho các phi công trẻ tuổi. Tại đây, một cuộc không chiến kịch tính đã nổ ra, Maverick phải đối mặt với màn tấn công nguy hiểm của những chiếc máy bay không người lái được điều khiển từ xa. Với kinh phí đầu tư khủng lên đến 152 triệu USD và màn tái xuất của nam tài tử Hollywood Tom Cruise, Top Gun: Maverick hứa hẹn sẽ là siêu phẩm khiến fan hâm mộ “đứng ngồi không yên”. 12. JURASSIC WORLD: DOMINIONNgày phát hành dự kiến: 10/06/2022 Sau sự cố để khủng long sổng chuồng tràn vào thế giới của con người ở Jurasic World: Fallen Kingdom (2018), khán giả đặt ra dấu chấm hỏi lớn rằng liệu loài người sẽ đứng lên chiến đấu để bảo vệ thế giới của mình hay cả hai sẽ hòa hợp sống chung cùng nhau? Câu trả lời sẽ được giải đáp ở Jurassic World: Dominion. Cùng sự tham gia của dàn sao quen mặt Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Laura Dern, Sam Neill, Jeff Goldblum và đạo diễn Colin Trevorrow, Jurassic World: Dominion được giới chuyên môn đánh giá sẽ trở thành “ứng cử viên” sáng giá tranh top đầu doanh thu phòng vé năm 2022 cùng những siêu phẩm đến từ Marvel và DC. 13. LIGHTYEARNgày phát hành dự kiến: 17/06/2022 Lightyear là bộ phim hoạt hình được mong đợi với sự tham gia lồng tiếng của tài tử Chris Evans cho nhân vật chính là chàng phi công Buzz Lightyear. “Phù thủy dòng phim hoạt hình” Pixar đã không phụ sự kỳ vọng của người hâm mộ khi mà chỉ sau 2 tháng tung ra trailer, Lightyear đã thu về lượt xem với con số hơn 12 triệu views. Với những phản hồi tích cực, Lightyear sẽ là bộ phim đáng để bạn note vào danh sách phim hay không thể bỏ lỡ trong đầy mùa Hè 2022. — Tạp chí Phái mạnh ELLE Man Bài: Oanh Nguyễn Ảnh: IMDb Tham khảo: IMDb, Wikipedia Những bộ phim hay nhất trên Netflix có thể khó tìm, nhưng chúng tôi không có khả năng hết những bộ phim hay bất cứ lúc nào sớm.Có rất nhiều lựa chọn, cho dù bạn đang tìm kiếm những bộ phim hành động hay nhất, những bộ phim kinh dị hay nhất, phim hài hay nhất hay những bộ phim kinh điển hay nhất trên Netflix.Chúng tôi đã cập nhật danh sách cho năm 2022 để loại bỏ những bộ phim tuyệt vời mà màveve rời đi trong khi làm nổi bật sự xuất sắc. Thay vì dành thời gian của bạn để cuộn qua các danh mục, cố gắng theo dõi bộ phim hoàn hảo để xem, chúng tôi đã cố gắng hết sức để giúp bạn dễ dàng dán bằng cách cập nhật những bộ phim hay nhất của chúng tôi để xem danh sách Netflix mỗi tuần với những bổ sung mới và bị bỏ quaPhim giống nhau. Dưới đây là 50 bộ phim hay nhất phát trực tuyến trên Netflix ngay bây giờ: 1. Nếu đường Beale có thể nói chuyệnNăm: 2018 Giám đốc: Barry Jenkins Stars: Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Brian Tyree Henry, Colman Domingo, Michael Beach, Teyonah Pariss, Aunjanue Ellis Xếp hạng: R Runtime: 117 phút 2018 Xem trên Netflix Thời gian cho các nhân vật của chúng tôi hình elip, và câu chuyện tình yêu giữa Tish (Kiki Layne) và Fonny (Stephan James) nhịp điệu mà chúng tôi sẽ trở lại nhiều lần.Là người kể chuyện của chúng tôi, Tish nói trong cả hai tuyên bố curt và công tử, kịch bản của Barry Jenkins dịch tiểu thuyết của James Baldwin như một chút tình yêu của một người khác, tâm trạng là thần thánh và mặc khải.Mọi người có thực sự có quan hệ tình dục như vậy không?Chúa không, nhưng có lẽ chúng ta ước chúng ta đã làm?Và đôi khi chúng ta thuyết phục bản thân mình, với đúng người, chỉ có hai cơ thể, chống lại thế giới, trong một không gian có thể là không gian duy nhất của chính họ.Câu chuyện của cặp đôi rất đơn giản và không phải: một cảnh sát (Ed Skrein) với số điểm nhỏ để giải quyết chống lại Fonny Connives một người phụ nữ Puerto Rico (Emily Rios), người đã bị hãm hiếp để chọn Fonny ra khỏi đội hình, mặc dù bằng chứng ngoại phạm của anh ta và tất cả các bằng chứng cho thấynếu không thì.Trong cảnh quay đầu tiên của bộ phim, chúng tôi xem Tish đến thăm Fonny trong tù để nói với anh ấy rằng cô ấy có thai.Anh ấy ngây ngất;Chúng tôi ngay lập tức nhận ra rằng thuật giả kim độc đáo của khủng bố và niềm vui đi cùng với bất kỳ cha mẹ mới nào, nhưng chúng tôi cũng biết rằng đối với một cặp vợ chồng da đen trẻ tuổi, thế giới đang chống lại tình yêu của họ phát triển mạnh.Tôi hy vọng rằng không ai từng phải nhìn vào bất cứ ai họ yêu thích qua kính, ông Tish Tish nói.Họ có hy vọng không?Các màn trình diễn của James và Layne, rất tuyệt vời đồng bộ, cho thấy họ phải, một xác thịt không có lựa chọn nào khác.Là mẹ của Tish, Regina King có lẽ hiểu rõ nhất về sự độc ác của hy vọng đó, đóng vai Sharon như một người phụ nữ có thể nhận được những gì cô ấy muốn, nhưng dường như nói rằng những tiến bộ đó có thể còn hơn cả trong tình huống của cô ấy.Được coi thường nhưng không nản lòng, cô ấy là bộ phim, một thế lực của bộ phim, một lực lượng ấm áp đến nỗi, ngay cả trong nỗi sợ hãi của chúng tôi khi cái bụng Tish Tish phát triển và hy vọng của cô ấy, sự hiện diện của Sharon, hãy trấn an chúng tôi, không phải là mọi thứ sẽ ổn, nhưng mọi thứ sẽ diễn ra.Sự kết thúc của nếu Beale Street có thể nói chuyện thực tế là một điều nhất định, trừ khi bạn hướng dẫn sự thiếu hiểu biết của bạn trong thế giới ngu ngốc này, nhưng vẫn còn tình yêu trong những khoảnh khắc cuối cùng đó, cũng nhiều như tình yêu như trong bộ phim mở đầu đối xứng.Có hy vọng trong đó, tuy nhiên ít có gì.SINHDOM Sinacola 2. Monty Python và Chén ThánhNăm: 1975 Giám đốc: Terry Gilliam, Terry Jones Ngôi sao: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Connie Booth Gent 1975 Xem trên Netflix Thời gian cho các nhân vật của chúng tôi hình elip, và câu chuyện tình yêu giữa Tish (Kiki Layne) và Fonny (Stephan James) nhịp điệu mà chúng tôi sẽ trở lại nhiều lần.Là người kể chuyện của chúng tôi, Tish nói trong cả hai tuyên bố curt và công tử, kịch bản của Barry Jenkins dịch tiểu thuyết của James Baldwin như một chút tình yêu của một người khác, tâm trạng là thần thánh và mặc khải.Mọi người có thực sự có quan hệ tình dục như vậy không?Chúa không, nhưng có lẽ chúng ta ước chúng ta đã làm?Và đôi khi chúng ta thuyết phục bản thân mình, với đúng người, chỉ có hai cơ thể, chống lại thế giới, trong một không gian có thể là không gian duy nhất của chính họ.Câu chuyện của cặp đôi rất đơn giản và không phải: một cảnh sát (Ed Skrein) với số điểm nhỏ để giải quyết chống lại Fonny Connives một người phụ nữ Puerto Rico (Emily Rios), người đã bị hãm hiếp để chọn Fonny ra khỏi đội hình, mặc dù bằng chứng ngoại phạm của anh ta và tất cả các bằng chứng cho thấynếu không thì.Trong cảnh quay đầu tiên của bộ phim, chúng tôi xem Tish đến thăm Fonny trong tù để nói với anh ấy rằng cô ấy có thai.Anh ấy ngây ngất;Chúng tôi ngay lập tức nhận ra rằng thuật giả kim độc đáo của khủng bố và niềm vui đi cùng với bất kỳ cha mẹ mới nào, nhưng chúng tôi cũng biết rằng đối với một cặp vợ chồng da đen trẻ tuổi, thế giới đang chống lại tình yêu của họ phát triển mạnh.Tôi hy vọng rằng không ai từng phải nhìn vào bất cứ ai họ yêu thích qua kính, ông Tish Tish nói.Họ có hy vọng không?Các màn trình diễn của James và Layne, rất tuyệt vời đồng bộ, cho thấy họ phải, một xác thịt không có lựa chọn nào khác.Là mẹ của Tish, Regina King có lẽ hiểu rõ nhất về sự độc ác của hy vọng đó, đóng vai Sharon như một người phụ nữ có thể nhận được những gì cô ấy muốn, nhưng dường như nói rằng những tiến bộ đó có thể còn hơn cả trong tình huống của cô ấy.Được coi thường nhưng không nản lòng, cô ấy là bộ phim, một thế lực của bộ phim, một lực lượng ấm áp đến nỗi, ngay cả trong nỗi sợ hãi của chúng tôi khi cái bụng Tish Tish phát triển và hy vọng của cô ấy, sự hiện diện của Sharon, hãy trấn an chúng tôi, không phải là mọi thứ sẽ ổn, nhưng mọi thứ sẽ diễn ra.Sự kết thúc của nếu Beale Street có thể nói chuyện thực tế là một điều nhất định, trừ khi bạn hướng dẫn sự thiếu hiểu biết của bạn trong thế giới ngu ngốc này, nhưng vẫn còn tình yêu trong những khoảnh khắc cuối cùng đó, cũng nhiều như tình yêu như trong bộ phim mở đầu đối xứng.Có hy vọng trong đó, tuy nhiên ít có gì.SINHDOM Sinacola 3. The IrishmanYear: 2019 Watch on Netflix Peggy Sheeran (Lucy Gallina) watches her father, Frank (Robert De Niro), through a door left ajar as he packs his suitcase for a work trip. In go trousers and shirts, each neatly tucked and folded against the luggage’s interior. In goes the snubnose revolver, the ruthless tool of Frank’s trade. He doesn’t know his daughter’s eyes are on him; she’s constitutionally quiet, and remains so throughout most of their interaction as adults. He shuts the case. She disappears behind the door. Her judgment lingers. The scene plays out one third of the way into Martin Scorsese’s new film, The Irishman, named for Frank’s mob world sobriquet, and replays in its final shot, as Frank, old, decrepit and utterly, hopelessly alone, abandoned by his family and bereft of his gangster friends through the passage of time, sits on his nursing home bed. Maybe he’s waiting for Death, but most likely he’s waiting for Peggy (played as an adult by Anna Paquin), who disowned him and has no intention of forgiving him his sins. Peggy serves as Scorsese’s moral arbiter. She’s a harsh judge: The film takes a dim view of machismo as couched in the realm of mafiosa and mugs. When Scorsese’s principal characters aren’t scheming or paying off schemes in acts of violence, they’re throwing temper tantrums, eating ice cream or in an extreme case slap-fighting in a desperately pathetic throwdown. This scene echoes similarly pitiful scenes in Akira Kurosawa’s Drunken Angel and Rashomon: brawls between wannabe roughs afraid of brawling, but forced into it by their own bravado. The Irishman spans the 1950s to the early 2000s, the years Frank worked for the Bufalino crime family, led by Russell (Joe Pesci, out of retirement and intimidating). “Working” means murdering some people, muscling others, even blowing up a car or a building when the occasion warrants. When disengaged from gangland terrorism, he’s at home reading the paper, watching the news, dragging Peggy to the local grocer to give him a beatdown for shoving her. “I only did what you should,” the poor doomed bastard says before Frank drags him out to the street and crushes his hand on the curb. The Irishman is historical nonfiction, chronicling Sheeran’s life, and through his life the lives of the Bufalinos and their associates, particularly those who died before their time (that being most of them). It’s also a portrait of childhood cast in the shadow of dispassionate brutality, and what a young girl must do to find safety in a world defined by bloodshed. —Andy Crump 4. I Am Not Your NegroYear: 2017 Watch on Netflix Raoul Peck focuses on James Baldwin’s unfinished book Remember This House, a work that would have memorialized three of his friends, Martin Luther King Jr., Malcolm X and Medgar Evers. All three black men were assassinated within five years of each other, and we learn in the film that Baldwin was not just concerned about these losses as terrible blows to the Civil Rights movement, but deeply cared for the wives and children of the men who were murdered. Baldwin’s overwhelming pain is as much the subject of the film as his intellect. And so I Am Not Your Negro is not just a portrait of an artist, but a portrait of mourning—what it looks, sounds and feels like to lose friends, and to do so with the whole world watching (and with so much of America refusing to understand how it happened, and why it will keep happening). Peck could have done little else besides give us this feeling, placing us squarely in the presence of Baldwin, and I Am Not Your Negro would have likely still been a success. His decision to steer away from the usual documentary format, where respected minds comment on a subject, creates a sense of intimacy difficult to inspire in films like this. The pleasure of sitting with Baldwin’s words, and his words alone, is exquisite. There’s no interpreter, no one to explain Baldwin but Baldwin—and this is how it should be. —Shannon M. Houston 5. A Clockwork OrangeYear: 1971 Watch on Netflix As with most (well, probably all) of Stanley Kubric’s book-to-screen adaptations, A Clockwork Orange remixes several aspects from Anthony Burgess’s novel, and probably for the better (at least Alex [a terrifyingly electric Malcolm McDowell] isn’t a pedophile in Kubrick’s film, for example). It’s still a relentlessly vicious satire portraying a society permissive of brutal youth culture, one where modern science and psychology are the best countermeasures in combating the Ultra Violence™ that men like Alex and his fellow “droogs” commit. It’s painfully clear that when Alex is cast as a victim by the British Minister of the Interior (Anthony Sharp) that—spoiler alert!—evil wins. Christ, can any of us ever hear ”Singing in the Rain” the same again after this nightmare? —Scott Wold 6. Uncut GemsYear: 2019 Watch on Netflix The proprietor of an exclusive shop in New York’s diamond district, Howard Ratner (Adam Sandler) does well for himself and his family, though he can’t help but gamble compulsively, owing his brother-in-law Aron (Eric Bogosian, malevolently slimy) a substantial amount. Still, Howard has other risks to balance—his payroll’s comprised of Demany (Lakeith Stanfield), a finder of both clients and product, and Julia (Julia Fox, an unexpected beacon amidst the storm in her first feature role), a clerk with whom Howard’s carrying on an affair, “keeping” her comfortable in his New York apartment. Except his wife’s (Idina Menzel, pristinely jaded) obviously sick of his shit, and meanwhile he’s got a special delivery coming from Africa: a black opal, the stone we got to know intimately in the film’s first scene, which Howard estimates is worth millions. Then Demany happens to bring Kevin Garnett (as himself, keyed so completely into the Safdie brothers’ tone) into the shop on the same day the opal arrives, inspiring a once-in-a-lifetime bet for Howard—the kind that’ll square him with Aron and then some—as well as a host of new crap to get straight. It’s all undoubtedly stressful—really relentlessly, achingly stressful—but the Safdies, on their sixth film, seem to thrive in anxiety, capturing the inertia of Howard’s life, and of the innumerable lives colliding with his, in all of its full-bodied beauty. Just before a game, Howard reveals to Garnett his grand plan for a big payday, explaining that Garnett gets it, right? That guys like them are keyed into something greater, working on a higher wavelength than most—that this is how they win. He may be onto something, or he may be pulling everything out of his ass—regardless, we’ve always known Sandler’s had it in him. This may be exactly what we had in mind. —Dom Sinacola 7. She’s Gotta Have ItYear: 1986 Watch on Netflix An explosively frank feature debut that immediately announced Lee’s brave, fresh new voice in American cinema, She’s Gotta Have It, shot like a documentary, is a levelheaded exploration of a young black woman named Nola (Tracy Camilla Johns) trying to decide between her three male lovers, while also flirting with her apparent bisexuality, in order to, first and foremost, figure out what makes her happy. What’s refreshing about the film is that Lee always brings up the possibility that “none of the above” is a perfectly viable answer for both Nola and for single women—a game changer in 1986. The DIY indie grainy black-and-white cinematography boosts the film’s in-your-face realism. —Oktay Ege Kozak 8. The Last ForestYear: 2022 Watch on Netflix A 76-minute documentary from director Luiz Bolognesi and co-writer/subject/Yanomami leader Davi Kopenawa, The Last Forest blends gripping mythological reenactments with slice-of-life footage to craft an incisive and insightful look at an Indigenous culture resisting the corrupting—of mind and body, thanks to chemicals and COVID-19—influence of capitalistic greed. In the rainforests of Brazil, the lure of gold still brings out the worst in outsiders. Through arresting shots drenched in green and yellow, then submerged in smoke and sound, Bolognesi sets the scene while Kopenawa tells their stories. Their methods combine to make The Last Forest a rhythmic and liminal protest that’ll easily entrance you with its skillful sensations. But Bolognesi’s technical abilities at capturing motion and process shouldn’t be ignored, despite the film’s sometimes gossamer beauty: Watching a bow draw and loose an arrow, or a kid nestle into a hammocked parent, is artful and satisfying through his lens. In that blend of practicality and abstraction, it truly feels like Bolognesi and Kopenawa let you into their lives—and there’s no better way to build empathy and respect than that.—Jacob Oller 9. Apocalypse Now Redux Year: 1979 Let’s invoke Truffaut, because his spirit feels as relevant to a discussion of Francis Ford Coppola’s baleful adaptation of Joseph Conrad’s Heart of Darkness as to a discussion of a war film like Paths of Glory, and to considering war films in general. Maybe, if we take Truffaut at his word, Apocalypse Now (and its remastered version with 49 more minutes of footage that’s streaming on Netflix) can’t help but endorse war merely through the act of recreating it as art. Maybe that doesn’t stop the film from conveying Coppola’s driving theses: War turns men into monsters, leads them on a descent into a primal, lawless state of mind, and war is itself hell, an ominous phrase now made into cliché by dint of gross overuse between 1979 and today. If the film innately sanctions war by depiction, it does not sanction war’s impact on the humanity of its participants. In fact, Apocalypse Now remains one of the most profound illustrations of the corrosive effect nation-sanctioned violence has on a person’s spirit and psyche. It’s cute that in 40 years later we’re OK with quoting this movie in gratingly awful AT&T commercials, or repurposing its period backdrop for the sake of making King Kong happen for contemporary audiences for a second time, but there’s nothing cute, or even all that quotable, about it. Apocalypse Now sears, sickens and scars, branding itself in our memories as only the grimmest displays of human depravity truly can. —Andy Crump 10. It FollowsYear: 2015 Watch on Netflix The specter of Old Detroit haunts It Follows. In a dilapidating ice cream stand on 12 Mile, in the ’60s-style ranch homes of Ferndale or Berkley, in a game of Parcheesi played by pale teenagers with nasally, nothing accents—if you’ve never been, you’d never recognize the stale, gray nostalgia creeping into every corner of David Robert Mitchell’s terrifying film. But it’s there, and it feels like SE Michigan. The music, the muted but strangely sumptuous color palette, the incessant anachronism: In style alone, Mitchell is an auteur seemingly emerged fully formed from the unhealthy womb of Metro Detroit. Cycles and circles concentrically fill out It Follows, from the particularly insular rules of the film’s horror plot, to the youthful, fleshy roundness of the faces and bodies of this small group of main characters, never letting the audience forget that, in so many ways, these people are still children. In other words, Mitchell is clear about his story: This has happened before, and it will happen again. All of which wouldn’t work were Mitchell less concerned with creating a genuinely unnerving film, but every aesthetic flourish, every fully circular pan is in thrall to breathing morbid life into a single image: someone, anyone slowly separating from the background, from one’s nightmares, and walking toward you, as if Death itself were to appear unannounced next to you in public, ready to steal your breath with little to no aplomb. Initially, Mitchell’s whole conceit—passing on a haunting through intercourse—seems to bury conservative sexual politics under typical horror movie tropes, proclaiming to be a progressive genre pic when it functionally does nothing to further our ideas of slasher fare. You fornicate, you find punishment for your flagrant, loveless sinning, right? (The film has more in common with a Judd Apatow joint than you’d expect.) Instead, Mitchell never once judges his characters for doing what practically every teenager wants to do; he simply lays bare, through a complex allegory, the realities of teenage sex. There is no principled implication behind Mitchell’s intent; the cold conclusion of sexual intercourse is that, in some manner, you are sharing a certain degree of your physicality with everyone with whom your partner has shared the same. That he accompanies this admission with genuine respect and empathy for the kinds of characters who, in any other horror movie, would be little more than visceral fodder for a sadistic spirit, elevates It Follows from the realm of disguised moral play into a sickly scary coming-of-age tale. Likewise, Mitchell inherently understands that there is practically nothing more eerie than the slightly off-kilter ordinary, trusting the film’s true horror to the tricks our minds play when we forget to check our periphery. It Follows is a film that thrives in the borders, not so much about the horror that leaps out in front of you, but the deeper anxiety that waits at the verge of consciousness—until, one day soon, it’s there, reminding you that your time is limited, and that you will never be safe. Forget the risks of teenage sex, It Follows is a penetrating metaphor for growing up. —Dom Sinacola 11. Bonnie and ClydeYear: 1967 Watch on Netflix There was a short period in American film history just after the general public got sick of the mundane, cloying dramas and comedies the ‘60s, but before the studios discovered the lucrative benefits of franchises like Jaws and Star Wars that could pile sequel upon sequel, rake in merchandise proceeds, and guarantee a steady stream of big money regardless of artistic merit. In that odd little interval, studio executives had no better idea than simply throwing money at talented directors and hoping to get lucky. Movies like Arthur Penn’s Bonnie and Clyde possess a gritty kind of realism that is every bit as clever and wise as the French New Wave, but infused with the freewheeling American spirit that hadn’t yet been stifled by a corporate agenda.—Shane Ryan 12. A Cop MovieYear: 2021 Watch on Netflix Out of the many striking shots captured in the docu-fiction hybrid A Cop Movie, one conveys the essence of director Alonso Ruizpalacios’ examination of Mexico’s police force unlike any other. After tying her wrist to a long, flimsy piece of rope, police academy trainee Teresa prepares to jump off of a 30-foot diving platform and into a swimming pool. It is the last challenge she must overcome in order to graduate—that of “decisiveness”—but poses an enormous threat to her life as she cannot swim, her likely fate of drowning callously counteracted by keeping her wrist tethered to land. Interestingly, Teresa turns out to be less of a documentary subject and more of an avatar for Ruizpalacios to survey the civilian perspective of the country’s police force. Presented as the honest central subject for nearly half of the film, Teresa (who is based on a real person) turns out to be played by actress Monica del Carmen, who has expertly molded herself in the real-life officer’s image, reenacting memories from her days as an academy student to her most recent workplace woes patrolling the streets of Mexico City. At her side is fellow actor Raúl Briones, who portrays Montoya (also a real guy), the second half of the duo dubbed “the love patrol” by other cops due to their flirtatious relationship as partners. Though initially presenting themselves as two officers simply doing their best within a crumbling system, the second half of the film makes it clear that these sentiments are only the biased projections of their real-life counterparts. Through carefully crafting this illusion and then stealthily unveiling the hypocrisy behind it, A Cop Movie is subtle yet audacious in its indictment of police corruption and the individual officers who buy into it—their good intentions be damned. —Natalia Keogan 13. The Disciple Year: 2021 Watch on Netflix Devoting your life to something—art, passion, religion—is sold to us as admirable, but often only if it fulfills our romantic ideals of what that life looks like. Is success, no matter how late or even posthumous, the justification for striving? Writer/director/editor Chaitanya Tamhane explores this idea through the life of classical Indian singer Sharad Nerulkar (Aditya Modak), an earnest hardliner raised by his music-loving father and recordings of legendary singer/guru Maai (Sumitra Bhave). Will he be recognized for greatness, stepping out of the shadows? Or will he follow his father into tangential obscurity? Fascinating long takes resonating with the same kind of richness found in its myriad array of singers’ undulating taan allow us plenty of space to take in the music and the devotion on display; sharp, dark humor punctuates the contemplative film with jabs at pigheadedness. Modok’s excellent performance contains similar depth, all hidden behind a yearning tension and unwavering gaze. He embodies the unfulfilled artist, one who sees success all around him from fools and rubes—though he can’t consider what could possibly be holding him back. It’s a heartbreaking, endearing, prickly performance, and one that creates a truly winning portrait. Even when it rolls along as steadily and dispassionately as Sharad’s motorcycle, The Disciple contains warmth for its central sadsack artist and his dedication to never selling out.—Jacob Oller 14. The MasterYear: 2012 Watch on Netflix The Master studies its characters with such mystique, tragedy and humor that there’s not a moment that isn’t enthralling. Writer/director Paul Thomas Anderson continues some of the stylistic tendencies from his last film, There Will Be Blood, but he also finds ways to constantly take risks and make bold choices that are thoroughly unpredictable. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) and his religion, The Cause, are obviously inspired by L. Ron Hubbard and Scientology, and that link was the focal point of the film’s pre-release press coverage. The parallels between the two ideologies are inescapable, yet they’re not the point. Anderson never adopts the viewpoint of religion/cult as freak show. Even in a brilliant montage depicting a series of grueling exercises that Freddie (Joaquin Phoenix) can’t or won’t let enlighten him, the personal struggle is in the forefront. The bizarreness of the rituals is almost incidental. Phoenix gives the performance of his career as a booze-soaked World War II veteran with mental and physical scars. Having gleaned little benefit from a psychiatric crash-course for returning soldiers with post-traumatic issues, he stumbles around one place until he must flee to another, obsessing over sex and making experimental hooch. Anderson has always been a visual virtuoso, and he uses the added detail to superb effect. Dodd first appears during a tracking shot of Freddie, seen in the distance as a tiny but exuberant figure on a cruise ship, small yet still the center of attention. Freddie has not yet met Dodd, but the boat is calling to him. That could be because Dodd knew Freddie in a past life, or it could be because Freddie is a desperate drunk looking for a place to hide. Freddie’s great tragedy is that the less appealing explanation gives him no answer, while the other gives him the wrong answer. —Jeremy Mathews 15. Raw Year: 2016 If you’re the proud owner of a twisted sense of humor, you might tell your friends that Julia Ducournau’s Raw is a “coming of age movie” in a bid to trick them into seeing it. Yes,
the film’s protagonist, naive incoming college student Justine (Garance Marillier), comes of age over the course of its running time; she parties, she breaks out of her shell, and she learns about who she really is as a person on the verge of adulthood. But most kids who come of age in the movies don’t realize that they’ve spent their lives unwittingly suppressing an innate, nigh-insatiable need to consume raw meat. “Hey,” you’re thinking, “that’s the name of the movie!” You’re right! It is!
Allow Ducournau her cheekiness. More than a wink and nod to the picture’s visceral particulars, Raw is an open concession to the harrowing quality of Justine’s grim blossoming. Nasty as the film gets, and it does indeed get nasty, the harshest sensations Ducournau articulates here tend to be the ones we can’t detect by merely looking: Fear of feminine sexuality, family legacies, popularity politics, and uncertainty of self govern Raw’s horrors as much as exposed and bloody flesh.
It’s a gorefest that offers no apologies and plenty more to chew on than its effects. —Andy Crump 16. Da 5 máuNăm: 2020 Giám đốc: Spike Lee Stars: Clarke Peters, Delroy Lindo, Norman Lewis, Isiah Whitlock Jr. 2020 Xem trên Netflix Cuộc săn lùng vàng bị chôn vùi không kết thúc tốt và cũng không đi ra mà không gặp trở ngại.Con đường dài để hòa giải, cho dù với một chấn thương, gia đình hay bản sắc dân tộc, không bao giờ không có va chạm.Keo các sự thật này cùng với các hiệu ứng thời tiết của chủ nghĩa phân biệt chủng tộc, thêm vô số tài liệu tham khảo vào lịch sử Lịch sử của Mỹ, lịch sử âm nhạc, lịch sử phim và bạn có được Spike Lee, Da 5 Bloods, một bức tranh hành động Việt Nam theo phong cách cổ điển được thực hiện trong tầm nhìn điện ảnh của anh ấy.Như năm 2018, Blackkkklansman, Lee kết nối các dấu chấm giữa quá khứ và hiện tại, liên kết cuộc đấu tranh cho các quyền dân sự bị che giấu trong sự phản đối có lương tâm và phản đối cuộc đấu tranh của chính nước Mỹ đương đại chống lại chủ nghĩa phát xít bị nhà nước.Sau khi mở đầu với một loạt các sự kiện bao gồm và các nhân vật lên tiếng chống lại Chiến tranh Việt Nam, được gọi chủ yếu là Chiến tranh Mỹ trong suốt phần còn lại của bộ phim, Lee giới thiệu bốn trong số năm Bloods: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) và Melvin (Isiah Whitlock Jr.), các bác sĩ thú y Việt Nam đã quay trở lại thành phố Hồ Chí Minh có vẻ như tìm thấy và phục hồi xương của thủ lĩnh đội hình ngã xuống của họ, Norman (Chadwick Boseman).Tất nhiên, có nhiều hơn nữa là khoảng 17 triệu đô la trong các quán bar vàng được trồng trong đất Việt Nam, tài sản của CIA nhưng lại bị máu tái chiếm như những lời khen ngợi cho sự đau khổ cá nhân của họ khi những người đàn ông chiến đấu với một quốc gia bị chi phối bởi những người không 't quan tâm đến quyền của họ.Lee Lau ở đỉnh cao quyền lực của mình khi thẳng thừng đưa ra trường hợp trong nhiều thời gian đã trôi qua kể từ khi kết luận chiến tranh Việt Nam, nước Mỹ vẫn bướng bỉnh tiến hành các cuộc chiến tương tự với chính người dân của mình và, vì vấn đề đó, phần còn lại của thế giới.Và Lee vẫn tức giận và bất mãn với hiện trạng, là sự áp bức tiếp tục của người Mỹ da đen thông qua sự tàn bạo của cảnh sát, đàn áp cử tri và bỏ bê y tế.Trong bối cảnh này, chiều rộng của DA 5 Bloods là gần như cần thiết.Như Paul sẽ nói: ngay trên.Tiếng crump 17. CreepNăm: 2014 Giám đốc: Patrick Brice Stars: Mark Duplass, Patrick Brice Thể loại: Xếp hạng kinh dị: R 2014 Xem trên Netflix Cuộc săn lùng vàng bị chôn vùi không kết thúc tốt và cũng không đi ra mà không gặp trở ngại.Con đường dài để hòa giải, cho dù với một chấn thương, gia đình hay bản sắc dân tộc, không bao giờ không có va chạm.Keo các sự thật này cùng với các hiệu ứng thời tiết của chủ nghĩa phân biệt chủng tộc, thêm vô số tài liệu tham khảo vào lịch sử Lịch sử của Mỹ, lịch sử âm nhạc, lịch sử phim và bạn có được Spike Lee, Da 5 Bloods, một bức tranh hành động Việt Nam theo phong cách cổ điển được thực hiện trong tầm nhìn điện ảnh của anh ấy.Như năm 2018, Blackkkklansman, Lee kết nối các dấu chấm giữa quá khứ và hiện tại, liên kết cuộc đấu tranh cho các quyền dân sự bị che giấu trong sự phản đối có lương tâm và phản đối cuộc đấu tranh của chính nước Mỹ đương đại chống lại chủ nghĩa phát xít bị nhà nước.Sau khi mở đầu với một loạt các sự kiện bao gồm và các nhân vật lên tiếng chống lại Chiến tranh Việt Nam, được gọi chủ yếu là Chiến tranh Mỹ trong suốt phần còn lại của bộ phim, Lee giới thiệu bốn trong số năm Bloods: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) và Melvin (Isiah Whitlock Jr.), các bác sĩ thú y Việt Nam đã quay trở lại thành phố Hồ Chí Minh có vẻ như tìm thấy và phục hồi xương của thủ lĩnh đội hình ngã xuống của họ, Norman (Chadwick Boseman).Tất nhiên, có nhiều hơn nữa là khoảng 17 triệu đô la trong các quán bar vàng được trồng trong đất Việt Nam, tài sản của CIA nhưng lại bị máu tái chiếm như những lời khen ngợi cho sự đau khổ cá nhân của họ khi những người đàn ông chiến đấu với một quốc gia bị chi phối bởi những người không 't quan tâm đến quyền của họ.Lee Lau ở đỉnh cao quyền lực của mình khi thẳng thừng đưa ra trường hợp trong nhiều thời gian đã trôi qua kể từ khi kết luận chiến tranh Việt Nam, nước Mỹ vẫn bướng bỉnh tiến hành các cuộc chiến tương tự với chính người dân của mình và, vì vấn đề đó, phần còn lại của thế giới.Và Lee vẫn tức giận và bất mãn với hiện trạng, là sự áp bức tiếp tục của người Mỹ da đen thông qua sự tàn bạo của cảnh sát, đàn áp cử tri và bỏ bê y tế.Trong bối cảnh này, chiều rộng của DA 5 Bloods là gần như cần thiết.Như Paul sẽ nói: ngay trên.Tiếng crump 17. CreepNăm: 2014 Giám đốc: Patrick Brice Stars: Mark Duplass, Patrick Brice Thể loại: Xếp hạng kinh dị: R 2013 Xem trên Netflix Cuộc săn lùng vàng bị chôn vùi không kết thúc tốt và cũng không đi ra mà không gặp trở ngại.Con đường dài để hòa giải, cho dù với một chấn thương, gia đình hay bản sắc dân tộc, không bao giờ không có va chạm.Keo các sự thật này cùng với các hiệu ứng thời tiết của chủ nghĩa phân biệt chủng tộc, thêm vô số tài liệu tham khảo vào lịch sử Lịch sử của Mỹ, lịch sử âm nhạc, lịch sử phim và bạn có được Spike Lee, Da 5 Bloods, một bức tranh hành động Việt Nam theo phong cách cổ điển được thực hiện trong tầm nhìn điện ảnh của anh ấy.Như năm 2018, Blackkkklansman, Lee kết nối các dấu chấm giữa quá khứ và hiện tại, liên kết cuộc đấu tranh cho các quyền dân sự bị che giấu trong sự phản đối có lương tâm và phản đối cuộc đấu tranh của chính nước Mỹ đương đại chống lại chủ nghĩa phát xít bị nhà nước.Sau khi mở đầu với một loạt các sự kiện bao gồm và các nhân vật lên tiếng chống lại Chiến tranh Việt Nam, được gọi chủ yếu là Chiến tranh Mỹ trong suốt phần còn lại của bộ phim, Lee giới thiệu bốn trong số năm Bloods: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) và Melvin (Isiah Whitlock Jr.), các bác sĩ thú y Việt Nam đã quay trở lại thành phố Hồ Chí Minh có vẻ như tìm thấy và phục hồi xương của thủ lĩnh đội hình ngã xuống của họ, Norman (Chadwick Boseman).Tất nhiên, có nhiều hơn nữa là khoảng 17 triệu đô la trong các quán bar vàng được trồng trong đất Việt Nam, tài sản của CIA nhưng lại bị máu tái chiếm như những lời khen ngợi cho sự đau khổ cá nhân của họ khi những người đàn ông chiến đấu với một quốc gia bị chi phối bởi những người không 't quan tâm đến quyền của họ.Lee Lau ở đỉnh cao quyền lực của mình khi thẳng thừng đưa ra trường hợp trong nhiều thời gian đã trôi qua kể từ khi kết luận chiến tranh Việt Nam, nước Mỹ vẫn bướng bỉnh tiến hành các cuộc chiến tương tự với chính người dân của mình và, vì vấn đề đó, phần còn lại của thế giới.Và Lee vẫn tức giận và bất mãn với hiện trạng, là sự áp bức tiếp tục của người Mỹ da đen thông qua sự tàn bạo của cảnh sát, đàn áp cử tri và bỏ bê y tế.Trong bối cảnh này, chiều rộng của DA 5 Bloods là gần như cần thiết.Như Paul sẽ nói: ngay trên.Tiếng crump 19. Người đàn ông IPNăm: 2008 Giám đốc: Wilson Yip Stars: Donnie Yen, Lynn Hung, Dennis to, Syun-Wong Fen, Simon Yam, Gordon Lam Thể loại: Hành động Xếp hạng: R 2008 Xem trên Netflix Người đàn ông IP của năm 2008 đã đánh dấu, cuối cùng, khoảnh khắc thực sự xuất sắc nhưng không bao giờ được coi là Donnie Yen đã trở thành của riêng mình, chơi một phiên bản tiểu sử lỏng lẻo của Grandmaster huyền thoại của Wing Chung và giáo viên của một số bậc thầy võ thuật trong tương lai (một trong số đólà Bruce Lee).Ở Foshan (một thành phố nổi tiếng về võ thuật ở miền nam/miền trung Trung Quốc), một học viên không thể tin được về Wing Chung cố gắng vượt qua cuộc xâm lược và chiếm đóng Trung Quốc năm 1937 của Nhật Bản, nhưng cuối cùng bị buộc phải hành động.Hành động phá vỡ, mặt bong bóng lấp đầy bộ phim bán lịch sử này, thành công vinh quang vừa là bộ phim truyền hình hấp dẫn và mồi câu người hâm mộ võ thuật.—K.Alexander Smith 20. Con gái bị mấtNăm: 2021 Đạo diễn: Maggie Gyllenhaal Stars: Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, ED Harris Thể loại 2021 Xem trên Netflix Người đàn ông IP của năm 2008 đã đánh dấu, cuối cùng, khoảnh khắc thực sự xuất sắc nhưng không bao giờ được coi là Donnie Yen đã trở thành của riêng mình, chơi một phiên bản tiểu sử lỏng lẻo của Grandmaster huyền thoại của Wing Chung và giáo viên của một số bậc thầy võ thuật trong tương lai (một trong số đólà Bruce Lee).Ở Foshan (một thành phố nổi tiếng về võ thuật ở miền nam/miền trung Trung Quốc), một học viên không thể tin được về Wing Chung cố gắng vượt qua cuộc xâm lược và chiếm đóng Trung Quốc năm 1937 của Nhật Bản, nhưng cuối cùng bị buộc phải hành động.Hành động phá vỡ, mặt bong bóng lấp đầy bộ phim bán lịch sử này, thành công vinh quang vừa là bộ phim truyền hình hấp dẫn và mồi câu người hâm mộ võ thuật.—K.Alexander Smith 20. Con gái bị mấtNăm: 2021 Đạo diễn: Maggie Gyllenhaal Stars: Olivia Colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Oliver Jackson-Cohen, Peter Sarsgaard, ED Harris Thể loại 2019 Xem trên Netflix Người đàn ông IP của năm 2008 đã đánh dấu, cuối cùng, khoảnh khắc thực sự xuất sắc nhưng không bao giờ được coi là Donnie Yen đã trở thành của riêng mình, chơi một phiên bản tiểu sử lỏng lẻo của Grandmaster huyền thoại của Wing Chung và giáo viên của một số bậc thầy võ thuật trong tương lai (một trong số đólà Bruce Lee).Ở Foshan (một thành phố nổi tiếng về võ thuật ở miền nam/miền trung Trung Quốc), một học viên không thể tin được về Wing Chung cố gắng vượt qua cuộc xâm lược và chiếm đóng Trung Quốc năm 1937 của Nhật Bản, nhưng cuối cùng bị buộc phải hành động.Hành động phá vỡ, mặt bong bóng lấp đầy bộ phim bán lịch sử này, thành công vinh quang vừa là bộ phim truyền hình hấp dẫn và mồi câu người hâm mộ võ thuật.—K.Alexander Smith 22. ChristineNăm: 2016 Giám đốc: Antonio Campos Stars: Rebecca Hall, Michael C. Hall, Tracy Letts, Maria Dizzia, J. Smith-Cameron, John Cullum, Timothy Simons Thể loại: Kịch bản 2016 Xem trên Netflix Tại sao nhà báo truyền hình Christine Chubbuck lại lấy cuộc sống của cô trên máy ảnh vào năm 1974?Sự sáng chói của bộ phim Antonio Campos này là nó cố gắng trả lời câu hỏi đó trong khi vẫn tôn trọng sự to lớn và không biết của một hành động bạo lực, bi thảm như vậy.Rebecca Hall là người quan trọng như Christine, một người phụ nữ vô cùng bất hạnh mà tham vọng chưa bao giờ phù hợp với tài năng của mình, và nữ diễn viên cực kỳ thông cảm.Khi chúng ta tiến gần hơn đến sự sụp đổ không thể tránh khỏi của Christine, chúng ta hiểu rằng Christine không phải là một người bệnh hoạn, nhưng, thay vào đó, một cái nhìn từ bi về sự bất bình đẳng giới và cô đơn.—Tim Grierson 23. Đổ lỗi!
Năm: 2017 Giám đốc: Hiroyuki Seshita Stars: Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai thể loại: Anime, Xếp hạng khoa học viễn tưởng: TV-14 2017 Xem trên Netflix Tại sao nhà báo truyền hình Christine Chubbuck lại lấy cuộc sống của cô trên máy ảnh vào năm 1974?Sự sáng chói của bộ phim Antonio Campos này là nó cố gắng trả lời câu hỏi đó trong khi vẫn tôn trọng sự to lớn và không biết của một hành động bạo lực, bi thảm như vậy.Rebecca Hall là người quan trọng như Christine, một người phụ nữ vô cùng bất hạnh mà tham vọng chưa bao giờ phù hợp với tài năng của mình, và nữ diễn viên cực kỳ thông cảm.Khi chúng ta tiến gần hơn đến sự sụp đổ không thể tránh khỏi của Christine, chúng ta hiểu rằng Christine không phải là một người bệnh hoạn, nhưng, thay vào đó, một cái nhìn từ bi về sự bất bình đẳng giới và cô đơn.—Tim Grierson 23. Đổ lỗi!Năm: 2017 Giám đốc: Hiroyuki Seshita Stars: Sora Amamiya, Kana Hanazawa, Takahiro Sakurai thể loại: Anime, Xếp hạng khoa học viễn tưởng: TV-14 2007 Xem trên Netflix Tại sao nhà báo truyền hình Christine Chubbuck lại lấy cuộc sống của cô trên máy ảnh vào năm 1974?Sự sáng chói của bộ phim Antonio Campos này là nó cố gắng trả lời câu hỏi đó trong khi vẫn tôn trọng sự to lớn và không biết của một hành động bạo lực, bi thảm như vậy.Rebecca Hall là người quan trọng như Christine, một người phụ nữ vô cùng bất hạnh mà tham vọng chưa bao giờ phù hợp với tài năng của mình, và nữ diễn viên cực kỳ thông cảm.Khi chúng ta tiến gần hơn đến sự sụp đổ không thể tránh khỏi của Christine, chúng ta hiểu rằng Christine không phải là một người bệnh hoạn, nhưng, thay vào đó, một cái nhìn từ bi về sự bất bình đẳng giới và cô đơn.—Tim Grierson 25. AthenaNgày phát hành: 23 tháng 9 năm 2022 Đạo diễn: Romain Gavras Stars: Dali Benssalah, Sami Slimane, Anthony Bajon, Ouassini Emparek, Alexis Manenti Xếp hạng: R Runtime: 97 phút September 23, 2022 Xem trên Netflix Đã hơn một thập kỷ kể từ khi Romain Gavras lấp đầy video âm nhạc thô của anh ấy cho No No Church in the Wild với Molotovs, ngựa cảnh sát bị đánh cắp và những chiếc khiên bạo loạn bị thảhậu quả.Cơn thịnh nộ đằng sau những hình ảnh này vẫn bị cháy, nhưng chúng ta biết sự thoải mái lạnh lùng bị bỏ lại khi các than hồng cuối cùng bị dậm chân.Tuy nhiên, điều duy nhất cần làm là thắp sáng ngọn lửa một lần nữa, điều mà Gavras làm trong sự hấp dẫn, Athena quan trọng.Một sử thi chiến tranh giữa người dân và nhà nước, nó chạy nước rút qua một phong trào kháng chiến ở cơ sở như một cây dữ liệu: mù quáng, nguy hiểm, tiêu thụ tất cả.Warzone là Athena, một dự án nhà ở của Pháp, nơi bi kịch đã tập hợp một cộng đồng, được phát triển từ một gia đình.Idir, 13 và là người trẻ nhất trong bốn anh em, Karim Karim (Sami Slimane), Abdel (Dali Benssalah) và Moktar (Ouassini Emparek) đã bị cảnh sát đánh chết.Ai đó đã ghi lại nó trên điện thoại của họ.Nhưng chúng tôi tìm thấy điều này trong các bit rắc rối, thổi đến confetti và vẫy trong không khí đầy khói thuốc.Sự chú ý ngay lập tức của chúng tôi là về Karim, dẫn đầu một nhóm hàng xóm và những người trẻ có cùng chí hướng, đột kích một đồn cảnh sát.Cảnh mở đầu, lần đầu tiên trong số nhiều chiến công đáng kinh ngạc của kế hoạch, quay phim và hoạt động không người lái, sẽ khiến bạn rung động qua chỗ ngồi của mình.Gavras bắn những bức ảnh theo dõi dài như caffeine thẳng vào mắt bạn: đau đớn tràn đầy năng lượng.Mở đầu Athena, là một trong những năm hay nhất, một hành động không ngừng, bơm nắm đấm, cưỡi ngựa, ngột ngạt mà không dừng lại cho đến khi bạn hoàn toàn cực đoan.Sau đó, bạn bắt đầu nhìn qua phong cách, xem cách nó phản ánh tính cách của các nhân vật quan điểm của nó.Có một lý do Athena cảm thấy như một cơn đau tim trong chuyển động.Có đau đớn và hoảng loạn.Nhịp tim của bạn không phải là đi xe đạp chỉ từ sự vội vàng.Nhưng cho đến khi chúng tôi nhận ra rằng, Karim và phi hành đoàn của anh ấy trong một sử thi quy mô lớn, rộng lớn, một năm 1917 hiện đại, nơi sự háo hức kinh hoàng của chiến tranh đã trở về nhà.Athena isn ở đây cho sự tinh tế.Nó ở đây để thổi trống ra khỏi tai bạn, mí mắt khỏi mắt bạn, dẫn đầu từ đôi giày của bạn.Với những bức ảnh bắt đầu tại một cuộc trò chuyện không thể tin được và tên lửa đối với những người có thể thực hiện được, tầm nhìn hoành tráng của nó nhằm xác định một biểu tượng quốc tế của hiện đại: phản đối như chiến tranh.Benssalah và Slimane, nhiều độ dốc chính trị hơn mọi người, hướng dẫn chúng ta đi theo huyền thoại cho đến khi chúng ta nắm bắt hoàn toàn sự vô lý của Athena vừa là Thần trí tuệ và chiến tranh.Nhưng, khi Frank Ocean hát trong Nhà thờ Không có nhà thờ trong tự nhiên, thì đó là một vị thần nào cho một người không tin?Athena đốt cháy sáng và nhanh, làm khô trận chiến không thể quên của mình vào màn hình chỉ trong 99 phút.Hành động lý tưởng của nó sẽ ở lại với bạn lâu hơn. 26. Dick Johnson đã chếtNăm: 2020 Giám đốc: Kirsten Johnson Stars: Kirsten Johnson, Dick Johnson Thể loại: Phim tài liệu Xếp hạng: PG-13 2020 Xem trên Netflix Đã hơn một thập kỷ kể từ khi Romain Gavras lấp đầy video âm nhạc thô của anh ấy cho No No Church in the Wild với Molotovs, ngựa cảnh sát bị đánh cắp và những chiếc khiên bạo loạn bị thảhậu quả.Cơn thịnh nộ đằng sau những hình ảnh này vẫn bị cháy, nhưng chúng ta biết sự thoải mái lạnh lùng bị bỏ lại khi các than hồng cuối cùng bị dậm chân.Tuy nhiên, điều duy nhất cần làm là thắp sáng ngọn lửa một lần nữa, điều mà Gavras làm trong sự hấp dẫn, Athena quan trọng.Một sử thi chiến tranh giữa người dân và nhà nước, nó chạy nước rút qua một phong trào kháng chiến ở cơ sở như một cây dữ liệu: mù quáng, nguy hiểm, tiêu thụ tất cả.Warzone là Athena, một dự án nhà ở của Pháp, nơi bi kịch đã tập hợp một cộng đồng, được phát triển từ một gia đình.Idir, 13 và là người trẻ nhất trong bốn anh em, Karim Karim (Sami Slimane), Abdel (Dali Benssalah) và Moktar (Ouassini Emparek) đã bị cảnh sát đánh chết.Ai đó đã ghi lại nó trên điện thoại của họ.Nhưng chúng tôi tìm thấy điều này trong các bit rắc rối, thổi đến confetti và vẫy trong không khí đầy khói thuốc.Sự chú ý ngay lập tức của chúng tôi là về Karim, dẫn đầu một nhóm hàng xóm và những người trẻ có cùng chí hướng, đột kích một đồn cảnh sát.Cảnh mở đầu, lần đầu tiên trong số nhiều chiến công đáng kinh ngạc của kế hoạch, quay phim và hoạt động không người lái, sẽ khiến bạn rung động qua chỗ ngồi của mình.Gavras bắn những bức ảnh theo dõi dài như caffeine thẳng vào mắt bạn: đau đớn tràn đầy năng lượng.Mở đầu Athena, là một trong những năm hay nhất, một hành động không ngừng, bơm nắm đấm, cưỡi ngựa, ngột ngạt mà không dừng lại cho đến khi bạn hoàn toàn cực đoan.Sau đó, bạn bắt đầu nhìn qua phong cách, xem cách nó phản ánh tính cách của các nhân vật quan điểm của nó.Có một lý do Athena cảm thấy như một cơn đau tim trong chuyển động.Có đau đớn và hoảng loạn.Nhịp tim của bạn không phải là đi xe đạp chỉ từ sự vội vàng.Nhưng cho đến khi chúng tôi nhận ra rằng, Karim và phi hành đoàn của anh ấy trong một sử thi quy mô lớn, rộng lớn, một năm 1917 hiện đại, nơi sự háo hức kinh hoàng của chiến tranh đã trở về nhà.Athena isn ở đây cho sự tinh tế.Nó ở đây để thổi trống ra khỏi tai bạn, mí mắt khỏi mắt bạn, dẫn đầu từ đôi giày của bạn.Với những bức ảnh bắt đầu tại một cuộc trò chuyện không thể tin được và tên lửa đối với những người có thể thực hiện được, tầm nhìn hoành tráng của nó nhằm xác định một biểu tượng quốc tế của hiện đại: phản đối như chiến tranh.Benssalah và Slimane, nhiều độ dốc chính trị hơn mọi người, hướng dẫn chúng ta đi theo huyền thoại cho đến khi chúng ta nắm bắt hoàn toàn sự vô lý của Athena vừa là Thần trí tuệ và chiến tranh.Nhưng, khi Frank Ocean hát trong Nhà thờ Không có nhà thờ trong tự nhiên, thì đó là một vị thần nào cho một người không tin?Athena đốt cháy sáng và nhanh, làm khô trận chiến không thể quên của mình vào màn hình chỉ trong 99 phút.Hành động lý tưởng của nó sẽ ở lại với bạn lâu hơn. 27. TangerineYear: 2015 Watch on Netflix One of filmmaker Sean Baker’s best, Tangerine’s fable of Christmastime sex workers navigating love and loss in Hollywood is everything the indie great is known for: intimate, warm, silly, heartfelt and just scuzzy enough. Shot entirely on iPhones, this subversive holiday film celebrates found family in donut shops and laundromats and bar bathrooms. It reminds us that sometimes, the best gift of all is a friend who’ll lend you their wig while yours is in the wash. Kitana Kiki Rodriguez and Mya Taylor carry the film in all its emotional and tonal complexity, while Baker’s compassionate interest in folks just outside the margins make the filmmaking’s guerilla-esque stylings seem more loving than exploitative. Approaching his subjects with empathy, and giving them so much space to suck us into their world, is utterly within the holiday spirit—even if a car wash sexual encounter might not be as wholesome as something from Jimmy Stewart. But for a certain kind of person, and for Tangerine’s very certain kind of friendship, “Merry Christmas Eve, bitch” is all that needs to be said. —Jacob Oller 28. Sorry to Bother YouYear: 2018 Watch on Netflix Sorry to Bother You has so many ideas busting out of every seam, so much ambition, so much it so urgently wants to say, that it feels almost churlish to point out that the movie ends up careening gloriously out of control. This is rapper and producer Boots Riley’s first movie, and it shows, in every possible way—good, bad, incredible, ridiculous—as if he didn’t know if he’d ever be able to make another one, so he threw every idea he ever had into this. There are moments in Sorry To Bother You that will make you want to jump giddily around the theater. There are also moments that will make you wonder who in the world gave this lunatic a camera. (Some of those moments are pretty giddy too.) The former far outnumbers the latter. Lakeith Stanfield plays Cassius, a good-hearted guy who feels like his life is getting away from him and thus tries his hand at telemarketing, failing at it (in a series of fantastic scenes in which his desk literally drops into the homes of whomever he is dialing) until a colleague (Danny Glover, interesting until the movie drops him entirely) recommends he use his “white voice” on calls. Suddenly, Stanfield sounds exactly like David Cross at his most nasally and has become a superstar at the company, which leads him “upstairs,” where “supercallers” like him go after the Glengarry leads. That is just the launching off point: Throughout, we meet a Tony Robbins-type entrepreneur (Armie Hammer) who might also be a slave trader, Cassius’s radical artist girlfriend (Tessa Thompson), who wears earrings with so many mottos it’s a wonder she can hold up her head, and a revolutionary co-worker (Stephen Yeun) trying to rile the workers into rebelling against their masters. There are lots of other people too, and only some of them are fully human. It’s quite a movie. —Will Leitch 29. RRRYear: 2022 Watch on Netflix A Telugu epic rivalling even the over-the-top antics of writer/director S. S. Rajamouli’s previous massive blockbusters (the two Baahubali films), RRR’s endearingly repetitive and simple title reflects a three-hour romp through Indian colonial history filled with the primal pleasures of brotherhood and balls. Almost cartoonishly political, its story of star-crossed besties Alluri Sitarama Raju (Ram Charan) and Komaram Bheem (N. T. Rama Rao Jr.) is one focused on shallow contrasts masking bone-deep similarities. Based on two superheroicized revolutionaries—ones that never, but should have, saved a child by simultaneously bungeeing a tethered motorcycle and horse over opposite sides of a bridge—the at-odds heroes represent the rural and urban poles opposing the British colonizers. Caricatures of the urbane heartthrob and the noble backwoods beast, the two embodiments of cultural pride battle CG beasts, ridiculous Brits and each other—though you can’t help but hope they end up holding each other tight. (They do squats while riding each other piggyback. C’mon.) Their back-and-forth, glisteningly homoerotic friendship walks a taut narrative tightrope, but with the movie’s maximalist filmmaking as its balancing rod. A phenomenally thrumming and amusingly worded soundtrack accompanies some of the year’s most bombastic action sequences and charming dance scenes without mussing a single mustache hair. The two beefy and hyper-masculine leads span silent comedy, musical song-and-dance prowess and elegant fight choreography as the kind of do-it-all stars we just don’t get in the U.S. anymore. As their morally turbulent path rages against the pure evil of the cruel white oppressors, any doubt that RRR is a modern myth fades deep into the shadows of the jungle. Overflowing with symbols, political shorthand and stereotypes of all kinds, RRR rises, roars and revolts with raw cinematic power—and enough fascinating density to warrant watching and discussing over and over again.—Jacob Oller 30. Không phải một bộ phim tuổi teen khácNăm: 2001 Giám đốc: Joel Gallen Stars: Chris Evans, Jaime Pressly, Randy Quaid Thể loại: Phim hài Xếp hạng: R 2001 Xem trên Netflix Chris Evans có thể đã tiếp tục với những điều lớn hơn và tốt hơn, nhưng màn trình diễn tự lập kỳ lạ của anh ấy như một jock bị lừa dối trong nhại con không phải là một bộ phim tuổi teen khác là một đỉnh cao đầu tiên cho Captain America.Được củng cố bởi rất nhiều dòng trích dẫn và một thẩm mỹ cắt bánh quy chuyên nghiệp từ đạo diễn và bộ phim hài trung tâm Joel Gallen, không phải một bộ phim tuổi teen khác là một phản ứng vui nhộn, có sức mạnh đối với làn sóng hài hước tình dục tuổi teen chạy từ thập niên 80 đến năm 2001 của nóphóng thích.Về cơ bản, bộ phim này đã làm cho Teen Rom-Coms What Walk Hard: The Dewey Cox Story đã làm cho Biopics âm nhạc: The Parody rất hay đến nỗi, sau khi xem nó, nó khó có thể thực hiện các mục nghiêm túc.Raunchy nhưng sắc nét, bộ phim đứng thấp và cao với nhiều thành công, với một Molly Ringwald nổi giận với tất cả trong một vai khách mời hoàn hảo. 31. MiraiNăm: 2018 Giám đốc: Mamoru Hosoda Stars: Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino Thể loại: Anime, Fantasy Rating: PG 2018 Xem trên Netflix Chris Evans có thể đã tiếp tục với những điều lớn hơn và tốt hơn, nhưng màn trình diễn tự lập kỳ lạ của anh ấy như một jock bị lừa dối trong nhại con không phải là một bộ phim tuổi teen khác là một đỉnh cao đầu tiên cho Captain America.Được củng cố bởi rất nhiều dòng trích dẫn và một thẩm mỹ cắt bánh quy chuyên nghiệp từ đạo diễn và bộ phim hài trung tâm Joel Gallen, không phải một bộ phim tuổi teen khác là một phản ứng vui nhộn, có sức mạnh đối với làn sóng hài hước tình dục tuổi teen chạy từ thập niên 80 đến năm 2001 của nóphóng thích.Về cơ bản, bộ phim này đã làm cho Teen Rom-Coms What Walk Hard: The Dewey Cox Story đã làm cho Biopics âm nhạc: The Parody rất hay đến nỗi, sau khi xem nó, nó khó có thể thực hiện các mục nghiêm túc.Raunchy nhưng sắc nét, bộ phim đứng thấp và cao với nhiều thành công, với một Molly Ringwald nổi giận với tất cả trong một vai khách mời hoàn hảo. 31. Mirai Năm: 2018 Giám đốc: Mamoru Hosoda Stars: Haru Kuroki, Moka Kamishiraishi, Gen Hoshino Thể loại: Anime, Fantasy Rating: PG 2018 Hầu hết, nếu không phải là tất cả, của các bộ phim gốc của Mamoru Hosoda, được sản xuất trong thập kỷ qua, ở mức độ này hay mức độ khác, như các bài tập trong tự truyện.Chiến tranh mùa hè, ngoài một tiền đề ít nhiều được tái chế từ đạo diễn Digimon Adventure của Hosoda, 2000: Trò chơi chiến tranh của chúng tôi !, Lần đầu tiên, câu chuyện của Hosoda đã gặp gỡ gia đình của anh ấy lần đầu tiên.Trẻ em Wolf 2012 đã được truyền cảm hứng từ sự ra đi của người mẹ Hosoda, một phần bởi những lo lắng và khát vọng trước viễn cảnh làm cha mẹ sắp xảy ra của chính mình.2015, Boy Boy and the Beast đã được hoàn thành ngay sau khi đứa con đầu lòng của Hosoda, sản phẩm của chính mình về vai trò của một người cha trong cuộc đời của con trai.Mirai, bộ phim thứ bảy của đạo diễn, không phải là từ kinh nghiệm của chính Hosoda, mà lần đầu tiên được lọc qua những trải nghiệm của đứa con trai đầu lòng của mình lần đầu tiên gặp anh chị em của mình.Nói về quan điểm của Kun (Moka Kamishiraishi), một đứa trẻ mới biết đi, cảm thấy bị di dời và không an toàn sau khi chị gái Mirai sinh raTrong một kết luận sâu sắc, nhấn mạnh vẻ đẹp của những gì nó có nghĩa là yêu và được yêu.Mirai là bộ phim thành đạt nhất của Hosoda, người nhận đề cử giải Oscar đầu tiên cho một bộ phim anime không được sản xuất bởi Studio Ghibli, và một trải nghiệm như là một niềm vui được nhìn thấy.Agantoussaint egan 33. His HouseYear: 2020 Watch on Netflix Nothing sucks the energy out of horror than movies that withhold on horror. Movies can scare audiences in a variety of ways, of course, but the very least a horror movie can be is scary instead of screwing around. Remi Weekes’ His House doesn’t screw around. The film begins with a tragedy, and within 10 minutes of that opening handily out-grudges The Grudge by leaving ghosts strewn on the floor and across the stairs where his protagonists can trip over them. Ultimately, this is a movie about the inescapable innate grief of immigrant stories, a companion piece to contemporary independent cinema like Jonas Carpignano’s Mediterranea, which captures the dangers facing immigrants on the road and at their destinations with brutal neorealist clarity. Weekes is deeply invested in Bol and Rial as people, in where they come from, what led them to leave, and most of all what they did to leave. But Weeks is equally invested in making his viewers leap out of their skins. —Andy Crump 34. The Sparks BrothersYear: 2021 Watch on Netflix The Sparks Brothers is a thorough and charming assessment and appreciation of an idiosyncratic band, and the highest praise you could give it is that it shares a sensibility with its inimitable musicians. Not an easy task when it comes to Ron and Russell Mael. The Californian brothers have been running Sparks since the late ‘60s (yeah, the ‘60s), blistering through genres as quickly as their lyrics make and discard jokes. Glam rock, disco, electronic pioneering—and even when they dip into the most experimental and orchestral corners of their musical interests, they maintain a steady power-pop genius bolstered by Russell’s fluty pipes and Ron’s catchy keys. It’s here, in Sparks’ incredible range yet solidified personality, that you quickly start to understand that The Sparks Brothers is the marriage of two perfect subjects that share a mission. Experts in one art form that are interested in each others’, Ron and Russell bond with director Edgar Wright over a wry desire to have their fun-poking and make it art too. One made a trilogy of parodies that stands atop its individual genres (zombie, cop, sci-fi movies). The others made subversive songs like “Music That You Can Dance To” that manage to match (and often overtake) the very bops they razz. Their powers combined, The Sparks Brothers becomes a music doc that’s self-aware and deeply earnest. Slapstick, with a wide range of old film clips delivering the punches and pratfalls, and visual gags take the piss out of its impressive talking heads whenever they drop a groaner music doc cliché. “Pushing the envelope?” Expect to see a postal tug-of-war between the Maels. This sense of humor, appreciating the dumbest low-hanging fruit and the highest brow reference, comes from the brothers’ admiration of seriously unserious French filmmakers like Jacques Tati (with whom Sparks almost made a film; remember, they love movies) and of a particularly formative affinity for British music. It doesn’t entirely tear down facades, as even Wright’s most personal works still emote through a protective shell of physical comedy and references, but you get a sense of the Maels as workers, brothers, artists and humans on terms that they’re comfortable with. The nearly two-and-a-half-hour film is an epic, there’s no denying that. You won’t need another Sparks film after this one. Yet it’s less an end-all-be-all biography than an invitation, beckoning newcomers and longtime listeners alike through its complete understanding of and adoration for its subjects.—Jacob Oller 35. ApostleYear: 2018 Watch on Netflix After the first two entries of The Raid made him a monolithic figure among action movie junkies, Apostle functions as the wider world’s introduction to the visceral filmmaking stylings of Welsh director Gareth Evans. Where his first films almost had the aesthetic of a videogame come to life—they’re about as close to a big screen adaptation of Streets of Rage as you’re ever going to find—Apostle might as well represent Evans’ desire to be taken seriously as a visual director and auteur. To do so, he’s explored some well-trodden ground in the form of the rural “cult infiltration movie,” making comparisons to the likes of The Wicker Man (or even Ti West’s The Sacrament) inevitable. However, Apostle forces its way into the year-end conversation of 2018’s best horror cinema through sheer style and verve. Every frame is beautifully composed, from the foreboding arrival of Dan Stevens’ smoldering character at the island cult compound, to the fantastically icky Grand Guignol of the third act, in which viscera flows with hedonistic abandon. Evans knows exactly how long to needle the audience with a slow-burning mystery before letting the blood dams burst; his conclusion both embraces supernatural craziness and uncomfortably realistic human violence. Gone is the precision of combat of The Raid, replaced by a clumsier brand of wanton savagery that is empowered not by honor but by desperate faith. Evans correctly concludes that this form of violence is far more frightening. —Jim Vorel 36. Mặt khác của gióNăm: 2018 Giám đốc: Orson Welles Stars: John Huston, Peter Bogdanovich, Robert Random, Susan Strasberg, Oja Kodar Thể loại: 2018 Xem trên Netflix Tuy nhiên, không thể giải thích được như tiêu đề của nó, mặt khác của gió dù sao cũng hát với sức mạnh của chuyển động của nó huýt sáo qua những hạn chế của nó.Cơn gió thổi: Orson Welles chuyển nó qua công cụ phát hành/tự gây ra studio của mình, trong quá trình đó tìm ra một giai điệu hữu cơ, hay nói đúng hơn là Jazz.Bộ phim tài liệu mà họ yêu thích tôi khi tôi chết, được Netflix phát hành để đi cùng với bộ phim này, một khoảnh khắc tuyệt vời nhất của Streaming, những người khổng lồ, những người đàn ông rất lớn, mô tả những gì anh ta gọi là tai nạn thần thánh.Những tai nạn này chịu trách nhiệm cho một số chi tiết tốt nhất của Oeuvre (trong đó Chúa cư trú), giống như việc phá vỡ quả trứng khi chạm vào cái ác;Họ là một thứ gì đó mà anh ta nhắm đến để theo đuổi sau (như đuổi theo gió) với điều này, dự án cuối cùng của anh ta, đã phát hành vài thập kỷ sau khi quay khi Netflix mở kho bạc của họ để mở quan tài trong đó các cảnh quay thô bị khóa.Các đối tác cũ của anh ấy trong buổi chụp hình, Peter Bogdanovich và Frank Marshall, làm tốt lời thề cũ của họ với chủ nhân của họ để hoàn thành bộ phim cho anh ấy, và trong việc tìm kiếm tinh thần của sự việc, hãy mang đến cho chúng tôi một kiệt tác mà chúng tôi hầu như không xứng đáng.Một tai nạn thần thánh.John Huston đóng vai John Huston trong vai Jake Hannaford, người cũng là Orson Welles, cố gắng hoàn thành mặt khác của gió như Welles đã cố gắng hoàn thành mặt khác của gió, trong suốt nhiều năm không có ngân sách thực sự và bởi chỗ ngồi-của mọi thứ đều là quần.Ngược lại, kịch bản của bộ phim được thiết lập trong suốt một buổi tối và đêm, Hannaford được bao quanh bởi các môn đệ của Hồi giáo và các đồng nghiệp được mời đến một bữa tiệc để chiếu một số cảnh quay về những gì đạo diễn hy vọng sẽ là kiệt tác lớn nhất của anh ta, trongNhững gì Welles hy vọng sẽ là của anh ấy.Bộ phim trong bộ phim là một đoạn phim về phim nghệ thuật, có lẽ là những cái nháy mắt mạnh nhất tại Michelangelo Antonioni và Zabriskie Point.Cuộc sống bắt chước nghệ thuật: Ngôi nhà Hannaford, chỉ quanh góc đá từ One Zabriskie thổi đến bit.Aptly, ngôi nhà đó là bối cảnh cho hầu hết các bộ phim về Hannaford, về lý thuyết được xây dựng từ các cảnh quay được tìm thấy từ Paparazzi Cineaste.Mật độ là chóng mặt, trí tuệ hung dữ.Về mặt phim của Welles, nó giống như hành động cuối cùng của Citizen Kane cảm thấy bằng cách chạm vào cái ác, sau đó bị tước bỏ và rút ruột bởi meta-punk của F để giả mạo.Không có nghệ thuật nào tồn tại trong chân không, nhưng phía bên kia của gió, hơn hầu hết, đã chảy máu bối cảnh của chính nó.Đó là về Orson Welles, thể hiện chính mình.Tự sát.CấmChad Betz 37. Một giọng nói im lặngNăm: 2016 Giám đốc: Naoko Yamada Stars: Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han Thể loại: Anime, Kịch đánh giá: NR 2016 Xem trên Netflix Tuy nhiên, không thể giải thích được như tiêu đề của nó, mặt khác của gió dù sao cũng hát với sức mạnh của chuyển động của nó huýt sáo qua những hạn chế của nó.Cơn gió thổi: Orson Welles chuyển nó qua công cụ phát hành/tự gây ra studio của mình, trong quá trình đó tìm ra một giai điệu hữu cơ, hay nói đúng hơn là Jazz.Bộ phim tài liệu mà họ yêu thích tôi khi tôi chết, được Netflix phát hành để đi cùng với bộ phim này, một khoảnh khắc tuyệt vời nhất của Streaming, những người khổng lồ, những người đàn ông rất lớn, mô tả những gì anh ta gọi là tai nạn thần thánh.Những tai nạn này chịu trách nhiệm cho một số chi tiết tốt nhất của Oeuvre (trong đó Chúa cư trú), giống như việc phá vỡ quả trứng khi chạm vào cái ác;Họ là một thứ gì đó mà anh ta nhắm đến để theo đuổi sau (như đuổi theo gió) với điều này, dự án cuối cùng của anh ta, đã phát hành vài thập kỷ sau khi quay khi Netflix mở kho bạc của họ để mở quan tài trong đó các cảnh quay thô bị khóa.Các đối tác cũ của anh ấy trong buổi chụp hình, Peter Bogdanovich và Frank Marshall, làm tốt lời thề cũ của họ với chủ nhân của họ để hoàn thành bộ phim cho anh ấy, và trong việc tìm kiếm tinh thần của sự việc, hãy mang đến cho chúng tôi một kiệt tác mà chúng tôi hầu như không xứng đáng.Một tai nạn thần thánh.John Huston đóng vai John Huston trong vai Jake Hannaford, người cũng là Orson Welles, cố gắng hoàn thành mặt khác của gió như Welles đã cố gắng hoàn thành mặt khác của gió, trong suốt nhiều năm không có ngân sách thực sự và bởi chỗ ngồi-của mọi thứ đều là quần.Ngược lại, kịch bản của bộ phim được thiết lập trong suốt một buổi tối và đêm, Hannaford được bao quanh bởi các môn đệ của Hồi giáo và các đồng nghiệp được mời đến một bữa tiệc để chiếu một số cảnh quay về những gì đạo diễn hy vọng sẽ là kiệt tác lớn nhất của anh ta, trongNhững gì Welles hy vọng sẽ là của anh ấy.Bộ phim trong bộ phim là một đoạn phim về phim nghệ thuật, có lẽ là những cái nháy mắt mạnh nhất tại Michelangelo Antonioni và Zabriskie Point.Cuộc sống bắt chước nghệ thuật: Ngôi nhà Hannaford, chỉ quanh góc đá từ One Zabriskie thổi đến bit.Aptly, ngôi nhà đó là bối cảnh cho hầu hết các bộ phim về Hannaford, về lý thuyết được xây dựng từ các cảnh quay được tìm thấy từ Paparazzi Cineaste.Mật độ là chóng mặt, trí tuệ hung dữ.Về mặt phim của Welles, nó giống như hành động cuối cùng của Citizen Kane cảm thấy bằng cách chạm vào cái ác, sau đó bị tước bỏ và rút ruột bởi meta-punk của F để giả mạo.Không có nghệ thuật nào tồn tại trong chân không, nhưng phía bên kia của gió, hơn hầu hết, đã chảy máu bối cảnh của chính nó.Đó là về Orson Welles, thể hiện chính mình.Tự sát.CấmChad Betz 37. Một giọng nói im lặng Năm: 2016 Giám đốc: Naoko Yamada Stars: Miyu Irino, Saori Hayami, Megumi Han Thể loại: Anime, Kịch đánh giá: NR 2016 Bella’s (Rima Te Wiata) first encounter with Ricky (Julian Dennison), the new foster child she’s agreed to take on, doesn’t inspire confidence, especially with her clumsy jokes at the expense of his weight. In turn, with child-services representative Paula (Rachel House) painting Ricky as an unruly wild child, one dreads the prospect of seeing the kid walk all over this possibly in-over-her-head mother. But Bella wears him down with kindness. And Ricky ends up less of a tough cookie than he—with his fondness for gangsta rap and all that implies—initially tried to project. An adaptation of Barry Crump’s novel Wild Pork and Watercress, Taika Waititi’s Hunt for the Wilderpeople thrives on upending preconceived notions. The director shows sympathy for Ricky’s innocence, which is reflected in the film’s grand-adventure style. Cinematographer Lachlan Milne’s sweeping, colorful panoramas and a chapter-based narrative structure gives Hunt for the Wilderpeople the feel of a storybook fable, but thanks to the warm-hearted dynamic between Ricky and Hec (Sam Neill), even the film’s most whimsical moments carry a sense of real underlying pain: Both of these characters are outsiders ultimately looking for a home to call their own. —Kenji Fujishima 39. I’m Thinking of Ending ThingsYear: 2020 Watch on Netflix Many viewers will think of ending I’m Thinking of Ending Things not long after it’s started. A cross-dissolve cascade of crude shots details the interior of a farmhouse or an apartment, or the interior of an interior. A woman we have not yet seen is practically mid-narration, telling us something for which we have no context. It feels wrong, off-putting. Something is not right. This is not how movies are supposed to work. Finally we see the woman, played brilliantly by Jessie Buckley. She is standing on the street as puffy snowflakes start to fall, like we’re within a 3-D snow globe with her. She looks up at a window a couple stories up. We see an old man looking down out of a window. We see Jesse Plemons looking down out of a window. We see Jesse Plemmons in the next shot picking up Jessie Buckley in his worn car. The movie music twinkles and swirls. Jessie Buckley’s Lucy or Lucia or Amy is thinking of ending things with Jesse’s Jake. Things aren’t going to go anywhere good, seems to be the reasoning. Jake drives the car and sometimes talks; his behaviors seem fairly consistent until they’re not, until some gesture boils up like a foreign object from another self. Louisa or Lucy is forthcoming, a fountain of personality and knowledge and interests. But sometimes she slows to a trickle, or is quiet, and suddenly she is someone else who is the same person but perhaps with different memories, different interests. Sometimes she is a painter, sometimes a physicist, sometimes neither. Jessie and Jesse are great. Their performances and their characters are hard to describe. The best movie of 2020 is terrible at being a “movie.” It does not subscribe to common patterns, rhythms, or tropes. It doesn’t even try to be a great movie, really, it simply tries to dissect the life of the mind of the other, and to do that by any cinematic means possible. The self-awareness of the film could have been unbearable, except awareness (and our fragmentary experience of it) is so entirely the point of everything that the film is wrapped up within and that is wrapped up within it. To say the film accepts both the beauty and ugliness of life would be a platitude that the film itself rejects. To say that “love conquers all,” even moreso. But these false truths flit in and about the film’s peripheral vision: illusions or ghosts, but welcome ones. —Chad Betz 40. Phantom ThreadYear: 2017 Watch on Netflix Phantom Thread is a movie that is so wonderfully made, so meticulous in its construction, so deeply felt in execution, that you can almost overlook how prickly and scabrous it is. This has to be the most luscious-to-watch film, ever, that is in large part about how self-centered and inflexible the world of relationships can be, how we can only give up so much of ourselves and it’s up to our partner to figure out how to deal with that, if they want to at all. This is an uncompromising movie about two uncompromising people who try to live with one another without losing too large a part of themselves, and the sometimes extreme lengths they will go to get their way. Daniel Day-Lewis plays Reynolds Woodcock, a world-famous dressmaker who clothes celebrities, royalty and, sometimes to his chagrin, déclassé wealthy vulgarians. Almost everything that doesn’t meet his exacting standards is vulgarian, until one day while in the English countryside, Reynolds comes across a waitress named Alma (Vicky Krieps) who both meets Reynolds’ physical requirements (specifically so he can make dresses for her) and has a certain pluck that he instantly finds fascinating. Both of the principals of Phantom Thread are absurd and insane in their own ways, and one of the many thrills of the film is watching them bounce off each other, and then collide again. It’s the oddest little love story, so odd that I’m not even sure it’s about love at all. My colleague Tim Grierson said this first, but it’s too good an observation to ignore: This movie is in large part about the absolute unknowability of other people’s relationships. From the outside, it makes no sense that Reynolds and Alma would have this sort of connection with each other; it’s difficult to tell what either person is getting out of it. But what’s unfathomable about it is also what makes it so powerful. —Will Leitch 41. Roma Năm: 2014 Giám đốc: Alfonso Cuarón Stars: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta B> Thể loại 2014 Bộ phim thân mật nhất của Alfonso Cuarón, cũng là cách xa nhất của anh.Máy ảnh ngồi lại, đen trắng, không tập trung vào những đứa trẻ tư sản đại diện cho nhà quay phim-nhà văn-đạo diễn và anh chị em của anh ta lớn lên ở Mexico City vài thập kỷ trước, nhưng người phụ nữ bản địa (Yalitza Aparicio)họ và hộ gia đình.Thậm chí không hoàn toàn tập trung vào cô ấy, có lẽ tập trung hơn vào các tác phẩm cổ điển của nó về một nơi không còn tồn tại theo cách Cuarón nhớ nó.Máy ảnh nhìn chằm chằm và di chuyển theo trình tự trans, cho chúng tôi các yếu tố tiền cảnh, giữa mặt đất và nền trong độ rõ kỹ thuật số rõ ràng.Hỗn hợp âm thanh là Dolby Atmos và bao bọc.Nhưng thẩm mỹ cơ bản và câu chuyện là Fellini, hoặc chủ nghĩa kỳ lạ Mexico đã mất từ lâu, hay thời gian chơi Tati, nhưng với những trò đùa nhìn được thay thế bằng mối quan tâm xã hội và sự tôn kính cá nhân.Dành riêng và nhập vai, hướng nội và hướng ngoại, cũ và mới, một số người đã buộc tội Roma quá tính toán theo những gì nó cố gắng làm, hành động cân bằng mà nó cố gắng thực hiện.Có lẽ họ không sai, nhưng đó là tín dụng to lớn của Cuarón, với tư cách là một kỹ thuật viên và người kể chuyện chu đáo mà trên thực tế, anh ta đã thực hiện nó.Kết quả là một trải nghiệm phim đơn lẻ, một trải nghiệm tái tạo một cái gì đó đã bị mất và sau đó điều hướng nó theo cách tìm thấy câu chuyện mới nổi, sau đó từ đó để tìm ra tác động cảm xúc.Vì vậy, khi chúng tôi đến thời điểm đó ở Roma, chúng tôi thậm chí còn nhận ra quá trình hữu cơ chậm chạp, mà chúng tôi đã được đầu tư đầy đủ vào phim;Chúng tôi không sẵn sàng để bị tấn công mạnh mẽ như khi chúng tôi đến và những con sóng sụp đổ.Nó gần như không thể chịu đựng được, nhưng chúng tôi chịu đựng nó bởi vì chúng tôi quan tâm đến những người mà chúng tôi đã tham gia.Và đó là cuộc sống.CấmChad Betz 42. Sức mạnh của con chóNăm: 2021 Giám đốc: Jane Campion Stars: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Genevieve Lemon, Keith Carradine, Frances Conroy xếp hạng: R 2021 Xem trên Netflix Dựa trên cuốn tiểu thuyết năm 1967 cùng tên của Thomas Savage, sự trở lại được chờ đợi từ lâu của Jane Campion đã theo dõi Star Star năm 2009 và những năm sau đó của cô đã làm việc trong truyền hình.Bầu không khí của Disquiet cấp tính.Và vì vậy, nó có sức mạnh của con chó, một bộ phim có tĩnh mạch co giật vĩnh viễn, được mang theo cảm giác phổ biến mà ai đó có thể chụp bất cứ lúc nào cho đến khi họ làm.Năm 1925 Montana, anh em Phil (Benedict Cumberbatch) và George Burbank (Jesse Plemons) là những người chăn nuôi gia súc thịnh vượng nhưng anh chị em không tương thích.Phil là hình ảnh cuối cùng của Machismo, nghiền ngẫm xung quanh trang trại từng được tô điểm trong bộ trang phục cao bồi của mình và một lớp bụi bẩn dày trên mặt, một điếu thuốc cuộn treo trên môi dưới;Một nhân vật hành động bất chấp công việc trong quá khứ của Cumberbatch.Phil rất trái ngược với bất cứ điều gì thậm chí liền kề với những gì có thể được coi là nữ tính, những thứ như tắm, chơi một nhạc cụ không phải là một đàn banjo và chỉ tốt với phụ nữ là những hoạt động có thể khiến Phil tìm hiểu những người bạn,Có phải là gay nếu…? "trên Twitter.Từ việc thiến Bulls trên trang trại Burbank, đến địa vị của Phil là con cừu đen của gia đình đáng kính của anh ta, cho đến bản chất của cảnh quan phương Tây gắn liền với hiệu suất của Philcủa nó không được nói trực tiếp.Nhưng sự vụng về trong cách tiếp cận của bộ phim đối với vấn đề của nó được hỗ trợ bởi các màn trình diễn hấp dẫn trên toàn bảngSự nghiệp của người Anh.Nhưng có lẽ, vì điều này rất trái ngược với vai trò trong quá khứ của anh ấy mà Cumberbatch cố gắng phù hợp với tính cách của Phil rất sâu sắc, mang theo một sự lúng túng cố hữu và bất ổn trong làn da của mình bất chấp sự khủng bố mà anh ấy tấn công vào trái tim củamột người như Rose.Anh ấy phù hợp với điểm thư giãn, được sáng tác bởi Johnny Greenwood (The Master, Phantom Thread), và điện ảnh hoàn hảo từ Ari Wegner (Zola, lịch sử thực sự của băng đảng Kelly), tạo thành một sự kết hợp hoàn hảo của căng thẳng, thân mật và cô lậpTrong một bộ phim mà âm thanh của mỗi lát, Snip và Click gợi lên cảm giác đau khổ tương tự bất kể nguồn.Nó có nghĩa là gì khi trở thành một người đàn ông?Sức mạnh của con chó xem xét câu hỏi nhưng không bao giờ trả lời nó.Thay vào đó, nó được bận tâm với một hiện tượng vượt thời gian: sự đau khổ chịu đựng vì chính lợi ích của chính chế độ vị thành niên.Mạnhbrianna Zigler 43. ProcessionYear:
2021 Watch on Netflix In his films, Robert Greene has tried to bring the alienated past into the present. Kate Plays Christine, from 2016, uses Kate Lyn Sheil’s preparation to play Christine Chubbuck—the newscaster who died by suicide on air 42 years earlier—in part to navigate an actor’s responsibilities when trying to resurrect a real person relegated to folklore. 2018’s Bisbee ’17 chronicled the reenactment, on the event’s 100th anniversary, of the forced removal and abandonment of more than 1,200 striking miners from their homes into the Arizona desert. As Bisbee community members take on the roles of both deputized corporate thugs and workers demanding better lives, in many cases inhabiting the personas of their own ancestors, they come to better understand the sway such history still holds over today. Even in Actress, Greene’s 2014 portrait of Brandy Burre returning to acting as she reinvents her personal life, re-evaluating the past is an act of taking control. When Burre slowly goes back on stage, engaging with old friends and with the visceral excitement of being in front of an audience, she begins to steer her life away from a toxic marriage and define herself anew. She realizes she’s no longer obligated to hold on to her old self. Procession, Greene’s latest film and his first for Netflix, is again about acquitting the present from the past. It begins with a 2018 press conference in Kansas City, Missouri. Lawyer Rebecca Randles stands with three of the survivors stating that they can call out more than 230 known Catholic clergy members in the Kansas City area part of a far-reaching network of sexual abuse. Seeing this, Greene reached out to Randles with the idea to use drama therapy, closely guided by registered drama therapist Monica Phinney, to give a small group of survivors the chance to transform their nightmares into something dramatic, to potentially transform their trauma into something survivable. Procession presents this approach: Six men scripting, storyboarding, location scouting and finally shooting their worst memories, however they want to interpret them, interspersed with the completed results. The young actor who stars in each of the segments, Terrick Trobough, spends much of the film in the company of the six survivors, hearing their stories and quietly, professionally doing his job. He witnesses them weep and punch things and disassociate, not because they’re fragile, but because they’re broken. Terrick responds that he believes their stories. Later, with Dan (one of the survivors) following an emotional moment, Terrick asks him, “How are you?” Maybe he’s just being polite, but Terrick’s small gestures of empathy glow brightly. As does Procession, when the beauty of Greene’s filmmaking satisfies the intelligence and clarity of his methods. “I hope the strength you showed is rewarded with peace and contentment,” another survivor tells himself near the end of the film, reaching decades into the past. A close-up of his face lets the audience know if that hope has been resolved. It’s very good kino.—Dom Sinacola 44. The Mitchells vs. the MachinesYear: 2021 Watch on Netflix Animated generational divides have never been more like a sci-fi carnival than in The Mitchells vs. the Machines. Writer/director Mike Rianda’s feature debut (he and co-writer/director Jeff Rowe made their bones on the excellently spooky, silly show Gravity Falls) is equal parts absurd, endearing and terrifying. It’s easy to feel as lost or overwhelmed by the flashing lights and exhilarating sights as the central family fighting on one side of the title’s grudge match, but it’s equally easy to come away with the exhausted glee of a long, weary theme park outing’s aftermath. Its genre-embedded family bursts through every messy, jam-packed frame like they’re trying to escape (they often are), and in the process create the most energetic, endearing animated comedy so far this year. And its premise begins so humbly. Filmmaker and animator Katie (Abbi Jacobson) is leaving home for college and, to get there, has to go on a road trip with her family: Rick (Danny McBride), her Luddite outdoorsy dad; Linda (Maya Rudolph), her peacemaking mom; and Aaron (Rianda), her dino-freak little brother. You might be able to guess that Katie and her dad don’t always see eye-to-eye, even when Katie’s eyes aren’t glued to her phone or laptop. That technocriticism, where “screen time” is a dirty phrase and the stick-shifting, cabin-building father figure wants his family to experience the real world, could be as hacky as the twelfth season of a Tim Allen sitcom. The Mitchells vs. the Machines escapes that danger not only through some intentional nuance in its writing, but also some big ol’ anti-nuance: Partway through the trip, the evil tech companies screw up and phone-grown robots decide to shoot all the humans into space. This movie needed something this narratively large to support its gloriously kitchen-sink visuals. The Sony film uses some of the same tech that made Spider-Man: Into the Spiderverse look so crisp and unique, adding comicky shading to its expressive CG. In fact, once some of the more freaky setpieces take off, you wouldn’t be surprised to see Miles Morales swing in to save the day. The Mitchells vs. the Machines’ spin on the Spidey aesthetic comes from meme and movie-obsessed Katie, whose imagination often breaks through into the real world and whose bizarre, neon and filter-ridden sketchbook doodles ornament the film’s already exciting palette with explosive oddity. This unique and savvy style meshes well with The Mitchells vs. the Machines’ wonderfully timed slapstick, crashing and smashing with an unexpected violence, balanced out with one truly dorky pug and plenty of visual asides poking fun at whatever happens to be going on.—Jacob Oller 45. The Sea BeastYear:2022 Watch on Netflix When cartographers allowed their senses of imagination and self-preservation to fill the unexplored regions of their maps, they used to warn of creatures like lions, elephants and walruses. Creatures beyond understanding, with teeth and trunks and tusks easy to caricature into danger. But we mostly remember that when you sail to the faded edge of knowledge, there be dragons. The Sea Beast deftly hones this ancient human fear into a sharpened spear tip, striking at ignorance. Its swashbuckling adventure navigates a sea filled with massive critters sure to whet kids’ appetites for piracy, Godzilla films and exciting animation. The first movie from longtime Disney story staple Chris Williams after leaving the House of Mouse for Netflix, The Sea Beast is, to paraphrase Jared Harris’ Ahab-like Captain Crow, all piss and vinegar. That the film even alludes to the phrase, and drops a few other lightly-salted lines you might expect from some seasoned sea dogs, is indicative of its separation from the sanitized juggernaut. It looks violence in the eye; it isn’t afraid to make its threats real. All rightfully so. Telling a tall tale of hunters—mercenary crews funded by a colonialist crown to take out the kaijus populating the ocean—wouldn’t be right without at least a little edge. Our way into the world, the young Maisie (Zaris-Angel Hator), has experienced its dangerous realities firsthand: Her parents went down with a ship, leaving her as one of dozens of hunter orphans. But that hasn’t stopped her from lionizing her martyred family (something explicitly encouraged by the monarchy) and seeking her own glory. Stowing away on Crow’s ship, the Inevitable, she and the capable Jacob (Karl Urban) find themselves confronting the legendary ambitions they’ve built up in their own heads. Williams and co-writer Nell Benjamin immediately drop us into the Inevitable’s quest to take out Crow’s toothy and horned Red Whale, dubbed the Red Bluster, with total confidence that there’s no time like maritime. As our eyes roll and pitch across the impressively realistic waves and our ears try to follow the meticulously detailed helmsmanship, the hunting scenes ensnare us like the catch of the day. We understand the hierarchy of the diverse crew, the honor code among hunters, the tactics needed to take down imposing creatures that look like Toho turned their greatest hits into Pokémon. It’s savvy and respectful writing, put into legible action by Williams’ skilled hand, that trusts in its setting and subject matter to be inherently cool, and in its audience to greedily follow along. By the time the lances are flying, the cannons are firing and the creatures are dying—or are they?—you’re as deeply hooked as any dad watching Master and Commander. A delightful new-school deconstruction of old-school Romantic adventure that never compromises on the lushness of setting, color and emotion inherent in the latter, The Sea Beast rises to the front of Netflix’s animated offerings like a high tide.—Jacob Oller 46. Ma Rainey’s Black BottomYear: 2020 Watch on Netflix Fittingly, Chadwick Boseman’s final role is all about the blues. The late actor’s appearance in Netflix’s Ma Rainey’s Black Bottom, the August Wilson adaptation from director George C. Wolfe and writer Ruben Santiago-Hudson, is equal parts actorly showcase, angry eulogy and comprehensive lament—boiled together in the sweaty kitchen of a ‘20s Chicago recording session. A story of ambition’s multiple facets and eventual endpoints, Ma Rainey revolves around those orbiting its title character (Viola Davis). She’s a blues legend at the top of her game, finally appreciated (at least in some parts of the country) and ripe for exploitation by white men in suits. As if she’d let them. She’s comfortably late to record an album, leaving everyone else to kick up their heels and shoot the shit in true Wilson style—with Santiago-Hudson finding the essence of Wilson’s work. Davis’ brutal performance, made all the more potent by her avalanche of makeup and glistening sweat, perfectly sets the scene. She, alongside loosened neckties and whirring fans, gives the film its intended temperature and gravity so that Boseman and the rest of her band members can zip around like fireflies ambling in the summer heat. With tragic serendipity, Boseman leaves us a gift: he is on fire. Lean, with the camera placements and props emphasizing his gangly limbs (there’s a reason he wields a squashed and squat flugelhorn, a jazz staple that happens to work better visually), Levee is a highly physical role despite the chatty source material: It’s all about capturing attention, sometimes literally tap-dancing for it, with any ounce of shame overrun by an anxious energy. High-strung, twitchy and tense during a nearly five-minute monologue, Levee seems to sense the window to his dream is closing: Time is running out. Ma Rainey’s Black Bottom is more than Boseman’s performance, sure, with Davis and Colman Domingo going on some delicious tears of their own and Wilson’s words continuing to sear and soar in equal measure. But Boseman’s ownership of the film, an Oscar-worthy snapshot of potential and desire, gives an otherwise lovely and broad tragedy something specific to sing about.—Jacob Oller 47. Bàn tay của ChúaNăm: 2021 Giám đốc: Paolo Sorrentino Stars: Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedr 2021 Xem trên Netflix Paolo Sorrentino cho thấy opus mới đến tuổi của mình, The Hands of God, với sự đại diện thiêng liêng, và dành mọi khoảnh khắc giữa cuộc sống trong cuộc sống thất vọng vô tận.Nhân loại là khủng khiếp.Mọi thứ đều là một thất bại.Thực tế là tệ hại.Thật là một thế giới tồi tệ, một người phụ nữ, một người phụ nữ nói khoảng 45 phút trong phim.Bạn đi mua món tráng miệng và khi bạn quay lại, chồng của bạn trong tù.Các chi tiết không liên quan.Nó có tình cảm hạ cánh.Cuộc đối thoại đọc giống như Sorrentino Soliloquiling thông qua các nhân vật của mình, phát sóng bất bình sau khi khiếu nại về hiệu ứng tiếp đất của câu chuyện của Chúa trên cốt truyện của nó: lấy bối cảnh vào những năm 1980, tham dựFamily Schisa, người cha Saverio (Toni Servillo) và Mẹ Maria (Teresa Saponangelo), và các con trai của họ, Marchino (Marlon Joubert) và Fabietto trẻ nhất (Filippo Scotti), Loro 2018, tuổi trẻ năm 2015 và The Great Beauty 2013, nơi một người đàn ông làm cho một con hươu cao cổ biến mất trong không khí mỏng manh ở giữa một trận đấu đại học La Mã.Được đặt bên cạnh những bức ảnh này, bàn tay của Chúa là hết sức bình thường.Bình thường có thể không thỏa mãn các nhân vật của Sorrentino, dù là nguyên tắc hay hỗ trợ, nhưng bàn tay của Thiên Chúa tìm thấy sự phong phú trong các công ước của quotidian: sự phong phú của ý nghĩa, sự phong phú của vẻ đẹpliên tục vui nhộn trong khoảng một giờ đầu tiên (một cảnh mở đầu về bạo lực gia đình mặc dù).Bàn tay của Thiên Chúa là sự thoát ly, mâu thuẫn với các mục tiêu nghề nghiệp giai đoạn cuối của Fabietto.Đó là một trò chơi khăm giải trí và một bộ phim sâu sắc, đó là một cuộc tập trận trong sự mất mát trong hiệp hai của nó, nơi Fabietto đưa tâm trí của mình ra khỏi một bi kịch phá vỡ thế giới bằng cách fanboy ra khỏi Capuano và gặp rắc rối với Armando (Biagio Manna), Sorrentino'sVũ khí bí mật: Một kẻ buôn lậu thuốc lá tham lam, người có vệt hoang dã tin rằng lòng trung thành với bất cứ ai mà anh ta gọi là bạn bè.Nó không thể theo kịp.Bàn tay của Chúa không cố gắng.Thay vào đó, được hướng dẫn bởi Fabietto, bộ phim dành thời gian.Nó xem.Nó thở.Nó nắm bắt được cuộc sống với một sự rõ ràng, ngay cả những nỗ lực tốt nhất của Sorrentino, thiên đường khá khó khăn, điều đó làm cho nó nỗ lực tốt nhất cho đến nay. 48. Cơ thể nhớ lại khi thế giới mở cửaNăm: 2019 Giám đốc: Elle-Máijá Tailfeathers, Kathleen Hepburn Stars: Elle-Máijá Tailfeathers, Violet Nelson, Barbara Eve Harris Thể loại: Kịch đánh giá: NR 2019 Xem trên Netflix Paolo Sorrentino cho thấy opus mới đến tuổi của mình, The Hands of God, với sự đại diện thiêng liêng, và dành mọi khoảnh khắc giữa cuộc sống trong cuộc sống thất vọng vô tận.Nhân loại là khủng khiếp.Mọi thứ đều là một thất bại.Thực tế là tệ hại.Thật là một thế giới tồi tệ, một người phụ nữ, một người phụ nữ nói khoảng 45 phút trong phim.Bạn đi mua món tráng miệng và khi bạn quay lại, chồng của bạn trong tù.Các chi tiết không liên quan.Nó có tình cảm hạ cánh.Cuộc đối thoại đọc giống như Sorrentino Soliloquiling thông qua các nhân vật của mình, phát sóng bất bình sau khi khiếu nại về hiệu ứng tiếp đất của câu chuyện của Chúa trên cốt truyện của nó: lấy bối cảnh vào những năm 1980, tham dựFamily Schisa, người cha Saverio (Toni Servillo) và Mẹ Maria (Teresa Saponangelo), và các con trai của họ, Marchino (Marlon Joubert) và Fabietto trẻ nhất (Filippo Scotti), Loro 2018, tuổi trẻ năm 2015 và The Great Beauty 2013, nơi một người đàn ông làm cho một con hươu cao cổ biến mất trong không khí mỏng manh ở giữa một trận đấu đại học La Mã.Được đặt bên cạnh những bức ảnh này, bàn tay của Chúa là hết sức bình thường.Bình thường có thể không thỏa mãn các nhân vật của Sorrentino, dù là nguyên tắc hay hỗ trợ, nhưng bàn tay của Thiên Chúa tìm thấy sự phong phú trong các công ước của quotidian: sự phong phú của ý nghĩa, sự phong phú của vẻ đẹpliên tục vui nhộn trong khoảng một giờ đầu tiên (một cảnh mở đầu về bạo lực gia đình mặc dù).Bàn tay của Thiên Chúa là sự thoát ly, mâu thuẫn với các mục tiêu nghề nghiệp giai đoạn cuối của Fabietto.Đó là một trò chơi khăm giải trí và một bộ phim sâu sắc, đó là một cuộc tập trận trong sự mất mát trong hiệp hai của nó, nơi Fabietto đưa tâm trí của mình ra khỏi một bi kịch phá vỡ thế giới bằng cách fanboy ra khỏi Capuano và gặp rắc rối với Armando (Biagio Manna), Sorrentino'sVũ khí bí mật: Một kẻ buôn lậu thuốc lá tham lam, người có vệt hoang dã tin rằng lòng trung thành với bất cứ ai mà anh ta gọi là bạn bè.Nó không thể theo kịp.Bàn tay của Chúa không cố gắng.Thay vào đó, được hướng dẫn bởi Fabietto, bộ phim dành thời gian.Nó xem.Nó thở.Nó nắm bắt được cuộc sống với một sự rõ ràng, ngay cả những nỗ lực tốt nhất của Sorrentino, thiên đường khá khó khăn, điều đó làm cho nó nỗ lực tốt nhất cho đến nay. 49. Câu chuyện hôn nhân Năm: 2019 Đạo diễn: Noah Baumbach Stars: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever Gent 2019 Cách mà Adam Driver kết thúc, còn sống, đó là nhân vật của anh ấy trong câu chuyện hôn nhân vừa được hát đầy đủ (bao gồm cả các cuộc đối thoại từ những người bạn của công tyKhán giả nhỏ của anh ấy (bao gồm chúng tôi).Buổi biểu diễn bắt đầu kiểu ngớ ngẩn, một đứa trẻ nhà hát không được mời nắm quyền để hát một trong những showstoppers vĩ đại nhất của Broadway, nhưng sau đó, ở một bên khác, anh nói, anh muốn một cái gì đó muốn một cái gì đó mà anh ấy bắt đầu lấy nó.Anh bắt đầu hiểu được sức nặng của cuộc sống, sự không hài lòng của sự thân mật và ý nghĩa của việc cuối cùng trở thành một người trưởng thành: nắm lấy tất cả những mâu thuẫn đó, tất cả sự xa lạ và cô đơn đó.Anh ta thở ra sâu sau những ghi chú cuối cùng, sau vành đai cuối cùng;Cuối cùng anh cũng nhận ra rằng anh phải lớn lên, hạ gục cuộc sống cũ của mình, làm một cái gì đó mới mẻ.Nó rất giống sống trên internet những ngày này;Sự bất khả thi của việc tạo ra một bản thân xác thực của người Viking, không đáng kể, thuật ngữ này có thể được kết hợp bởi một cảnh quan văn hóa từ chối thừa nhận rằng tính xác thực của Hồi giáo là một màn trình diễn không trung thực như bất cứ điều gì khác.Làm việc thông qua danh tính là đau đớn và xấu xí.Có thể cho rằng, tất cả chúng ta đều làm việc thông qua cách trở thành chính mình trong mối quan hệ với những người xung quanh chúng ta.Và đó là những gì Bobby, người đàn ông 35 tuổi ở trung tâm của công ty âm nhạc Stephen Sondheim, 1970, đang làm.Khung cảnh buộc người xem phải kết nối với nhân loại của họ, nghệ thuật mà họ đang trải qua và thế giới chết chóc mà tất cả đều tồn tại.Charlie nắm lấy micro, rút cạn, nhận ra rằng anh ta phải tìm ra những gì anh ta phải làm tiếp theo, để lại cuộc sống của anh ta lại với nhau.Tất cả chúng tôi, chúng tôi cũng đặt nó với nhau.Hoặc cố gắng, ít nhất.Điều đó được tính cho một cái gì đó.Turner Turner 50. OkjaNăm: 2017 Giám đốc: Bong Joon-ho Stars: Tilda Swinton, Paul Dano, An Seo Hyun, Byun Heebong, Steven Yeun, Lily Collins, Yoon Je Moon 2017 Xem trên Netflix Okja có nhiều rủi ro sáng tạo hơn trong năm phút đầu tiên so với hầu hết các bộ phim chiếm lấy toàn bộ nhịp của họ, và nó không cho phép từ đó.Điều dường như là một điểm gắn bó với một số nhà phê bình và khán giả, đặc biệt là phương Tây, là giai điệu dường như thất thường, từ tình cảm đến hồi hộp đến hành động ham chơi để hay thay đổi cho bất cứ điều gì là Jake Gyllenhaal đang làm.Nhưng đây là một phần và một phần với những gì làm cho các bộ phim Bong Joon-ho, tốt, các bộ phim Bong Joon-ho: chúng có sắc thái và phức tạp, nhưng chúng không chính xác hoặc bị hạn chế.Họ có sự chú ý đến chi tiết, nhưng họ không tinh tế trong việc xử lý của họ.Họ có nhiều ý định, và họ mang những ý định đó lại với nhau để gây nhiễu.Chúng là những tác phẩm giàu trí tưởng tượng mà động lực thủ công thông qua các thay thế một phần, và Okja có lẽ là ví dụ điển hình nhất của con lắc hoang dã của một bộ phim Bong.Okja cũng không phải là một bộ phim về chủ nghĩa thuần chay, nhưng đó là một bộ phim hỏi làm thế nào chúng ta có thể tìm thấy sự chính trực và trên hết, làm thế nào chúng ta có thể hành động nhân đạo đối với các sinh vật khác, con người bao gồm.Các câu trả lời mà Okja đạt được rất đơn giản và quan trọng, và không thực sự nói chúng, nó giúp bạn nghe những câu trả lời đó cho chính mình vì nó đã hỏi tất cả các câu hỏi đúng, và nó đã hỏi họ theo cách hấp dẫn.CấmChad Betz Bộ phim được xếp hạng số 1 trên thế giới là gì?30 bộ phim phổ biến nhất ngay bây giờ.. #1.Đêm bạo lực (2022) 72% 90% .... #2.Troll (2022) 88% 49% .... #3.Menu (2022) 89% 78% .... #4.Thế giới kỳ lạ (2022) 74% 66% .... #5.Hành tây thủy tinh: Một con dao ra bí ẩn (2022) 93% 93% .... #6.Black Panther: Wakanda mãi mãi (2022) .... #7.The Guardians of the Galaxy Holiday Special (2022) .... #số 8.Adam đen (2022). Bộ phim được xếp hạng số 1 trên thế giới là gì?1. Sự cứu chuộc Shawshank (1994) hai người đàn ông bị cầm tù liên kết trong một số năm, tìm thấy sự an ủi và cứu chuộc cuối cùng thông qua các hành vi của sự kiên quyết chung. Thor: Tình yêu và sấm sét.Phim |Hoa Kỳ |07/06/2022 |Siêu anh hùng |Kỳ quan..... Thor: Tình yêu và sấm sét..... Black Panther: Wakanda mãi mãi..... Avatar: Cách nước..... Top Gun: Maverick..... Black Panther: Wakanda mãi mãi..... Avatar: Cách nước..... 10 bộ phim yêu thích hàng đầu là gì?Phim hay nhất mọi thời đại.. 2001: Một bộ phim Space Odyssey (1968).Khoa học viễn tưởng..... Bộ phim Bố già (1972).Thriller..... Công dân Kane (1941) Phim..... Jeanne Dielman, 23 tuổi, Quai du Commerce, bộ phim 1080 Bruxelles (1975)..... Bộ phim Raiders of the Lost Ark (1981)..... Phim La Dolce Vita (1960)..... Bảy bộ phim Samurai (1954)..... Trong bộ phim Mood For Love (2000) .. Bộ phim được xếp hạng số 1 trên thế giới là gì?1. Sự cứu chuộc Shawshank (1994) hai người đàn ông bị cầm tù liên kết trong một số năm, tìm thấy sự an ủi và cứu chuộc cuối cùng thông qua các hành vi của sự kiên quyết chung.The Shawshank Redemption (1994) Two imprisoned men bond over a number of years, finding solace and eventual redemption through acts of common decency. |
