100 bộ phim hàng đầu của thập niên 80 năm 2022

Viết bởi Andreas Babiolakis

Cố gắng nhảy trở lại vào năm 1980 nếu bạn có thể. Có tấm gỗ ở khắp mọi nơi. MTV đã cất cánh. Trò chơi video có thể được chơi tại nhà với các cần điều khiển hào nhoáng (cuối cùng trở thành bộ điều khiển phù hợp hơn). Máy tính có màn hình đen và văn bản màu xanh lá cây sâu đã thay đổi cách các doanh nghiệp được điều hành. Synths đã được chơi ở khắp mọi nơi. Thời trang rất tươi sáng, để chống lại màu xám, beiges và màu nâu của trang trí nhà và công nghệ. Sau đó, có cảnh phim, thường bị sai lệch vì trợ cấp của nhượng quyền thương mại và công thức mồi Oscar (đã quản lý để thành công nhiều lần trong thập kỷ này). Ngoài ra còn có khía cạnh hoài cổ của mọi thứ, xem xét xếp hạng PG-13 hoàn toàn mới cho phép thanh niên mạo hiểm và xem một số tài liệu sắc sảo nếu được cha mẹ cho phép (cũng như nhiều bộ phim mà Millennials lớn lên vẫn được trân trọng về điều này ngày).

Tuy nhiên, hãy để không quá tối với những cảnh phim của thập niên 80. Tôi biết rằng thập niên 80 có tiếng xấu và tôi đã quyết định rằng điều đó đơn giản là không công bằng. Nếu bất cứ điều gì, rạp chiếu phim của thập kỷ này là nổi bật. Nếu bạn có vấn đề với thập niên 80, bạn sẽ không nhìn đúng điểm. Tôi đã tìm được hơn một trăm ứng cử viên cho danh sách tốt nhất của tôi (tôi phải cắt giảm hơn một trăm đề cập danh dự, thành thật mà nói). Bạn sẽ tìm thấy kết thúc của nhiều sự nghiệp lừng lẫy, cũng như nguồn gốc của các bộ phim mới vừa chớm nở. Các phong trào cũ sẽ chết ở đây (như làn sóng mới của Hollywood), và những ý tưởng mới sẽ trị vì chiến thắng (bộ phim truyền hình). Màu sắc sẽ phát nổ khỏi màn hình, đặc biệt là tập trung nặng nề vào các neons sôi động và các màu sắc phong phú khác (có thể để bù cho sự kết thúc của Technicolor trong thập niên 70).

Tại sao bộ phim lại có tiếng xấu khi nó được gắn liền với thập niên 80? Chúng ta đã học cách cố gắng và bỏ qua một thời gian trong lịch sử phim đầy những khám phá sáng tạo mà không chỉ dẫn đến những người duds chưa? Chúng ta có cho rằng sự kết thúc của Hollywood mới có nghĩa là sự khởi đầu của điện ảnh an toàn một lần nữa không? Có phải các nhượng quyền phim đã để lại thị hiếu chua trong miệng của chúng tôi? Thật không may, bởi vì tôi đã được trao túi hỗn hợp lớn nhất mà tôi đã nhận được cho đến nay. Nếu bất cứ điều gì, nó là một túi hỗn hợp khiến cho việc nhìn lại cảm thấy đáng giá. Những bộ phim sùng bái nào đã mắc kẹt với chúng ta? Những bộ phim nào của thanh niên chúng ta đã xác định với nhiều người lớn hơn? Thật khó khăn khi xem vô số bộ phim này (bao gồm cả những đề cập danh dự) mà không có kính bảo hộ (hoặc - ngược lại - kỳ vọng rằng điện ảnh mà thời đại không cần thiết nhất sẽ không mang lại một lần nữa)? Tôi đã đến để ngưỡng mộ thời đại này, và tôi hy vọng rằng tôi có thể thuyết phục bạn làm điều tương tự. Dù bằng cách nào, có rất nhiều điều để khám phá. Dưới đây là một trăm bộ phim hay nhất của 1980 1980.

Tuyên bố miễn trừ trách nhiệm: Tôi đã bao gồm các bộ phim tài liệu, hoặc bất kỳ bộ phim nào đủ đáng kể của một bộ phim tài liệu (Mockumentaries don đếm). Tôi đã quên mất các bộ phim như Shoah hoặc The Thin Blue Line. Tôi đã ghi nhớ chúng trong tâm trí sau này (nháy mắt).

Hãy chắc chắn kiểm tra 100 danh sách tốt nhất khác của tôi trong mỗi thập kỷ

100. Laundrette xinh đẹp của tôi

Việc sao chép những căng thẳng giữa người nhập cư và người lớn có thể khó khăn khi một lượng chéo nhất định giữa cả hai bên diễn ra. Laundrette xinh đẹp của tôi quản lý để tìm thấy hai người yêu: một từ băng đảng punk địa phương ra khỏi đường phố, và người kia là con trai của một nhà văn của những lý tưởng cánh trái trở lại ở Bombay (nay là Mumbai). Giao lộ ngã tư của họ là tiệm giặt là Omar thừa kế, và bạn trai Johnny được tuyển dụng. Nó cần tinh thần đồng đội để dọn dẹp một nơi làm việc, nhưng nó cần những điều kỳ diệu để chữa trị một nền văn hóa độc hại. Laundrette tuyệt đẹp của tôi tập trung vào một trận chiến tại một thời điểm, bởi vì một chiến thắng nhỏ có thể dễ chịu hơn khi phải đối mặt với bức tranh lớn hơn không thể.

99. Heathers

Các bộ phim trung học dành cho thanh thiếu niên đều là cơn thịnh nộ trong thập niên 80, vì vậy Michael Lehmann, ngón tay giữa lớn với xu hướng cũng nổi loạn như những thanh niên sống trong đó. Heathers được dẫn dắt bởi thành viên nhóm Veronica (đã là dấu hiệu của các quan điểm ngoại lệ) và mối quan hệ của cô với vị thành niên tâm thần J.D. (đây là bài kiểm tra cuối cùng cho bất cứ ai nói rằng họ đã thành những chàng trai xấu, tôi cho rằng). Những kẻ thù bóng tối hơn được, nó trở thành sillier. Nó như thể điều tồi tệ nhất của nhân loại bắt nguồn từ sự ngu ngốc của tất cả. Một phần châm biếm và một phần chế nhạo hoài nghi, Heathers cũng man rợ như nó sắc nét.

98. Bữa tiệc Babette

Một trong những bộ phim lành mạnh hơn xuất hiện trong danh sách này, Gabriel Axel, đã giành giải thưởng của Babette, các vòng tròn xung quanh độ cao của tinh thần. Tất cả chúng ta đều thích một bữa ăn ngon. Nó an toàn khi nói rằng thực phẩm có thể nuôi dưỡng tâm trạng xấu và tâm hồn làm tổn thương, phải không? Chà, Babette theo tiêu chuẩn sử dụng một lát may mắn trong cuộc sống để khắc một món quà tươi sáng cho cô ấy và những vị khách ăn tối mà cô ấy mời cho bữa tối một lần trong một thời gian của mình. Nó là loại sự kiện ăn uống hợp nhất sự tách biệt, có xu hướng cô đơn và xóa bỏ các vấn đề ngay cả trong vài giờ. Chỉ cần xem bữa tiệc Babette, là một trải nghiệm nâng cao mà tất cả chúng ta đều nợ chính mình để xem ở đây và ở đó. Các epitom của chúng tôi phụ thuộc vào loại nuôi dưỡng nghệ thuật này.

97. Pauline ở bãi biển

Éric Rohmer tiếp tục chuỗi thập niên 70 của mình với cuộc gọi đánh thức sắp đến tuổi Pauline ở bãi biển. Điều hấp dẫn về câu chuyện này là làm thế nào ít nhất một nửa bộ phim được dành cho trí tuệ phá vỡ một tình huống giả định, trong đó tất cả những người tranh luận đều có quan điểm riêng của họ về những gì đã xảy ra (và những người không bị bắt ở giữa, bị ảnh hưởng cho tất cả các bên). Tiêu đề cũng không giúp đỡ, bằng cách vẫn là một người không thành công; Pauline đã tránh xa sự thất bại ở trung tâm của bộ phim. Vào cuối ngày, Pauline ở bãi biển giải quyết một cách mơ hồ (nhưng với sự ấm áp), và nó là một trong những trường hợp hấp dẫn hơn trong tất cả các cách giải thích bạn có thể tìm thấy.
participant; Pauline was away from the debacle at the centre of the film. At the end of the day, Pauline at the Beach resolves ambiguously (but with warmth), and it’s one of the more inviting cases of all interpretations you may find.

96. Gần tối

Trước khi Kathryn Bigelow tìm thấy lời kêu gọi thực sự của mình với các phim kinh dị chính trị và xã hội, cô đã nhảy quanh các thể loại một chút. Thí nghiệm 80 lớn nhất của cô đã gần như bóng tối, mà những ma cà rồng lãng mạn mà không bao giờ nói từ chữ V nào cả. Với đầy đủ tất cả các bộ phim hành động của The Cheese of the Token mà không có sự giả vờ nào, gần bóng tối là một sự tôn vinh thú vị cho một thể loại sắp chết (phương Tây) và hương vị hiện tại của tuần (kinh hoàng). Mặc dù có nhiều khả năng của Schmaltz, bộ phim vẫn tuyệt vời (và có thể thậm chí còn mát hơn so với trước đây; thách thức quá trình lão hóa của các bộ phim thời trang từ khi trở về khi trở lại). Tôi yêu nơi Bigelow hiện đang sáng tạo, nhưng gần như Dark là bằng chứng cho thấy cô ấy luôn biết cách làm một bộ phim tuyệt vời.

95. Cổng thiên đường

Có thể không bao giờ có một nghịch lý điện ảnh lớn hơn Michael Cimino, theo dõi The Deer Hunter. Thành phần chính của cái chết của phong trào Hollywood mới (và có thể là thể loại phương Tây đau khổ), Gate Heaven's đã bị ảnh hưởng bởi những câu chuyện sản xuất khủng khiếp (lạm dụng động vật vẫn không thể tha thứ), một ngân sách có thể giết chết toàn bộ studio và cắt giảm an toàn mà gây nguy hiểm cho toàn bộ sáng tạo. Nó được coi là một trong những bộ phim tồi tệ nhất từng được thực hiện. Giờ đây, Gate Heaven, (được phát hành dưới dạng hơn ba giờ) là một câu chuyện đặc biệt nhưng tuyệt đẹp về nước Mỹ trong tình trạng Limbo trong Chiến tranh Hạt Johnson; Cimino đạt được điều này, bằng cách biến sự thật thành một giấc mơ tuyệt vời, được hoàn thành với một sân trượt băng lăn không bình thường. Thật kỳ lạ khi tưởng tượng làm thế nào một bộ phim có thể đại diện cho điểm đen tối nhất của nhiều mốc thời gian chuyên nghiệp, nhưng nó vẫn dần dần phát triển thành sự sai lầm này của một bộ phim.

94. Taxi Zum Klo

Vào đầu thập niên 80, rạp chiếu phim LGBTQ+ vẫn đang bị kiểm duyệt và ẩn đi. Vì vậy, Giám đốc Frank Ripploh đã tạo ra Taxi Zum Klo. Một phần gây sốc văn hóa (với các hoạt động tình dục không mô phỏng, bao gồm một cảnh hoàn toàn tận tâm) và một phần tự truyện, Taxi Zum KLO là một cuộc nổi loạn chống . Ripploh đặt mình vào vai chính, bằng cách thể hiện tình yêu của anh ấy cho bản sắc của anh ấy, và mối quan hệ của anh ấy hối tiếc (và những điều anh ấy có thể ước anh ấy có thể nói). Nó không phổ biến rằng một bộ phim đối đầu này là tình cảm và quyến rũ như nó là, nhưng Ripploh đã kéo nó ra.

93. Người đóng thế

Nếu cổng Heaven, đã giết chết phong trào Hollywood mới, thì người đóng thế là người cuối cùng mà không phải là người có đủ tình yêu. Với một kẻ chạy trốn sẵn sàng làm bất cứ điều gì để trốn thoát, và một nhà làm phim điên rồ muốn làm cho bộ phim hoàn hảo thông qua các phương tiện đạo đức ít nhất, người đóng thế là sự tàn phá giữa một người phạm pháp và một người tự tử. Điều này đôi khi dẫn đến hành động ngoạn mục (tên tội phạm bây giờ bất chấp các pha nguy hiểm cho các hình ảnh chuyển động), và đôi khi trong chiến tranh. Người đóng thế sau đó cố gắng gây rối với đầu của chúng tôi, bằng cách nhầm lẫn về bản chất thực sự của nó (chúng ta đang xem một bộ phim hay một bộ phim trong một bộ phim?). Cuối cùng, người đóng thế để lại cho chúng ta một cái nhún vai to lớn, bằng cách nào đó vui nhộn hơn là tức giận. Có lẽ đây là một cơn ác mộng tồi tệ nhất của studio, và chúng tôi sống nó: một dàn diễn viên và đoàn làm phim sẽ không bao giờ cùng tồn tại một cách hòa bình.

92. Cô dâu công chúa

Cô dâu công chúa rất thông minh. Nó là một bộ phim thú vị cho trẻ em, một điều trị mỉa mai cho thanh thiếu niên, và rất nhiều cho người lớn. Một khi bạn nhận ra toàn bộ câu chuyện cổ tích này là sự sáng tạo của một ông nội, người buồn chán kể cho cháu trai của mình những câu chuyện cũ, thì bằng cách nào đó nó trở nên hài hước hơn gấp mười lần. Điều này giải thích các mô tả về chuột, đối thoại đặc biệt và những cường điệu khác. Nói không phải vì tức giận mà là tình yêu, cô dâu công chúa bí mật là một khoảnh khắc gắn kết giữa một người thân yêu và một đứa trẻ bị bệnh. Bây giờ, đủ tất cả những tình cảm đó. Bộ phim hết sức vui vẻ đáng kinh ngạc, và tất cả chúng ta đều biết điều đó. Chọn bất kỳ dòng nào, bất kỳ nhân vật nào, và bất kỳ cảnh nào, và đó là một nhà do Rob Reiner và phi hành đoàn điều hành.

91. Smithereens

With a recent bump in popularity, it’s nice to see Susan Seidelman’s punk rock debacle Smithereens get some love. Her debut is unapologetic, with a lead character (Wren) dealing with all of the nonsense life slings at her. With a killer score (by The Feelies) and a deeply rooted presence in the scene (the film even features punk icon Richard Hell in a supporting role), Smithereens is absolutely authentic. Even if this isn’t your style, the film is incredibly relatable to many, particularly the lack of remorse from a world that already sucked. From fashion to music, one liners and shot selection, Smithereens is all killer. 

90. Mirch Masala

Ketan Mehta’s feminist thriller is an enticing battle between oppressors and the oppressed, and it is all captured with bare bones, fundamental filmmaking brilliance. Centred around an exhilarating performance by Smita Patil (who was taken away from us way too soon), Mirch Masala is the cinematic boiling point created by the refusal to be mistreated for any longer. Patience is held right until the climactic moments, when the film explores as much as its protagonists, veering away from conventionalism and safety. Mirch Masala’s intensity is our intensity, and it resolves with complete frenzy (and a stroke of wits, of course). It’s an absolute rush of a film.

89. Nostalghia

Even Andrei Tarkovsky at his worst results in a work of brilliance. Nostalghia is as invested in the psyche as Mirror, but it tries to be more spiritual in a literal sense. Capturing the human experience in a series of lengthy quests of self fulfilment, this journey into the depths of one’s soul is exquisite in every sense. Reaching the unity created by self destructive death and obtained enlightenment, Nostalghia reminds us that release is subjective, and one’s subconscious freedom may be another’s hell. There is no absolute in the cleansing of one’s being. However, Tarkovsky’s many attempts — including Nostalghia — will forever be some of cinema’s strongest endeavours of this particular quest.

88. A World Apart

If an Oscar bait film could ever be underrated or under-seen, then that film would be cinematographer Chris Menges’ A World Apart. Based on the imprisonment of anti-apartheid activist Ruth First (the screenplay was written by her surviving daughter Shawn Slovo), the film centres around judicial injustice, created by a bigoted society refusing to change. What places A World Apart at a higher place than most similarly conventional films for us is the continual avoidance of the most-expected turns; in fact, the film tricks you a number of times, to evoke frustration found within the fight to make things right. A World Apart was crafted by a loved one who aimed to get a story told, in a way that’s inviting and not insultingly manipulative.

87. Parting Glances

It’s astonishing how strong a statement is when a film is created with pure talent, even when there isn’t much budget to work with. Bill Sherwood’s goal was to humanize the AIDS crises in a time when people with AIDS were being ostracized. A humble look at a love triangle (and this time, it’s actually held together by love, not jealousy), we invest time in Michael’s relationship with his new boyfriend, and his suffering ex-boyfriend that Michael helps back at home. We get a slice of life, a community, and realistic situations, all of which were being avoided or skewed by the mainstream. Parting Glances outlasts all of these hateful takes, and remains an essential breakthrough in LGBTQ+ cinema and the AIDS conversation.

86. Vagabond

Agnès Varda always tried to look at cinema in a new light, and her quest continued for many decades. About halfway through her filmography lands Vagabond: a film that holds on to zero conventions, and creates the illusion of having absolutely no plot (despite encapsulating the entire life of a character). As we witness Mona throw away her life (and, ultimately, live the last days of her life) in a glorious, positive existential fashion, we see the refusal of conformity, both within a society and within cinematic confinements. If anything, we start the film off with the closer: the frozen corpse of an unknown person. Varda herself breaks the mold of a fictional narrative by being the literal voice that asks characters what is going on. Yes, Vagabond is as anti-structure as its lead character, and it’s gorgeously unorthodox.

85. Mystery Train

Considering all of the sublime ‘80s films in Jim Jarmusch’s filmography (which I sadly couldn’t fit onto this list, and it hurts me), Mystery Train is the first flash of pure talent from the then-blossoming auteur. It’s a trilogy of tales of lost souls, centred around a gunshot, the whispers of the night, and Elvis Presley. Even if these Memphis tales have little else to do with one another (it’s like watching three different shorts of Japanese, Italian, and American citizens), Mystery Train bottles up the serendipity found in the wee hours of the night, when secrets are exposed and mistakes are made. It’s Jarmusch operating at his very best.

84. Opera

Điều này đánh dấu sự kết thúc của cuộc chạy cổ điển của Dario Argento: lần cuối cùng, chủ mưu của Giallo đã thành công nhón chân giữa đáng sợ và Schlocky mà không rơi vào tình trạng sau này. Với một kẻ tâm thần bị ám ảnh bởi một cảm giác ca hát mới, Opera có lời nguyền của trò chơi Scotland Scotland (được, Macbeth) và quay số sự mê tín lên một cấp độ hoàn toàn mới. Với đủ độ sáng để thấm nhuần một cảm giác nhỏ về những điều chưa biết, Opera là một phần Nightmare và Fever Dream. Đêm chung kết cảm thấy như một khoảnh khắc vinh quang từ một đường vòng Steven Spielberg, chỉ bị xé toạc bởi sự không ngừng của nghiện và đồi trụy. Ngay cả khi Argento chưa bao giờ hoàn toàn tìm ra công thức của mình cho những bộ phim thảm khốc tuyệt đẹp của anh ấy kể từ đó, chúng tôi sẽ luôn có opera và những bộ phim kinh dị tuyệt vời mà anh ấy làm trước đó.

83. Hairspray

Cuối cùng, John Waters đã chơi mọi thứ rất an toàn và mát mẻ, và chúng tôi đã có tóc: nhận ra không bao giờ kết thúc rằng một thứ gì đó fab này đến từ cùng một người làm hồng hạc (làm thế nào?). Ngay cả tại dòng chính nhất của mình, Waters vẫn sắc sảo và thú vị hơn bao giờ hết, với cái nhìn tinh thần cao độ này về một thế hệ trẻ với hy vọng bãi bỏ sự phân biệt chủng tộc và mọi người xấu hổ. Vẫn còn đủ trại ở đây để thỏa mãn những người hâm mộ nước, nhưng dù sao cũng có thể truy cập được. Thật tệ khi chúng tôi mất thần ngay khi anh ấy sắp trở thành cảm giác lớn nhất trên thế giới, nhưng ít nhất đây là cách Waters Waters cuối cùng cho thế giới thấy những gì nhiều người hâm mộ biết tất cả cùng: Divine vượt quá đặc biệt. Hairspray - với tất cả các cầu thủ của nó - là một bục tuyệt vời để trưng bày các giá trị tuyệt đẹp được tìm thấy trong.

82. Alice & NBSP;

Có tệ không khi phiên bản yêu thích của tôi trong tiểu thuyết biểu tượng của Lewis Carroll, là Jan Švankmajer, Alice cực kỳ xoắn? Nó có thể là taxi sống đáng yêu. Giống như nó (ngay cả những khoảnh khắc dự định với sự giúp đỡ của Alice, với sự gần gũi của miệng cô ấy kể lại câu chuyện của chính mình), Alice cũng rất đáng kinh ngạc. Trí tưởng tượng đi vào gần như mọi sáng tạo mất trí nhớ ở đây là một phần của trải nghiệm (yêu thích cá nhân của tôi phải là những con số thẻ bị cắt, như Nữ hoàng của Heart một phần hai). Bằng cách nào đó, điều này có vẻ giống như loại thích ứng mà Carroll có thể muốn tất cả cùng: hơi tuyệt vời, chắc chắn là tối và hoàn toàn bị điều khiển bởi những điều phi lý của nó.

81. Nàng tiên cá nhỏ

Cuộc đại tu hoàn chỉnh của thế giới thông qua nhiệm vụ Disney, để độc quyền bắt đầu ngay tại đây. Các nàng tiên cá nhỏ đã cứu Disney bằng cách tạo ra sự phục hưng của Disney, và nó đã thay đổi hoạt hình vì kết quả là tốt. Nó có hoạt hình tuyệt đẹp, và các bài hát được bao gồm là truyền nhiễm (nó đã hơn ba mươi năm, và tôi có thể đảm bảo bạn biết rằng dưới biển vẫn còn). Hầu hết tất cả là câu chuyện cảnh báo đến tuổi sắp đến tuổi về một công chúa tuổi teen muốn có một cuộc sống hoàn toàn khác, chỉ để khám phá ra những cách quỷ quyệt của thế giới. Nhiều bộ phim Disney tuyệt vời đã đến kể từ đó - một số người thậm chí còn hay hơn - nhưng Mermaid nhỏ bé hoàn toàn vô song với những khoảnh khắc như Ariel phát ra giọng nói của cô ấy, hay trận chiến cao trào rực rỡ của Eric, với Ursula. Nàng tiên cá nhỏ là trường hợp đầu tiên của Disney Magic đối với nhiều người trong chúng ta còn quá trẻ để trải qua những lần đầu tiên của nó trước đó. & NBSP;

80. Sự tỏa sáng

Những năm 80 là một thời gian kỳ lạ, trong đó một bộ phim sùng bái như The Shining có thể được đề cử cho Razzie Awards (cho Stanley Kubrick, người đã tạo ra một bộ phim kinh dị thay đổi trò chơi, và Shelley Duvall, người hầu như không hành động Một năm cổ điển sau đó. Các di sản của Kubrick, luôn làm việc chậm, nhưng sự tỏa sáng thực sự là một bộ phim kỳ lạ. Nó có ngón tay của nó trên xung của sự khó chịu kinh hoàng, đến mức nó đang bị mê hoặc hoặc không được yêu thích thông qua kích ứng. Vào năm 2020, The Shining cảm thấy giống như một ảnh hưởng lớn, vì nó đã hoán đổi sự sợ hãi cho những thực hiện gây sốc và hình ảnh trắng trợn cho những điều chưa biết. Nó không thường xuyên mà một bộ phim phát triển mạnh về sự không chắc chắn: sự không chắc chắn tương tự khiến nó bắt đầu.

79. Một câu hỏi về sự im lặng

Phim kinh dị tâm lý nữ quyền của Marleen Gorris, là một viên thuốc khó nuốt vào năm 1982, như một câu trả lời cho làn sóng của các bộ phim nữ quyền trước đó. Giống như một điện ảnh "Nếu bạn không nhận được nó bây giờ, bạn sẽ không bao giờ, một câu hỏi về sự im lặng là một bộ phim táo bạo về một vụ giết người được tính toán của ba người phụ nữ . Gần giống như câu trả lời của Gorris, cho nhân vật phản diện Macho của phong trào Hollywood mới, một câu hỏi về sự im lặng sử dụng một hành động ghê rợn để nêu ra một điểm về sự bất công có hệ thống và quan điểm đầy đủ: điều mà phụ nữ đã phải đối phó mãi mãi. Nó giải quyết với sự cuồng loạn: Không thể tin rằng định kiến ​​đối với nhiều nhóm vẫn không tồn tại. & NBSP;

78. A Fish Called Wanda

John Cleese studied law at Cambridge, and was able to fully exercise his learning with his screenplay for A Fish Called Wanda (perhaps the greatest marriage of his school day functions: classes and comedy); he plays a blithering barrister in the film. Unlike the usual Monty Python calls-to-action of decimating tropes, Wanda bathes in the conventions of romantic comedies and silly heist films; it just decides to do a good job of these conventions, resulting in a laugh fest for the ages. The incompetence of everyone (and I do mean everyone) is what makes this goofy game of cat-and-mouse so lovely; no one is expendable, but everyone’s arguably an idiot. As far as comedies with enough plot to take seriously go, A Fish Called Wanda is a sterling example.

77. My Brother’s Wedding

The sophomore project by Charles Burnett was destroyed by the ineptitude of the film industry’s business side; My Brother’s Wedding was not allowed to be finely edited, was submitted as a flawed film to festivals, and was hidden away for a quarter of a century as damned art. Burnett’s neorealist vision is now available to be loved with open arms, as it documents the ghettos of Los Angeles with non-actors to play out his words and cues. My Brother’s Wedding uses this setting to tell a humble tale of reparations, and the inability to choose between two families (one of blood, and one of bonding, through life and death respectively). I try to imagine if Burnett and this stunning film were given their fair chance, and I’m sore, knowing that My Brother’s Wedding could have affected cinema more than it was allowed to.

76. Drugstore Cowboy

The first time Gus Van Sant completely dominated the screen was with the edgy look at addiction known as Drugstore Cowboy. We see enough debauchery before a turning point is asked for, only for glimpses of hope to be stolen away from us: a reminder that the disappearance of toxicity in one person doesn’t mean the culling of toxicity from all. During the earlier chapters, Drugstore Cowboy connects dreamlike imagery with barren reality, giving us both the highs and the lows of these characters as they chase the next score. With Matt Dillon operating at the best he’s ever been (there aren’t many loaded performances as convincing as his), Van Sant tapped into an ugly life with complete devotion.

75. Kagemusha

Somehow, it took George Lucas and Francis Ford Coppola — disciples of Akira Kurosawa’s filmmaking — pleading with 20th Century Fox to allow one of cinema’s greatest artists to get another film. This irks us to this day (is his filmography not enough??). Well, we at least got Kagemusha: a test of contemporary capabilities before following up with Ran. As for this 1980 take on the Battle of Nagashino, Kagemusha is an extravagantly colourful look at war, and Kurosawa’s flexing of his capabilities. See? Even his experiments are absolutely worthwhile. With an entire lengthy climax void of dialogue, Kagemusha turns war into poetry, and the disrespect of the film industry into art. 

74. The King of Comedy

After Raging Bull didn’t win Best Picture, The King of Comedy was released. It’s hard to say if Martin Scorsese flat out didn’t care to play the awards season game again, or if he even cared greatly at all. Nonetheless, The King of Comedy is a huge middle finger to mainstream cinema at the time, with a deeply disturbed protagonist (Rupert Pupkin has become an adjective to describe obsessive lowlifes now) and a disregard for any likeable characters to follow. Shattering the illusion of celebrity, and using a warped mind to feign popularity, The King of Comedy is actually hilarious if you’re willing to accept laughing at misfortune and evil. If not, it may be a feature of discomfort that will rattle you to your core.

73. The Last Metro

One of François Truffaut’s concluding works was his final gem The Last Metro: a love letter to the stage during Nazi occupied France. Truffaut uses major French faces (Catherine Deneuve and Gérard Depardieu) as puppets to tell the tale of ambition in a time of turmoil, and the sacrifices made to stay alive. Using his token poetic style, Truffaut puts everything out in the open for us. So we think: right at the last second, the rug is pulled from under us, as a trick meant to give us one final hurrah. With that, it was evident that Truffaut could operate in any era, and that he’s always been aware of how to shake up cinema at least one more time.

72. Blood Simple

In the early ‘80s, a major transitional phase was happening. New Hollywood was now dead, but a new wave of American filmmakers was still welcome. Enter the Coen brothers, who were clearly destined for this industry. Their debut Blood Simple (one of their darkest works to date) is a neo noir for the ages, which excels past any budgetary constraints it had. A straight forward adultery mystery turns into a flashy, aesthetic bloodbath that reveals all of the capabilities of these two then-budding filmmakers. It’s the kind of first impression that really makes a statement, to the point of being unforgettable. When your first feature contains one of the greatest shootout sequences of all time, you're going to be making films for a while.

71. Chocolat 

A first film is a great showcasing of what an artist is trying to say, and Claire Denis took the risky route of covering topics that mainstream films just love to shy away from and not confront. These include colonialism, and an authentic approach to native servants of white privileged families in Africa. Chocolat takes this uncomfortable discussion and runs with it, creating a poignant look at how racism is inherited by upbringings and not from birth. Using the perspective of an innocent girl (through the eyes of her adult self) to observe prejudice, Chocolat is a glorious debut that dealt with tricky topics far better than a number of its contemporaries.

70. Grave of the Fireflies

In the internet age, Isao Takahata’s opus has become the go-to film to bring up when others need a good cry. It’s fair to say that Grave of the Fireflies is certainly one of the more emotional films one may ever watch, particularly the devotion a brother has to help his ailing sister, as both are rendered homeless during World War II. From the get go, hope is removed, as the film reveals its darkest hours right away. Every attempt at survival is futile from there on out, and yet we still beg Grave of the Fireflies to give these poor children a chance, despite what we already know. Maybe the film isn’t cynical but instead loving, as it got its most difficult moments out of the way, so we can experience and appreciate a love between siblings during hardship without the deception of hope.

69. Mad Max 2

Mad Max: Fury Road has dominated the modern day observations of action cinema, but it is built heavily on the blueprint of George Miller’s earlier vehicular onslaught Mad Max 2 (or The Road Warrior to American viewers). Disguised as a myth told through a young observer (now the film’s narrator), Mad Max 2 is a western in spirit (lone ranger and all) but a political statement upfront. Unlike Fury Road, this film takes time to get into the car battles, and the payoff is one built on patience and devotion. Mad Max 2 fulfills every desire, and remains one of the crazier conceived action films of all time, rivalled only by its distant 2015 cousin.

68. Santa Sangre

We will see Alejandro Jodorowsky operating at his craziest once we reach the ‘70s, but for now Santa Sangre is his best effort at being endearing, and yet he is still absolutely insane. Like any film by Tim Burton before he really took off (and also way more insane), Santa Sangre is innocent through its protagonist (a circus performer hypnotized by his mother to carry out her desires). As crazy as the film gets, its central tale is always emotional to witness, because of the massive performance by son Axel Jodorowsky. With nightmarish juxtapositions and papa Jodorowsky’s usual shock imagery, Santa Sangre is still of another planet, yet it’s still the auteur’s most grounded work (whatever that may mean).

67. I’ve Heard the Mermaids Singing

The more the world accepts Canadian cinema’s strange style, the larger Patricia Rozema’s opus I’ve Heard the Mermaids Singing becomes. This daydream pulled from a smitten, ditzy (but charming) secretary is to understand love at first sight. Told with zero pretence and entirely with wonder, I’ve Heard the Mermaids Singing is driven entirely by feelings, even when they are misguided. For that reason, this tale of love and heartbreak remains a slice of splendour to enjoy for decades to come. If you want to experience the quirkiness of pure Canadian cinema and also feel invited at the same time, I’ve Heard the Mermaids Singing is both accessible and imaginative.

66. Platoon

Maybe Oliver Stone hasn’t quite returned to this high point in his career, but this Vietnam War debacle is one hell of a bar to reach again for anyone. It’s one of the few accessible Best Picture winners of the ‘80s to make sense, given its riveting take on the titular platoon that begins to turn in on itself out of delirium. With everyone operating at their very best, Platoon is a series of success from start to finish, adding to the anxiety created by the developing events that spiral completely out of control. Platoon doesn’t hide any cards, either, by playing some absolute narrative doozies even early on, alerting audiences that anything can happen.

65. Mauvais Sang

It pains me that not many films from the Cinéma du look movement made my ‘80s list (Diva is absolutely an honourable mention, if I’m allowed), but Leos Carax’s riveting Mauvais Sang was a must to include. Pooling together young icons before they became as beloved as they are now (Juliette Binoche, Denis Lavant, Julie Delpy), it’s as if Carax and company were aware of the future of French cinema and what these newcomers could bring to the table. In Mauvais Sang, we get refreshing expressions of love and pain, all told through an alternative reality where sex for pleasure instead of love can kill you. By Lavant’s sprint-dance to “Modern Love”, you’ll know you’re watching the emotional palette reinvented.

64. The Purple Rose of Cairo 

I still believe The Purple Rose of Cairo is Woody Allen’s most underrated film: a depression-era tribute to the cinematic experience. When fictional character Tom Baxter leaps off the screen to be with his most avid admirer (a hurting waitress), Cairo becomes an impossible reality, with the barricade separating art from life being shattered. Baxter is played by Jeff Daniels at his best: as lovingly corny and naive as possible. Once Baxter’s actor Gil Shepherd (also Daniels) becomes aware of the situation, Cairo could have gone the screwball route. Instead, Allen opts for romanticized devastation, as he never forgets that the film is still rooted in a sorrowful America.

63. Sex, Lies, and Videotape

It’s no wonder that Steven Soderbergh’s youthful win of the Palme d’Or would have resulted in a permanent shift in independent cinema forever. Not everyone just makes Sex, Lies, and Videotape, especially given its incredibly cold, alien tone. A film about perversions (some treated with video tapes) being captured with such indifference is almost like the issuance of the next coming of American cinema, especially since the ‘80s became more concerned with sentimentality. Every revelation here sends chills down your spine, even well before the eerie climax. Soderbergh has made many films of varying styles since, but none have felt quite as idiosyncratic as this prophetic piece of American film.

62. Big

It can’t be an ‘80s list without at least one signature romantic comedy on here, and Penny Marshall’s greatest triumph is that film for us. Big gets its fantasy basis out of the way quickly, allowing us to fully digest the possibility that a child can become an adult just over a wish (Tom Hanks’ incredible performance also helps, of course). Never fully indulging in the silliness that can ensue, Big makes time for the wonders of a proper coming-of-age film done incredibly differently. Adults look back on their own youths, and the children in this film understand their years of exploration they still have to enjoy. 

61. Children of a Lesser God

Randa Haines’ awards season juggernaut Children of a Lesser God has enough heart and care to remain a feature that succeeds past its premise. Driven by breathtaking performances by Marlee Matlin and William Hurt, this romantic drama explores the difficulties of partners not being able to fully empathize with one another; particularly a teacher for the deaf not fully understanding his deaf partner’s frustrations with living with her condition. The balance of optimism and severity here is used nicely, as Children of a Lesser God never feels heavy handed or incompetent with its material. This is conventional ‘80s drama done very well.

60. A City of Sadness

One of Hou Hsiao-Hsien’s earliest successes ends with a photograph of mixed emotions: promise and fear. A City of Sadness tells the events that followed the genocide of thousands of Taiwanese citizens at the hand of the Kuomintang government, and the pursuit of freedom and happiness. Pivotal for Taiwanese cinema and the then-muted discussion of the White Terror on Taiwan, A City of Sadness contains the gravity of these attacks within a smaller story (told largely, with two and a half hours and a big enough production). It was a strong introduction to the passive-epic style of Hou Hsiao-Hsien, and a bittersweet narrative that lingers for a while.

59. Dead Ringers

Once David Cronenberg broke out into the Hollywood side of his career, it only felt right that he did at least one more Canadian arthouse work (he would do multiple more). Dead Ringers dialed down the American side of his new identity, and resorted to the type of eeriness that only a twisted Canadian production could emit. Featuring Jeremy Irons in duo roles as twin gynaecologists, Dead Ringers is a play on the double, resulting in psychological deterioration and physical warping. Delusions turn into desires, and expertise becomes danger. The twins feed off one another in body, mind, and spirit, like a conjoined gemini; obsessions of the parasitic brother begin to poison the host brother. Dead Ringers is truly an authentically Canadian staple: it’s deeply disturbing and strange.

58. The Empire Strikes Back

The best Star Wars film to date has been spoiled for the entire world, and yet it is so good that it still doesn’t even matter. Now, The Empire Strikes Back is a space western staple, with a reinvention of the open worlds and smushed saloons of the former genre; it’s also just flat out the one Star Wars film we can all agree on, after A New Hope. Back then, this film was a fantastic sign that this new reality found with the original Star Wars was not a fluke. This beautiful franchise was meant to continue. I honestly believe that Star Wars started something new, but it was The Empire Strikes Back which completely capitalized on what this new idea (film franchises) could actually do. Now that this was released a long time ago (and somewhat in a galaxy far, far away), The Empire Strikes Back is easily the peak of George Lucas’ brainchild (and, weirdly enough, he only wrote the story and helped produce this entry).

57. Akira

Phần lớn hình ảnh văn hóa nhạc pop xung quanh Akira được sửa chữa trên các cảnh trước đó, điều này rất tốt cho những người mới đến, vì họ sẽ không bao giờ chuẩn bị cho cách thức đầy tham vọng của anime Classic này sẵn sàng nhận được. Càng đi lâu, bạn càng có thể tin rằng nó sẽ trở nên dữ dội hơn (nhưng nó luôn luôn như vậy). Cuối cùng, bạn cảm thấy như bạn có một chiều hoàn toàn khác, và thế giới mà bạn từng biết là một ký ức cuối cùng đã lắng xuống. Akira sẵn sàng khám phá rất nhiều lĩnh vực khó chịu. Nó có loại lòng can đảm này đã thúc đẩy nó trở thành một ảnh hưởng đến hoạt hình trưởng thành từ đó trở đi.

56. Tội phạm và tội nhẹ

Woody Allen tuyên bố yêu thích Ingmar Bergman, và gợi ý về các tác phẩm bậc thầy Thụy Điển có thể được tìm thấy trong bộ phim trước đây của Bits và các tác phẩm. Mọi thứ trở nên thú vị khi Allen đi toàn bộ Bergman, và tội ác và tội nhẹ là một trong những ví dụ này. Hai câu chuyện không liên quan - một trong những người ngoại tình chuyển sang sự tàn phá, và một câu chuyện khác của một tài liệu tự mất đi thực tế - hội tụ vào cuối một cuộc trò chuyện, và chúng ta có vinh quang khi nghe hai người hoàn toàn hiểu lầm nhau, vì họ Giải quyết vấn đề nan giải của chính họ. Tội ác và tội nhẹ là một bộ phim ảm đạm một cách bất thường đối với Allen, nhưng mặt tối của anh ta được khám phá sâu sắc này đã dẫn đến một trong những giờ tốt nhất của anh ta.

55. bó ngọt ngào

Một người có tầm nhìn không được thảo luận đủ là Nikos Nikolaidis, người đã có các phiên bản phim truyền hình tâm lý nặng nề của riêng mình trong suốt thập niên 80 (Buổi sáng tuần tra chỉ bỏ lỡ danh sách của tôi). Tính năng của anh ấy là những năm 80 của anh ấy là Sweet Bunch: A Strange Jab tại Sam Peckinpah, The Wild Bunch. Một nhóm gồm bốn tội phạm thề sẽ khám phá các mặt đen tối nhất của họ theo những cách khác nhau (thông qua sự đồi trụy, lừa dối hoặc đầy đủ về bản chất tâm thần). Họ trở thành thức ăn gia súc cho cảnh sát, những người dần dần thu hẹp trong họ. Tất cả sự đồi trụy này, nhưng bó ngọt ngào vẫn được quay rất màu sắc, và với âm nhạc cảm xúc như vậy; Đó là một loại cocktail của những cảm giác tương phản. Giống như một cái nhún vai hoành tráng khi đối mặt với tử vong nếu có một, ngọt ngào là một đặc điểm tồn tại mà không được chăm sóc trên thế giới. & NBSP;

54. Tin tức phát sóng

Khi James L. Brooks chuyển từ truyền hình sang màn ảnh rộng, anh đã giúp tìm ra làn sóng phim hài mới mà chỉ một thập kỷ như thập niên 80 có thể gợi lên (một số lượng đường tình cảm nhất định là cần thiết). Nỗ lực lớn nhất của anh là bộ ba thần kinh được gọi là tin tức phát sóng. Khi chúng ta khám phá ba cuộc sống bị cuốn vào một tam giác tình yêu và sự nghiệp (một người neo đậu, một phóng viên đáng ghen tị và một nhà sản xuất cầu toàn) Và chăm sóc. Bạn có thể không muốn bất kỳ người cụ thể nào giành chiến thắng nhiều hơn người khác, điều này đụng độ vào bối cảnh nghề nghiệp cạnh tranh cao. & NBSP;

53. Câu chuyện Đài Bắc

Trước khi Edward Yang được biết đến với những sử thi dài bị đốt cháy chậm chạp, anh đã đặt ra một tiền lệ với câu chuyện Đài Bắc (hai giờ) hợp lý. Luôn luôn là người có tầm nhìn mà anh ấy, xem câu chuyện Đài Bắc bây giờ là một bài tập trong việc tự hỏi làm thế nào trong địa ngục bộ phim này ba mươi lăm tuổi (nó có thể được phát hành trong năm 2010). Quá khứ, hiện tại và tương lai đều va chạm trực tiếp trong ngã tư này của một câu chuyện kể, vì kết quả có thể được xây dựng bởi vận may trong quá khứ và tình huống khó xử hiện tại. Yang doesn không ngần ngại sửa chữa tất cả các chi tiết nhỏ khiến chúng ta trở thành con người trong suốt những lúc bối rối, vì vậy ít nhất chúng ta khán giả có thể ăn mừng cuộc sống trong khi các nhân vật ở đây cảm thấy mâu thuẫn về chính họ.

52. Polyester

Trước khi John Waters trở thành hoàn toàn chính thống (trong một thời gian), anh ta đã buông bỏ những cách phản văn hóa độc quyền của mình (dù sao chỉ một chút). Polyester là một cú sốc một chút, và một chút châm biếm, dẫn đến một trong những bộ phim vui nhộn nhất từng được tạo ra. Với tính năng cào và mịn hoàn toàn tàn bạo (nghĩ rằng bạn sẽ ngửi thấy mùi quả trong rừng? khai thác trong phim và truyền hình trong nhiều thập kỷ. Đây là thành công lớn nhất của Waters, trong việc ghi lại sự lập dị của những trải nghiệm phim ngầm và phô trương mà anh ấy thích, và nó là một bộ phim hài đen tối cho các thời đại.

51. Videodrom

Đây có thể là câu trả lời của David Cronenberg cho thế hệ dán mắt vào đầu thập niên 80: một minh chứng cho những cơn nghiện và tôn sùng phát ra từ bức tranh kính cong và vào tâm trí của những người dễ bị tổn thương. Tất nhiên, Cronenberg đi hết con đường với sự cố định kinh dị cơ thể của mình, khi videodrom giới thiệu tất cả chúng ta về một khía cạnh mới của nỗi đau, tình dục và bệnh tật. Truy xuất các bản chất hưng cảm của một giáo phái và sự tò mò của âm mưu, videodrom hoàn toàn hấp dẫn như một phần của sự tò mò biến thành. Chúng tôi phải trả giá, với thế giới hình ảnh khiêu dâm của Videodrom trở thành những cơn ác mộng mới nhất của chúng tôi. Sống lâu là xác thịt mới, thực sự.

50. E.T. các mặt đất thêm

Chúng tôi biết Steven Spielberg là tình cảm quá mức bây giờ, nhưng đã có lúc chúng tôi vẫn chưa thực sự nhìn thấy khía cạnh tình cảm của anh ấy. Được rồi, vì vậy những cuộc gặp gỡ gần gũi của loại thứ ba là một phần của một tín hiệu, nhưng E.T. Sự ngoài hành tinh là giới thiệu chính thức. Một bộ phim gia đình chỉ tập trung vào những điều cần thiết mà trẻ em sẽ có, E.T. là một trải nghiệm tăng vọt cho tâm trí đang phát triển (nó không có gì lạ khi nó vẫn là một người lớn để cho trẻ em thấy ngay cả). Tôi ước Spielberg hadn đã cố gắng sửa bộ phim theo bất kỳ cách nào, bởi vì anh ấy thực sự đã đánh vàng lần đầu tiên.

49. Bản ballad của Narayama

Làm thế nào chúng ta phải nghĩ về cái chết? Chúng tôi có hoan nghênh nó sớm không? Trong Shohei Imamura, câu chuyện về sự hy sinh nghi lễ, bản ballad của Narayama là cuộc sống của một ngày cuối cùng, và những giờ cuối cùng còn sống. Để bảo tồn khẩu phần trong một ngôi làng nhỏ, bất cứ ai bảy mươi tuổi đều tự tử bằng cách để các yếu tố trên đỉnh núi đều đưa họ đi. Narayama dành một phần thời gian của nó để làm việc theo thực tế này. Phải mất thời gian ngọt ngào của nó, cho phép chúng ta ngâm mình trong sự nghiêm trọng của sự kết thúc này cho một cuộc sống hiệu quả. Nó có một sự đánh giá cao về sự tồn tại của sự tồn tại. & NBSP;

48. Trại de thiaroye

Ousmane Sembène đã hợp tác với Thierno Faty Sow trên mô tả đau khổ này về các hoạt động thực dân trong thời chiến. Nhìn thấy Sembène hoạt động phần lớn cũng là một sự thay đổi mới mẻ về tốc độ, thậm chí xem xét cách anh ta sử dụng toàn bộ chuỗi để phóng to các chi tiết nhỏ hơn của việc sống dưới sự cố chấp. Camp de Thiaroye là một cuộc chiến bùng cháy chậm chạp cho công lý, chỉ để các lễ kỷ niệm diễn ra quá sớm. Sembène không bao giờ mất đi thông điệp của mình, và cho phép phần còn lại của thời gian chạy để đưa chúng ta trở lại trái đất. Phân biệt chủng tộc tồn tại, và không có cách nào dễ dàng để loại bỏ thế giới của những tâm trí đáng ghét.

47. Các không thể chạm tới

Chưa bao giờ Brian de Palma hoạt động một cách đáng yêu như vậy so với sự miêu tả cảm động, được lắp ráp tốt về Eliot Ness và công ty trong những điều không thể chạm tới. Không một lần nào một khoảnh khắc cảm thấy nặng nề hoặc có giá trị sốc, ngay cả khi bộ phim trở nên cáu kỉnh hơn. Nó giống như De Palma quyết định chơi bóng trong thập niên 80 và làm cho loại phim mà những người theo đuổi mùa giải khác được thực hiện (chỉ có một trong những trường hợp tốt hơn). Những nỗ lực để hạ bệ Al Capone có vẻ vô ích, nhưng Ness không bao giờ bỏ cuộc, và toàn bộ những điều không thể chạm tới cảm thấy như một nỗ lực cao cả (một khía cạnh của sự chân thành mà chúng ta gần như không bao giờ nhìn thấy từ De Palma). Nó có một đạo diễn bước ra ngoài vùng thoải mái của họ với kết quả tuyệt vời.

46. ​​L hèAnge

Điện ảnh xung quanh không có đủ sự tôn trọng. Có một câu chuyện đầy đủ về tính năng thử nghiệm của Patrick Bokanowski, L hèAnge? Không thật sự lắm. Tuy nhiên, có một kết nối thanh tao được thực hiện với các chu kỳ lặp, droning và lặp đi lặp lại của bức tranh nặng về mô hình này. Tạo định nghĩa của riêng bạn cho mỗi hình ảnh trên màn hình là những gì sẽ biến L hèAnge độc ​​đáo của riêng bạn; Đối với chúng tôi, đó là sự giải trí của sự đơn điệu của trải nghiệm của con người, và sự thăng thiên thành một thế giới bên kia được tạo ra thông qua sự chết tiệt của cuộc sống trên trái đất. L hèAnge sẽ phân tán tất cả những suy nghĩ của bạn nhiều như nó thu thập chúng, khiến tâm trí của bạn thành một cơn lốc ý thức. Có lẽ không có gì cụ thể xảy ra trong L hèAnge, nhưng điều đó cho phép mọi thứ xảy ra trong đó.

45. Camille Claudel

Điều làm cho công việc sử thi tiểu sử của Bruno Nuytten, rất tốt là sự cống hiến để cho những khoảnh khắc của một cử chỉ cuộc sống nổi tiếng một cách tự nhiên. Nếu bạn biết câu chuyện về việc điêu khắc huyền thoại Camille Claudel, thì bộ phim này là một tác phẩm đồng hành tuyệt vời với một cuộc sống buồn bã đi vào những mấu chốt của một nhân vật xứng đáng tốt hơn. Nếu bạn không biết cô ấy là ai, thì Camille Claudel làm việc rất khéo léo, không bao giờ tiết lộ quá sớm. Chúng ta có được sự thăng thiên duyên dáng của một nghệ sĩ, và sự sụp đổ bi thảm của một linh hồn bị hiểu lầm, bị trục xuất bởi sự ghen tị và từ chối giúp đỡ ai đó bị bệnh tâm thần. Nuytten biến lịch sử thành một sử thi thần thoại của các loại với Camille Claudel: sự công nhận về sự sáng chói của cô mà cô luôn xứng đáng.

44. Điều

Đối với chúng tôi, John Carpenter đã diễn giải lại những người đến đó? là giờ tốt nhất của anh ấy. Vấn đề là nhảm nhí và vui vẻ như các tác phẩm khác của anh ấy, nhưng nó có thêm một Je ne Sais quoi. Có lẽ nó có thêm kết nối cảm xúc với những nhân vật này, bị mắc kẹt ở Nam Cực trong cuộc thám hiểm nghiên cứu của họ. Nó có thể là sự tập trung vào sự sợ hãi trên cảnh tượng, vì ẩn số có khả năng ở mỗi lượt (đặc biệt là một khi bạn thực sự thấy lực lượng ngoài hành tinh này thực sự là gì). Vấn đề là thợ mộc chơi một cách bảo thủ, và đó là một sự thay đổi lớn về tốc độ so với những bộ phim của anh ấy thường đi đầu tiên vào những cách lập dị của họ. Điều này liên quan đến không gian ở giữa sự điên rồ, và vì vậy sự điên rồ phát triển mạnh.

43. Salaam Bombay!

Mira Nair đã dành những năm đầu làm nhà làm phim tạo ra phim tài liệu, để cho thế giới thấy một khía cạnh của nghèo đói và đấu tranh Nam Á. Bước đột phá đầu tiên của cô vào rạp chiếu phim kể chuyện chỉ là mở mắt, nhưng nó cho thấy thế giới sớm về việc cô là một nhà văn tuyệt vời như thế nào. Làm việc cùng với một đối tác thường xuyên cuối cùng (Sooni Taraporevala), Nair đã đến với Salaam Bombay !: Một phim kinh dị xung quanh những thanh niên nghèo hy vọng có một cuộc sống tốt hơn ở Bombay. Bộ phim là theo chu kỳ, mang theo chúng tôi về mặt địa lý và cảm xúc, chỉ để chúng tôi được trồng ngay sau khi chúng tôi bắt đầu. Đó là một lời nhắc nhở rằng tham nhũng không ủng hộ các linh hồn tươi sáng, và cuộc sống liên tục bị cản trở và bỏ bê bởi các hệ thống chùn bước trên toàn thế giới.

42. Quay lại tương lai

Hầu hết các bộ phim văn hóa nhạc pop được duy trì bởi nỗi nhớ, điểm chung, xu hướng và các yếu tố khác không cho bộ phim thực tế trong tay. Sau đó, có trở lại với tương lai: một trong những nỗ lực làm tròn nhất của rạp chiếu phim cho bất kỳ người xem nào. Thật thú vị như nó (và nó thật thú vị), Robert Zemeckis đã đánh vàng với sự diễn giải lại một câu chuyện lãng mạn. Có một đứa trẻ cố gắng cứu lấy mối quan hệ tuổi teen của cha mẹ mình trong khi bị mắc kẹt hàng thập kỷ trước thời gian của mình đã là một tiền đề đủ tốt (điều đó có thể dễ dàng bị lãng phí). Nó tạo ra tiếng cười và sự phấn khích, chắc chắn. Điều thực sự được tính ở đây là các chi tiết nhỏ cảm động xây dựng thế giới. Bạn cảm thấy như bạn là một phần của một cái gì đó đặc biệt. Trở lại tương lai là một bộ phim bom tấn với tuổi thọ, bởi vì Zemeckis không bao giờ quên ưu tiên trái tim hơn thành công đang chờ xử lý.

41. Sự biến mất

Một trong những mea culpas vĩ đại nhất của điện ảnh là khi George Sluizer, năm 1993, phiên bản làm lại của The Vanishing hoàn toàn bỏ lỡ mục đích của bộ phim ban đầu. Lần đầu tiên của anh ấy đi vòng quanh (một bản phát hành của Hà Lan được nói bằng tiếng Hà Lan và tiếng Pháp) là một cái nhìn lạnh lẽo buồn nôn về tâm trí của một kẻ tâm thần, người mà bạn biết về toàn bộ tính năng này. Không có đánh đập xung quanh bụi rậm ở đây. Bạn đang tự hỏi những gì đang xảy ra trong hai phần ba bộ phim, như một kẻ giết người sống, và một người góa vợ tự hỏi những gì thực sự đã xảy ra. Thứ ba cuối cùng là tất cả về sự thao túng tâm lý, và nó là các lễ hội tốt hơn hầu hết các trò chơi cờ vua trong phim. Vào thời điểm nó kết thúc, sự biến mất (tất nhiên là năm 1988) sẽ để bạn ở vị trí của thai nhi, bị bệnh không tin.

40. Người đàn ông voi

Ngay sau khi Eraserhead tan chảy tâm trí, David Lynch là nghệ sĩ mang đến một bộ phim tiểu sử của Joseph Merrick (tên là John John Merrick trong phim). Người voi là người kể lại lịch sử theo kiểu Lynchian thuần túy. Những cơn ác mộng của Merrick, chỉ ra một phần tốt trong thời gian chạy bộ phim. Tuy nhiên, đây là phần giới thiệu đầu tiên về cách kể chuyện thẳng thắn của phim Lynch. Lynch rõ ràng có thể truyền đạt một cuộc sống dịu dàng, nhân văn, điều cần thiết để kể câu chuyện về một linh hồn bị tra tấn như Joseph Merrick. Không trở nên quá an toàn, người đàn ông voi là một bộ phim tiểu sử táo bạo, và là một đặc điểm đầy hứa hẹn của một trong những bộ óc điện ảnh vĩ đại nhất của Mỹ.

39. Veronika Voss

Bộ phim cuối cùng của Rainer Werner Fassbinder, được phát hành trong khi anh còn sống là sự tôn kính đen trắng đối với bộ phim của năm qua. Veronika Voss là một bộ phim độc đáo được quay với rất nhiều độ sáng và bộ ánh sáng và trang phục, như để rửa sạch toàn bộ bộ phim và giới thiệu nữ diễn viên chính như một nhân vật hay ma thiên thần. Voss bị thế giới còi cọc xung quanh cô, bao gồm cả những người giả vờ chăm sóc. Fassbinder thường làm việc một cách dã man, nhưng có một chút yếu tố hối hận trong Veronika Voss giúp che chở cho nhân vật này khỏi sự hủy diệt hoàn toàn đại diện. Là một cơn sốt thực sự cuối cùng của một auteur vẫn còn, Veronika Voss là một tiếng nói cuối cùng mỉa mai trên phương tiện, thậm chí còn tốt trước khi Fassbinder biết đây sẽ là cơ hội cuối cùng của anh ấy để giới thiệu tình yêu điện ảnh của anh ấy. & NBSP;

38. Totoro hàng xóm của tôi

Khác xa với tác phẩm đầu tiên của mình, Hayao Miyazaki vẫn được đưa lên bản đồ với hàng xóm Totoro của tôi: Đại lộ cho trẻ em đối phó với những khó khăn. Thực tế là Totoro và những người bạn huyền bí khác của anh ta (người có thể quên xe buýt mèo?) Hầu như không có trong bộ phim này nói lên điều gì đó: họ là một phần của chúng ta cũng như chúng là những đứa trẻ chính đối phó với bệnh mẹ của họ. Trong thực tế, hàng xóm của tôi, Totoro là cách tiếp cận ngọt ngào để phân tích anh chị em phải thay đổi, bao gồm một ngôi nhà mới, cha của họ phải chịu nhiều trách nhiệm hơn và mẹ của họ được chăm sóc khỏi họ. Tuy nhiên, cho dù đó là mấu chốt thực sự của câu chuyện, hay những khoảnh khắc đơn thuần mà chúng ta bị cuốn vào một xứ sở thần tiên mới, Miyazaki đã chứng minh sự hiểu biết đầy đủ của mình về phương tiện điện ảnh với tính năng đột phá sớm này.

37. Kiss of the Spider Woman

Kiss of the Spider Woman is an overwhelming blend of societal commentaries and narrative structures. A prison drama featuring a radical rebel and the stories told by his openly homosexual inmate — who also acts as a sexual discovery for the former — is only a part of the tale. There’s also the retelling of a problematic film (a piece of Nazi propaganda) meant to make time go by, which eventually becomes the crafting of a whole new narrative. The inner prison politics that skew real life also come into play, adding yet another thrilling element that contributes to the messiness of this isolated life. Kiss of the Spider Woman is simple on paper, but it actually performs many narrative balancing acts that will astonish you.

36. Withnail and I

Sometimes, it’s good to put on something brainless. Withnail and I is one of the great mindless films of all time, because there is still so much thought put into it. Almost every line is a nugget of gold (is it so simple to pick just one favourite?). This venture into the countryside following two delinquents is an absolute riot, especially during their more moronic moments (which can mean anything, given their permanently loaded states). All is wrapped up nicely with glimpses of promise, including Withnail’s monologue to himself, proving that there is some talent there buried underneath inebriated permanence. Many stoner and party films have tried to replicate the hilarity and effortlessness of Withnail and I, and none have come even remotely close.

35. The Sacrifice

The final film Andrei Tarkovsky ever created was the visual art piece the world demanded; his pairing with cinematographer legend Sven Nykvist results in two and a half hours of visual perfection. Then, there’s the heartbreaking premise of a family man whose acts of desperation lead to considerable insanity, all in the name of protecting his loved ones from impending doom. The Sacrifice is so invested in the moments of silence in between, you will be brought to a new mindset, and lulled into a state of meditation. When it wants to bring you reality, The Sacrifice doesn’t hold back, as it unleashes the cries and panics of people afraid of death.

34. Love Streams

American director/actor staple John Cassavetes was ill during his second last feature Love Streams, so — to him — it was his last chance to treat the world to his idiosyncratic form of storytelling. What we got is a downward spiral of an alcoholic (played by Cassavetes) and the woes of his sister (played by his real wife Gena Rowlands): loving embraces without the romance (Cassavetes was clearly aware the end was near, and wanted to be with Rowlands in any capacity one last time on screen). All things considered, Love Streams is a saddening look at adults who lost their way, and have collided into one another aimlessly, in search of aspirations within each other. It’s a portrayal of hopelessness only Cassavetes could tell so lovingly.

33. The Green Ray

At first, Éric Rohmer’s The Green Ray is a strolling quest for love that just seems absolutely pointless, considering all of the failed attempts throughout. Then, it happens: the moment of the actual green ray (the split-second phenomenon where the setting sun appears green if you gaze closely enough). Rohmer preserves this and Delphine’s search for a soul mate in the confinement of the perfect cinematic moment, transforming the rest of The Green Ray into the patient waiting for the sun to set at the end of a tumultuous day. This is Rohmer at his finest, as he pulls off the fleeting experience of falling in love and experiencing a natural sensation all at the exact same time.

32. Fitzcarraldo

Not many directors frame settings and productions as exquisitely as Werner Herzog, who turned the mission to pull a steamboat over a mountain and through a landscape into an epic. The opening is built upon the exposing of Carlos Fizcarrald’s egotism, so the lengthy test to drag this boat is not for nothing; we understand why we’re still here. Then, Herzog frames this journey so incredibly well, as if we are actually there, wondering if the boat will collapse or cave in, or if there will be any casualties. Herzog is magnificently efficient at turning a plot point into an unforgettable spectacle (even outside of his documentaries), and Fitzcarraldo is such an example of this ability.

31. The Right Stuff

In order for a year-best epic to continue to matter in the grand scheme of legacy, a film has to have — pun intended — the “right stuff”. This mission to space is already so fascinating, with phenomenal editing and sound crafting here to draw you in the entire time. Then, there’s the extra mile (which I always like) of keeping up with a pilot who wasn’t a part of Project Mercury, forever making us wonder about the “what if?” about the lengthy process to find the team meant to go to space (did they actually get all of the very best pilots for this mission?). The Right Stuff is capability versus fate, talent versus legacy, and truth versus written truth. It’s a different side of the conventional epic that I wish would be explored more often.

30. Paris, Texas

Được biết đến với những bộ phim đường bộ của mình, Wim Wender đã có một chút cách tiếp cận khác (một đường vòng, nếu bạn muốn) với tác phẩm kinh điển vĩnh cửu Paris, Texas: The Tale of a Cá nhân đã sẵn sàng để hòa giải. Thông thường, chúng tôi chờ đợi Travis nói, chỉ vì những phần sau của bộ phim không thể ngăn anh ta đổ hết lòng. Chúng tôi không đi đến đâu, nhưng sau đó được định sẵn để thực hiện chuyến đi cần thiết để sửa chữa lương tâm. Tất cả điều này dẫn đến một cuộc đối đầu siêu thực trông không giống với phần còn lại của bộ phim: một cuộc độc thoại được ngụy trang như một cuộc trò chuyện, điều đó chắc chắn sẽ khiến bạn khóc. Paris, Texas là một tour du lịch trong một bản thân một bộ phim du lịch theo nghĩa đen, và cảnh quan đại diện tốt hơn cho tình trạng của một tinh thần bị tổn thương đau đớn cho lòng thương xót.

29. Bí mật của Nimh

Sự cấp bách của thời kỳ Phục hưng Disney có thể đến từ việc sinh sản các tính năng hoạt hình tuyệt vời của thập niên 80. Cựu họa sĩ hoạt hình Disney Don Bluth không bao giờ tốt hơn bước đột phá đầu tiên của anh ấy vào không gian làm việc của chính mình với Bí mật của Nimh: một bức tranh gia đình được kết cấu tinh tế trong các chủ đề trưởng thành của nó, tạo ra một cuộc trò chuyện thực sự vẫn không thể rũ bỏ. Với việc phát hiện ra rằng bà Brisby nhỏ bé bị buộc phải tiêu hóa, Nimh đi từ một câu chuyện ngụ ngôn tò mò vào một tuyên bố có ảnh hưởng về loài người liên quan đến thế giới tự nhiên. Không có nhiều bộ phim gia đình hoạt hình sẵn sàng vận hành tối tăm này (hoặc không đi ra khỏi đường ray). Bí mật của NIMH là một tuyên bố mở đầu tuyệt vời của Bluth: anh ta buồn bã không bao giờ đến từ xa để đạt được đỉnh cao này nữa.

28. Kẻ trộm ngựa

Sự xa xỉ của thời đại thông tin kỹ thuật số là chúng ta không còn phải chờ đợi nhiều năm để các bộ phim mới đến các quốc gia khác, và ngày càng có nhiều đá quý ẩn được phát hiện. Kẻ trộm ngựa là loại công việc mà chúng ta có thể đánh giá cao một cách an toàn như một bộ phim của thập niên 80, mặc dù không thể tiếp cận với người Bắc Mỹ cho đến những năm 90. Sau khi theo dõi, tên trộm ngựa có tác dụng thay đổi hoàn toàn bạn, ngay cả khi chỉ trong phần còn lại của ngày. Như thể một người đang đến Nirvana, tên trộm ngựa ngăn cách các cảm giác tâm linh khác nhau thành một thời gian chạy ngắn gọn, với linh hồn thẩm mỹ của nó tràn vào mỗi khung hình bổ sung từ một khung hình trước đó. Chúng tôi may mắn khi xem một opus không đúng chỗ như tên trộm ngựa sau nhiều thập kỷ sau đó, và cho phép nó ảnh hưởng đến chúng tôi bây giờ.

27. Amadeus & nbsp;

Được rồi, vì vậy bộ phim lịch sử này về Wolfgang Amadeus Mozart khá bịa đặt, nhưng không ai tranh chấp điều đó. Không. Tất cả những gì quan trọng là Amadeus là một bộ phim giật gân (và nó thực sự là như vậy); Nó có tính năng mạnh nhất của Milo Miloš Forman, một cách dễ dàng. Biến sự cạnh tranh giữa Mozart và Antonio Salieri thành một dòng ghen tuông đáng lo ngại từ cái sau là đủ hấp dẫn; Có Salieri đóng vai một phần của Thiên thần tử thần cho Mozart, giờ cuối cùng còn sống là hết sức đáng kinh ngạc. Sau đó, có hồi ức của Sal Salieri về những con quỷ này trong The Present Present, yêu cầu tha thứ cho cái chết của nhà soạn nhạc vĩ đại nhất. Amadeus xoay quanh bệnh tật được tìm thấy trong cuộc thi, nhưng bản thân Mozart là một con trâu với tài năng tự nhiên là cách tôn vinh bộ óc nghệ thuật hoàn toàn; Bóng tối có thể tối tăm mà không cần ánh sáng để chống lại nó.

26. Ai đóng khung thỏ Roger

Càng nhiều thời gian trôi qua, thiên tài càng nhiều người đóng khung Roger Rabbit vươn lên dẫn đầu. Đầu tiên, như một thành tựu kỹ thuật, Roger Rabbit không có đối thủ với sự pha trộn của hoạt hình và hành động trực tiếp, thông qua việc thực hiện (cụm từ đã va chạm với đèn LAMP tồn tại vì một lý do) hoặc thông qua sự sáng tạo. Sau đó, có sự hợp nhất của Neo Noir và phim hoạt hình, vì vậy chúng tôi có được một bộ phim hoạt hình cực kỳ hoài nghi và một bí ẩn ngớ ngẩn hơn. Các khía cạnh âm dương của Roger Rabbit rất miễn phí, và điều đó không làm tổn thương rằng bộ phim là bộ phim tuyệt vời để khởi động. Khi nó đi xa hơn, điều hiển nhiên là nó Robert Robert Zemeckis, Opus (đặc biệt là vì nó đại diện cho sở trường của anh ấy để kể chuyện và năng lực kỹ thuật trong điện ảnh).

25. Tampopo

Có lẽ chưa bao giờ có một bộ phim về thực phẩm tốt như Tampopo. Được mô tả là một người Ramen Western, bởi đạo diễn Juzo Itami, Tampopo là một phần của Spaghetti Western Satire (theo những cách rất, rất lỏng lẻo) và một phần các họa tiết dựa trên thực phẩm đến mức lố bịch. Ở đâu đó sâu thẳm là một bài học sâu sắc về cuộc sống, bao gồm sự kiên nhẫn, tiêm linh hồn vào một nghề thủ công và những thông điệp nâng cao đáng yêu khác. Trên đầu là một ảnh ghép gây đói của thực phẩm, nấu ăn và theo đuổi bữa ăn hoàn hảo. Chắc chắn, thực phẩm đã được bắn tốt trước đó. Ở Tampopo, thực phẩm là ngôi sao chính, và tất cả các bức tường thứ tư, cutaways và kỳ lạ là thứ yếu trong việc tôn thờ trải nghiệm ăn uống. & NBSP;

24. Sở hữu

Chưa bao giờ hyper-melodrama là hoàn hảo này. Andrzej źuławski muốn tái tạo lại tác động của việc ly hôn trong sở hữu đầu tay tiếng Anh của anh ta, và anh ta chắc chắn đã thực hiện lời hứa của mình. Bắt đầu với một bộ phim truyền hình gia đình hưng cảm, sở hữu cảm thấy hơi xa vời, nhưng nó có thể là do những cách quá phóng đại của nó. Một khi nó lao vào trở thành một nỗi kinh hoàng đầy đủ về cơ thể (và nó thực sự không giữ lại điều này [xem chuỗi tàu điện ngầm]), bạn sẽ hoàn toàn biết cảm giác của źuławski về việc ly hôn của mình như thế nào. Sở hữu là một cách ghê tởm một cách ghê tởm, và nó gây nghiện. Tai nạn xe hơi xảy ra mà không có lý do. La hét là phương ngữ địa phương. Máu là xa chất lỏng cơ thể tồi tệ nhất để tràn. Sở hữu là điên rồ và thực sự bị bệnh. Sự dư thừa chưa bao giờ là sự phấn khích này. & NBSP;

23. Thổi ra

Thông thường, Brian de Palma làm quá nhiều, và làm nghẹt những bức ảnh của anh ta (ngay cả khi anh ta có ý nghĩa tốt). Với Blow out, anh ta đã có ba sự tôn kính trong tâm trí: quá trình làm phim, một điểm cốt truyện trong Michaelangelo Antonioni, Blowup, và các tác phẩm của Alfred Hitchcock. Ba khái niệm được chưng cất thành một pha chế là một kết quả cuối cùng chết tiệt: một câu chuyện thám tử thôi miên sử dụng thiết bị điện ảnh để ghép lại một vụ giết người có thể. Thông thường, Vua của Schlock từ phong trào Hollywood mới, không một lưu ý nào trong De Palma Opus này cảm thấy chua chát. Kết nối việc xây dựng nghệ thuật với việc mổ xẻ cái ác, thổi ra là quá trình nhận được hoàn toàn đắm chìm trong một nghệ thuật và hoàn toàn nghiện một thế giới nguy hiểm.

22. sau giờ After Hours

Làm thế nào trên trái đất này cuối cùng trở thành bộ phim bị đánh giá thấp nhất của Martin Scorsese? Đối với tôi, đây dễ dàng là một trong những trải nghiệm lớn nhất của anh ấy; Nó cũng kỳ lạ vô cùng độc đáo trong phim ảnh của mình. Tất cả Paul Hackett muốn làm sau một buổi tối đi hẹn hò về phía nam là về nhà, nhưng anh ta bị cuốn vào một cơn lốc ngu ngốc mà chỉ xấu đi khi thời gian trôi qua. Việc dệt tường thuật sẽ rời khỏi miệng của bạn, có lẽ không nhiều như cao trào vô cùng bonkers. Đối với một bộ phim mà rất đơn giản về mặt ngu ngốc, sau nhiều giờ vẫn được tạo ra một cách thuần thục, và dễ dàng là một trong những bộ phim hài hước nhất thập niên 80. Xin đừng làm cho mình một sự bất đồng. Sau giờ làm việc là phải xem, và các khoản phí của nó sẽ đến một ngày nào đó.

21. Truyền thuyết về Pháo đài Suram

Sergei Parajanov hoàn toàn bị lạm dụng, khi anh ta bị đóng khung vì tội ác mà anh ta đã phạm phải và bị giam cầm vì sự khám phá của mình với đồng tính luyến ái. Với sự giúp đỡ của nam diễn viên Dodo Abashidze, Parajanov đã hoàn thành bộ phim đầu tiên sau mười lăm năm. Truyền thuyết về Pháo đài Suram tiếp tục ở nơi màu sắc của những quả lựu dám mạo hiểm, với sự tiến bộ của điện ảnh như một loạt các Tableaus sống. Thay vì biểu tượng của lựu, pháo đài Suram thưởng thức đối xứng tự nhiên, trong khi vẫn duy trì các tiền cảnh được đặt cẩn thận vẫn còn đóng băng thời gian. Parajanov không mất một ounce tài năng trong thời gian xa cách, nhưng ảnh hưởng của anh ta trong việc thay đổi điện ảnh mãi mãi bị kìm hãm. & NBSP;

20. Điện ảnh Paradiso

Có tất cả những bộ phim đều có thể yêu thích, và sau đó có những bộ phim cho cinephiles. Mặc dù Cinema Paradiso là một người thích thú với đám đông, nhưng nó có phải là một cống phẩm lớn đối với những người trong chúng ta không thể sống mà không có phim. Diễn ra trong một ngôi làng Ý có chứa một nhà chiếu phim trong nhiều thập kỷ, Điện ảnh Paradiso là tuổi thọ của bộ phim như một phương tiện, nhưng sự tuyệt chủng cuối cùng của những kỷ niệm đẹp. Một đứa trẻ tinh nghịch tìm thấy sự an ủi trong phòng chiếu ở Ý nặng nề lớn lên trở thành một đạo diễn nổi tiếng, người đã yêu thương và mất mát. Trở lại một thế giới bị bỏ hoang cần bảo tồn là một phần của Điện ảnh Đam mê Paradiso ban cho chúng ta. Nhìn thấy những mảnh vỡ của lịch sử truyền tải toàn bộ cuộc sống của anh ấy (như một món quà từ người yêu phim này sang người yêu khác) là một trong những khoảnh khắc áp đảo nhất của điện ảnh.

19. L hèArgent

Vào lúc hơn tám mươi tuổi, Robert Bresson đã kết thúc bộ phim ngắn gọn của mình với một sự thi vị về lòng tham và những hiệu ứng gợn sóng của sự ích kỷ. L hèArgent cảm thấy như hiệu ứng domino của tham nhũng mà chỉ có một tâm trí am hiểu nghệ thuật như Bresson có thể gợi lên. Để xem bao nhiêu sự hủy diệt có thể được gây ra bởi một quyết định dựa trên tiền là gần như khó khăn. Một tiếng rưỡi (ít hơn, thực sự) cảm thấy như một sự vĩnh cửu. Sự cần thiết của con người đối với tiền là một thực tế tê liệt mà đáng buồn có thể không bao giờ biến mất. Trong ít từ nhất có thể, Bresson Coasts thông qua sự hợm hĩnh và may mắn, và các tầng lớp nghèo hơn trong nhu cầu giúp đỡ. Đối với đặc quyền, tiền là gốc rễ của mọi tội lỗi, và L hèArgent hành động giống như mười điều răn của việc không rơi vào câu thần chú của nó.

18. Hannah và các chị gái của cô ấy

Đối với chúng tôi, Hannah và các chị gái của cô ấy là Woody Allen đứng đầu trò chơi của anh ấy, khi anh ấy tung hứng ba câu chuyện, ba Lễ Tạ ơn và ba chị em trong bộ phim này cho các thời đại. Hầu hết các chủ đề tường thuật bị rối bởi ham muốn, dối trá và cô đơn. Sau đó, có một cuộc khủng hoảng hiện sinh được tạo ra bởi nỗi sợ tử vong do một căn bệnh ung thư có thể, chỉ để được chứng minh là khỏe mạnh (và dù sao cũng đang chờ đợi cái chết). Lễ Tạ ơn là thời gian gắn kết giữa các thành viên trong gia đình, và là lần mà những người thân yêu có thể gặp nhau cả năm. Ở Hannah và các chị gái của cô ấy, đó là thời điểm thích hợp cho vụ va chạm. Lễ tạ ơn đầu tiên là nhận ra tai họa. Thứ hai là sự tàn phá. Trận chung kết được sinh ra từ sự tha thứ, và hứa hẹn cho tương lai; Ai biết được nếu Lễ Tạ ơn tiếp theo sẽ mang lại niềm vui hoặc nỗi buồn.

17. Con ruồi

Nó rất hiếm đối với một bộ phim kinh dị (và tôi có nghĩa là đầy đủ về những bộ phim kinh dị; bạn có thể nhầm lẫn tác phẩm này là bất cứ điều gì khác) thật đẹp và cảm động. David Cronenberg, Opus the Fly thực sự là một tiếng khóc xứng đáng, vì sự suy giảm của một cơ thể là sự mất mát của một người thân yêu (thậm chí xem xét những nguy hiểm mà họ gây ra). Cronenberg đã đưa câu chuyện gốc của George Langelaan, và đã biến câu chuyện này thành một phép ẩn dụ về cuộc khủng hoảng AIDS đã thu hút sự chú ý vào thời điểm này. Với suy nghĩ này, Cronenberg đảm bảo tạo ra sự cảm thông trong một bộ phim có thể dễ dàng bị sốc thuần túy (nó vẫn còn đáng sợ, hãy trung thực). Dù bằng cách nào, cuộc hôn nhân kỳ diệu này giữa sự sợ hãi và sự đồng cảm vẫn là một tác phẩm kinh điển kinh dị, và một ví dụ đáng kinh ngạc trong đó thể loại này thực sự được nhân hóa. & NBSP;

16. DAS Boot

Boot Das Wolfgang Petersen, chiến tranh DAS là một hiện tượng ngay lập tức, đặc biệt là khi nó nhảy ngay vào câu chuyện của U-Boat khá nhanh trong thời gian chạy Titanic của nó. Trong một thời gian dài, bạn đã bị mắc kẹt trên tàu với tất cả các thành viên phi hành đoàn, chờ đợi để xem điều gì sẽ xảy ra hoặc tự hỏi làm thế nào mọi người sẽ quản lý để trốn thoát. DAS Boot là một thử nghiệm về độ bền, và không có một khoảnh khắc cảm thấy lãng phí (trong bất kỳ vết cắt khác nhau nào). Cuối cùng, có một tia hy vọng, biến thành một dấu hiệu chiến thắng. Tại thời điểm này, Das Boot biến đổi từ một bộ phim hấp dẫn thành một bộ phim khó quên, khi Petersen và công ty sử dụng khoảnh khắc hoàn hảo để tái tạo sự khó lường thực sự của chiến tranh và cú sốc của một cuộc tấn công chưa từng có.

15. Hoàng đế cuối cùng

Cho đến ngày nay, tôi choáng váng rằng Học viện đã dám trao giải cho Bernardo Bertolucci, bức tranh đẹp nhất của Hoàng đế cuối cùng, đặc biệt là xem xét lấy cảm hứng từ Arthouse như thế nào (và Học viện đã an toàn đến mức nào trong những năm 80). Bộ phim tiểu sử đa thế hệ này của Puyi - hoàng đế cuối cùng của Trung Quốc - nhảy từ thành phố bị cấm đến Cộng hòa Nhân dân Trung Quốc, vì các vùng khí hậu chính trị khác nhau được tìm thấy trong Trung Quốc đụng độ với nhau. Để xem có bao nhiêu sự thay đổi lịch sử có thể xảy ra trong một khoảng thời gian ngắn như vậy là một trải nghiệm ngoạn mục mà Bertolucci nắm bắt hoàn hảo với sự hợp nhất điện ảnh của các nền văn hóa (khán giả Mỹ, lịch sử Trung Quốc và nhà văn châu Âu). Nó vẫn là một công việc được đánh giá thấp của Bertolucci, và trong Giải thưởng Học viện Canon. & NBSP;

14. Mishima: Một cuộc sống trong bốn chương

Viết của Paul Schrader, cho các nhà làm phim khác thường vượt qua những nỗ lực đạo diễn của mình, ngoài một vài lần (Cải cách đầu tiên là một ví dụ mạnh mẽ). Tuy nhiên, anh ta chưa bao giờ tốt hơn so với bộ phim tiểu sử dứt khoát hàng thập kỷ: một cuộc sống trong bốn chương (vượt qua phần lớn các bộ phim tiểu sử trong một kỷ nguyên được nhồi nhét với chúng). Pha trộn việc viết của Yukio Mishima với câu chuyện cuộc đời của mình, chúng tôi đã đưa ra một cách tiếp cận hiện đại cho cuộc sống của một biểu tượng sáng tạo cố gắng tạo ra những thay đổi chính trị và sáng tạo trong xã hội. Được ghép lại với nhau bởi sự sáng chói của Philip Glass, một lần trong đời, Mishima là một loạt các tiết lộ liên tục. Sự phân mảnh của một câu chuyện cuộc sống gắn kết này, đã tạo ra và kết hợp với nhau như một bức tranh khảm siêu hình là Paul Schrader, đăng lên thành tích của một nghệ sĩ; Với sự giúp đỡ của Anh Leonard Schrader, cả hai lực lượng viết lách đã tạo ra một lễ kỷ niệm di sản vĩnh cửu.

13. Hãy đến và xem

Elem Klimov, Cult Classic Come and See đã thấy một sự nổi tiếng gần đây, ban đầu là vì sự khó chịu của bộ phim (nó không được tìm thấy trong tình trạng tốt). Nó chắc chắn sẽ thu hút được một khán giả thậm chí còn rộng hơn với bộ sưu tập tiêu chí phát hành gần đây về kinh dị chiến tranh rất thèm muốn. Chưa bao giờ có một màn trình diễn trẻ phù hợp với Aleksei Kravchenko, người về cơ bản đã rời khỏi doanh nghiệp (phần lớn) sau cơn ác mộng điện ảnh này. Hầu hết các bộ phim không đến bất cứ nơi nào gần với sự tuyệt vọng đến và xem phóng ra khỏi màn hình. Hãy đến và xem là một thử thách về sức mạnh cảm xúc trong một bộ phim, và trước đó, trước trận chung kết tan vỡ linh hồn, nơi mà sự dẫn dắt bị chấn thương phải tự hỏi mình nếu mất bất kỳ cuộc sống nào - ngay cả những con quái vật - chỉ là về mặt đạo đức. Tôi không biết liệu bất kỳ bộ phim nào có thể phá hoại cảm xúc như đến và xem ngay cả khi họ cố gắng.

12. Women on the Verge of a Nervous Breakdown

The future of cinema could be found in Pedro Almodóvar’s breakthrough dark comedy Women on the Verge of a Nervous Breakdown (or, as I like to call it, “How Many Things Can Go Wrong In A Day?”). Almodóvar toys with plot elements that are both relevant and arbitrary, turning each into additional worries to the point of hyperbole (and, for us, hysteria). When Women vows to get clever, we’re granted an exposé of the bizarreness of people being drawn to crisis, and their frantic attempts to get away from it. Never overly pessimistic, Women on the Verge of a Nervous Breakdown is a light take on drama that only someone like Almodóvar could pull off (and he proved this very early on in his career). 

11. Once Upon a Time in America

If you ever want to know the detriment that film as a business delivers film as an art, look no further than Sergio Leone’s swan song Once Upon a Time in America. A four hour gangster epic that was cut to less than half that length (and presented in chronological order) for American consumption, this film was absolutely disemboweled by the fear of the box office. Leone swore to never make a film again, and he sadly kept that promise. With the access of any version at our disposal, the lightyears-better definitive cut is a collage of memories, current guilts, and prophecies of a murky future induced by opium. This tapestry of crime during various turning points of twentieth century America is one of the genre’s most touching portraits of evil personified, but the greatest sin was the industry that suffocated the art piece that the genre — and the world — deserved to adore.

10. Berlin Alexanderplatz

During the seventies and eighties, a few auteurs were interested in the opportunities that television could serve as a cinematic tool. Ingmar Bergman. Krzysztof Kieślowski. Then, there was Rainer Werner Fassbinder, who tip-toed between the idea of a miniseries and a film the most with Berlin Alexanderplatz. You get sucked into this story of redemption, as it carries on episode by episode. You see failures, and honest attempts that place us right back in an optimistic position. Then, the two hour epilogue begins, and it completely deviates away from everything we have previously known. Twenties Berlin now has The Velvet Underground playing. The locations we once knew are clad with lit candles. This realistic story is now a metaphor for hell, and Fassbinder’s representation of the place of eternal suffering is possibly cinema’s most horrifying we’ve ever seen. Thirteen hours (out of fifteen) lead up to two hours of comeuppance, and it’s as disturbing as it is exquisite art. 

9. Blade Runner

After Alien, it seemed like Ridley Scott was on top of the science fiction world. This naturally resulted in the game changing neo-noir Blade Runner: the archetypical film for anyone that wants to refer to the style. As a piece of philosophical cinema, Blade Runner examines the concept of freedom, and the torture of being able to feel. As entertainment, it is as much of a technical achievement as it is an exciting rush. Toss in an ambiguous twist about existence, and you’ve got a thought provoking thriller that will stick with you forever. We’ve now passed the time that Blade Runner tried to predict (2019); we might not have the replicants and same architecture, but we’re just as corporately controlled and intellectually imprisoned as this classic foretold.

8. Fanny and Alexander

By now, Ingmar Bergman was quite comfortable working through television (Scenes From a Marriage was a huge success). Forty-something years into his career, he couldn’t shake off his personal demons that he almost always tried to channel through his films. He had to face them as upfront as possible. His final masterpiece is Fanny and Alexander: an over five hour exploration of his own dilemmas between his childhood, his relationship with religion and/or atheism, and his Swedish heritage (that only television could allow). An hour is devoted to festivities. The rest is pure depression. Seen through the eyes of a hurting child (the titular Alexander), this domestic epic eventually gets into imaginative territory, with the creativity of a child used as an escape. Featuring perhaps the most harrowing twist in all of cinema, Fanny and Alexander is the ambition to overcome the damage of one’s soul without forgetting that memories may haunt forever.

7. Do the Right Thing

Over twenty years later, Spike Lee’s greatest film is still being debated; as art, and as a social commentary. Do the Right Thing is purposefully open to interpretation (to some degrees, let’s be honest), as it is aware that no thing is the right thing when corruption has gotten this out of hand (the “right” thing is subjective at these points of desperation). Taking place in a city block during the hottest days of the year, Do the Right Thing is the boiling pot of tempers, insensitivities, and personal vendettas, only encourage by the same issues of one’s neighbours. Lee offers us a portrait of civilization driven to the brink of bursting, and allows us to figure out our own responses. Nothing can fix systemic corrosion of this extent. A new path must be paved, either with love or hate.

6. Brazil

Tôi thừa nhận rằng Terry Gilliam là một bộ óc điện ảnh tươi sáng với những ý tưởng tuyệt vời, nhưng anh ta chưa bao giờ đến gần từ xa để tái tạo thiên tài châm biếm của Brazil. Yêu thích của tôi đối với George Orwell, 1984 về bất kỳ khả năng nào, Brazil là sự điên rồ của tội phạm suy nghĩ thuần túy. Một tương lai lộn xộn mà không có vẻ như quá xa, diorama công ty này được thúc đẩy bởi thuế và tín dụng cá nhân là một tình trạng đáng buồn (mặc dù thế giới của chúng ta là bao xa?). Khi những giấc mơ của Sam Lowry, bắt đầu đan xen với thói quen hàng ngày của mình, bạn biết rằng anh ấy đang bày tỏ suy nghĩ của mình hơi quá cởi mở. Chúng tôi chịu được toàn bộ sự suy sụp tâm lý của anh ấy, và chúng tôi có một điểm đột phá của mê sảng. Theo độ phân giải kick-to-the-gut, chúng tôi tự hỏi bao nhiêu Brazil thực sự là có thật, và dòng bị mờ đi đến mức nhầm lẫn không thể xác định được. Như một trò đùa và một dấu hiệu cảnh báo, Brazil là kiệt tác không thể chối cãi của Gilliam.

5. Velvet màu xanh

Trong sự trỗi dậy của hình ảnh trường trung học John Hughes, David Lynch đã bị hút vào cỗ máy công nghiệp. Anh ấy đã tạo ra Dune, một người chỉ hối tiếc. Đã đến lúc anh ấy quay số lại mọi thứ, và khám phá lý do tại sao anh ấy muốn làm nghệ thuật điện ảnh ngay từ đầu. Anh ấy đã theo dõi gaffe của mình với Blue Velvet: sự cống nạp (và tháo dỡ) về trải nghiệm của trường trung học thập niên 80 (giống như những gì Hughes đang làm). Trao một bộ phim truyền hình sắp đến tuổi thành một nỗi kinh hoàng tâm lý mới khiêu dâm, Lynch tạo ra trải nghiệm tuổi teen vào sự mặc khải về những phẩm chất đen tối nhất của cuộc sống. Thật khó chịu khi nó khó chịu, Blue Velvet cam kết phơi bày tất cả những điều kỳ lạ của cuộc sống (giữa sự ngớ ngẩn của tuổi teen và những người tôn sùng không phù hợp). Khi Blue Velvet được nâng lên đến mức độ đẹp của vẻ đẹp, thì đó là khi bạn biết Lynch đã làm điều đó. Anh ấy đã nắm bắt mọi cảm xúc dưới ánh mặt trời trong một mảnh siêu việt về danh tính mà chúng tôi chọn để yêu cầu (và những người bị người bệnh đưa ra từ chúng tôi).

4. Dekalog

Để đưa mười điều răn đến một thời đại mới, Krzysztof Kieślowski đã tạo ra Dekalog: một cam kết mười giờ để tái hiện các giá trị Kitô giáo này. Mỗi giờ được dành cho một điều răn khác nhau, nhưng chúng được làm lại để phù hợp với các chủ đề hiện tại hoặc bị thách thức bởi các câu hỏi triết học. Thay vì một vị thần giả, một máy tính cá nhân được sử dụng. Một vụ giết người được trả lời với một thỏa thuận có thể về việc tiến hành án tử hình. Trong mỗi mười phân khúc, Kieślowski kích động một phản ứng từ cơ quan lập pháp Kinh Thánh này mà nhiều người biết đến. Có rất nhiều nghị quyết. Chỉ quan sát. Một người giám sát - có lẽ là Thiên Chúa, một thiên thần hoặc chúng ta trong bối cảnh này - có thể được phát hiện trong hầu hết các phần riêng biệt của Dekalog, chứng minh lập trường người ngoài cuộc của chúng ta về mười tình huống khó xử này. Bất kể sự thiếu liên quan của chúng tôi là gì, Dekalog sẽ làm bạn kinh ngạc mỗi giờ, chứng minh chuyên môn của Kieślowski về tâm hồn con người.

3. Chạy

Akira Kurosawa đã có một cuộc sống, thậm chí ngoại trừ bộ phim dứt khoát của mình. Sau nhiều năm đấu tranh trong sự nghiệp và những thử thách cá nhân của chính mình, anh trở lại vào những năm 80 với một cặp sử thi. Phần sau của hai bộ phim này, Ran, là một đỉnh cao của tất cả mọi thứ mà Kurosawa đã trải qua trong cuộc sống cho đến thời điểm đó: chuyên môn làm phim, khó khăn và nghệ thuật đam mê. Ran isn chỉ tốt. Nó là một trong những chiến thắng vĩ đại nhất của Kurosawa (hãy xem công việc của anh ấy, và bạn sẽ thấy chính xác điều đó có nghĩa là gì). Có thể cho rằng một trong những nỗ lực trực tiếp tốt nhất của rạp chiếu phim và sự chuyển thể lớn nhất trong các tác phẩm của William Shakespeare, Ran là sự sáng suốt thuần túy. Sự tàn phá của một vị vua bị chống lại ngày càng mệt mỏi, sự hỗn loạn gây ra bởi những người con trai bị hỏng muốn thống trị hoàn toàn, và sự hy sinh của một đứa trẻ thực sự yêu cha mẹ vì những lý do chính đáng. Ran là sự hủy diệt hoàn toàn theo mọi nghĩa, và một kiệt tác cuối cùng của một huyền thoại, người được cho là không bao giờ tốt hơn.

2. Đôi cánh của ham muốn

Wim Wender dường như mệt mỏi với bộ phim đường bộ mà anh ta tiếp tục dùng đến (hoặc ít nhất là anh ta muốn khám phá phong cách này một cách toàn diện). Anh ta vẫn muốn có nhiều địa điểm, nhưng phải có ít uốn khúc hoặc mục đích cá nhân hơn để được phục vụ. Vì vậy, câu trả lời của anh là Wings of Desire: bộ phim vĩ đại nhất về các thiên thần từng được tạo ra. Các thiên thần của người bảo vệ theo dõi những người phàm trần (và điều này được chụp bằng một số chất lỏng, chảo camera cao vút và zoom). Chúng tôi đến thăm những ngôi nhà, nơi làm việc và đi lại của nhiều linh hồn, bao gồm Fictitious và Real (Peter Falk và Nick Cave và The Bad Seeds). Một thiên thần hộ mệnh yêu một người biểu diễn xiếc, và muốn mất cuộc sống vĩnh cửu của mình để trở thành một người phàm trần và trải nghiệm cuộc sống với cô. Tại thời điểm này, việc đưa đôi cánh của ham muốn từ một cuộc thám hiểm đa diện thành một trải nghiệm điện ảnh hạnh phúc, và bộ phim hoàn toàn thay đổi giai điệu. Đó là một bước ngoặt mà bạn không bao giờ quên, và nó làm cho tất cả các cánh của ham muốn như là sự hồi sinh của một tinh thần.

1. Raging Bull

Martin Scorsese đã gõ cửa Death, đối phó với chứng nghiện và trận chiến khó khăn của ngành công nghiệp điện ảnh (mặc dù có một số chiến thắng trong thập niên 70 của anh ta). Robert Deniro cầu xin Scorsese thích nghi Raging Bull: Một cuốn hồi ký của võ sĩ Jake Lamotta. Scorsese chế giễu, bởi vì anh ấy đã làm những bộ phim thể thao. Tuy nhiên, anh ta là bệnh viện bị ràng buộc sau khi sống sót sau khi quá liều gần như gây tử vong, và anh ta cần một sự nghiệp trở lại sau khi New York, New York ném bom tại phòng vé (điều đó thật tệ, phải không?). Vì vậy, Raging Bull là hai nhiệm vụ cho Scorsese. Đầu tiên, đó là ý nghĩa của anh ấy để đi xa khỏi tính quy ước và khả năng dự đoán của thể loại thể thao. Thứ hai, anh ấy đã làm bộ phim này như thể nó sẽ là lần cuối cùng của anh ấy; Anh ta chắc chắn rằng anh ta sẽ tiếp tục như một người phàm. & NBSP;

Raging Bull được phát hành vào năm 1980, vào đầu thập kỷ này. Nó được bắn bằng màu đen và trắng để trông phù hợp với thời gian (sự cân bằng giữa thập niên 40, 50 và 60), và không giống như một sản phẩm của thời đại của nó. Bất chấp tất cả những điều này, nó ngay lập tức là tác phẩm lớn nhất của thập niên 80, và vẫn như vậy cho đến ngày nay (mặc dù nó mang các đặc điểm gần như bằng không của thời đại). Lamotta không được đặt ra như một anh hùng, một nhân vật phản diện hay một kẻ phản diện. Anh ta chỉ là một con người thiếu sót, có vấn đề, người đã phá hủy mọi thứ anh ta sở hữu và đẩy mọi người anh ta yêu vì quỷ của mình. Scorsese có khả năng tìm thấy đây là một trải nghiệm cathartic, vì anh ta cố gắng đảm bảo rằng những số phận tương tự đã không xảy ra với chính mình. Điểm cao nhất của bộ phim là cảnh quay phim hay nhất của rạp chiếu phim: một sự hợp nhất của các cảnh quay nhà màu, và hình ảnh của Lamotta trị vì chiến thắng. Sau đó, toàn bộ cuộc sống của Lamotta đã bị giết bởi chính mình, biến đoạn phim này thành một giấc mơ mà chúng ta mong muốn một lần nữa.

Biến vòng đấm bốc thành một thiên đường của những ẩn dụ điện ảnh tách biệt Raging Bull với các bộ phim thể thao khác (có ít hơn mười phút thời gian trên màn hình trong chiếc nhẫn nói trên). Thay vào đó, nó là một cuộc triển lãm cho Scorsese để phân tích sự mong manh của cơ thể và tâm trí con người, đặc biệt là với Lamotta là chủ đề đáng sợ. Với mỗi người thân yêu của Scorsese, làm việc thêm giờ để đảm bảo rằng bộ phim cuối cùng tiềm năng của anh ấy là hay nhất của anh ấy (Deniro, biên tập viên Thelma Schoonmaker, Paul Schrader, v.v. May mắn thay, Scorsese đã đánh bại quỷ của mình, và đã tiếp tục phát hành các tác phẩm chất lượng như một trong những auteurs vĩ đại nhất của Mỹ cho đến ngày nay. Raging Bull sẽ vẫn là thành tựu lớn nhất của mình: một bàn chải với cái chết đã biến thành sự đánh giá cao của loại hình nghệ thuật điện ảnh. Trải nghiệm siêu hình này đã được tạo ra từ nỗi sợ ngày mai không bao giờ xảy ra bất cứ lúc nào. Bây giờ, nó là bộ phim hay nhất của 1980 1980. Thời gian là một vị cứu tinh hoặc một lời nguyền. Scorsese biết rằng nhiều như Lamotta đã làm.

Andreas Babiolakis có bằng thạc sĩ về bảo quản phim và nhiếp ảnh và quản lý bộ sưu tập tại Đại học Ryerson, cũng như bằng Cử nhân Nghiên cứu Điện ảnh từ Đại học York. Thời gian yêu thích của anh ấy trong năm là Bộ sưu tập Tiêu chí Bán hàng Flash và Liên hoan phim quốc tế Toronto hàng năm.

Những hiểu biết, hiểu biết sâu sắc, nhiều thập kỷ Projectaugust 3, 2020my xinh đẹp Laundrette, Heathers, Babette's Feast, Pauline at the Beach, Gần Dark, Heaven's Gate, Taxi Zum Klo, The Stuntman, The Princess Bride, Smithereens, Mirch Masala, Nostalghia Lang liếc, mơ hồ, tàu bí ẩn, opera, tóc, Alice, nàng tiên cá nhỏ, tỏa sáng, một câu hỏi về sự im lặng, một con cá gọi là Wanda, đám cưới của anh trai tôi, Cowboy nhà thuốc, Kagemusha, Vua hài, Metro cuối cùng, máu Đơn giản, sô cô la, mộ của đom đóm, Mad Max 2, Santa Sangre, tôi đã nghe tiếng nàng tiên cá hát, trung đội, Mauvais hát, hoa hồng màu tím của Cairo, tình dục, dối trá và băng video, lớn, những đứa trẻ của một vị thần ít hơn, Một thành phố của nỗi buồn, những người yêu thích đã chết, Đế chế tấn công trở lại, Akira, tội ác và tội nhẹ, bó ngọt ngào, tin tức phát sóng, câu chuyện Đài Bắc, Polyester, Videodrom, E.T. Sự ngoài hành tinh, bản ballad của Narayama, Camp de Thiaroye, The Untouchables, Tampopo, Camille Claudel, The Thing, Salaam Bombay !, Quay trở lại tương lai Người phụ nữ nhện, Withnail và tôi, sự hy sinh, những dòng tình yêu, tia xanh, Fitzcarraldo, The Right Stuff, Paris, Texas, The Secret of Nimh, The Horse Thief, Amadeus, người đóng khung Roger Rabbit, tôi Thổi ra, sau nhiều giờ, huyền thoại của Pháo đài Suram, Điện ảnh Paradisio, L'Argent, Rạp chiếu phim Paradiso, Hannah và các chị em của cô, The Fly, Das Boot, The Last Hoàng đế, Mishima: A Life in Four Chapters, Come and See, Phụ nữ trên bờ vực suy nhược thần kinh, Ngày xửa ngày xưa ở Mỹ, Berlin Alexanderplatz, Blade Runner, Fanny và Alexander, làm điều đúngAugust 3, 2020My Beautiful Laundrette, Heathers, Babette’s Feast, Pauline at the Beach, Near Dark, Heaven’s Gate, Taxi Zum Klo, The Stuntman, The Princess Bride, Smithereens, Mirch Masala, Nostalghia, A World Apart, Parting Glances, Vagabond, Mystery Train, Opera, Hairspray, Alice, The Little Mermaid, The Shining, A Question of Silence, A Fish Called Wanda, My Brother’s Wedding, Drugstore Cowboy, Kagemusha, The King of Comedy, The Last Metro, Blood Simple, Chocolat, Grave of the Fireflies, Mad Max 2, Santa Sangre, I’ve Heard the Mermaids Singing, Platoon, Mauvais Sang, The Purple Rose of Cairo, Sex, Lies, and Videotape, Big, Children of a Lesser God, A City of Sadness, Dead Ringers, The Empire Strikes Back, Akira, Crimes and Misdemeanors, Sweet Bunch, Broadcast News, Taipei Story, Polyester, Videodrome, E.T. the Extra-Terrestrial, The Ballad of Narayama, Camp de Thiaroye, The Untouchables, Tampopo, Camille Claudel, The Thing, Salaam Bombay!, Back to the Future, The Vanishing, The Elephant Man, Veronika Voss, My Neighbor Totoro, Kiss of the Spider Woman, Withnail and I, The Sacrifice, Love Streams, The Green Ray, Fitzcarraldo, The Right Stuff, Paris, Texas, The Secret of NIMH, The Horse Thief, Amadeus, Who Framed Roger Rabbit, L’Ange, Possession, Blow Out, After Hours, The Legend of the Suram Fortress, Cinema Paradisio, L’Argent, Cinema Paradiso, Hannah and Her Sisters, The Fly, Das Boot, The Last Emperor, Mishima: A Life in Four Chapters, Come and See, Women on the Verge of a Nervous Breakdown, Once Upon a Time in America, Berlin Alexanderplatz, Blade Runner, Fanny and Alexander, Do the Right Thing, Brazil, Blue Velvet, Dekalog, Ran, Wings of Desire, Raging Bull